XX yüzyılın güzel sanatlarının ana yönleri - SkillsUp - tasarım, bilgisayar grafikleri, Photoshop dersleri, Photoshop dersleri hakkında uygun bir ders kataloğu. 20. yüzyılın Rus güzel sanatı 20. yüzyılın Rus sanatının yönleri kısaca
Toplumsal ve tarihsel sorunlara ve eğilimlere bağlı olmayan değerleri ilan eden "saf" sanat, güzel ama gerçekçi olmayan bir olgudur.
Resmi ve gayri resmi - toplumda hüküm süren fikirlere dikkat etmeden, günlük yaşamdan izole olarak yaratmak imkansızdır. 20. yüzyılda Rusya sanatı, başka hiçbir ülkede bilinmeyen sosyal sistemdeki güçlü değişikliklerden etkilendi.
Yüzyılın başı, yeni fikir arayışları
20. yüzyılın 100 yılı, tüm uygarlık için eşi görülmemiş bir karışıklık dönemiydi. 20. yüzyılın sonuna gelindiğinde, bilimsel ve teknolojik ilerleme, tüm gezegen için zaman ve alanı sıkıştırdı, sınırlı bir bölgedeki sosyal çatışmalar, gezegensel karışıklıklara dönüştü. 20. yüzyılda Rusya'nın kültürü ve sanatı, herkes gibi sosyal aktivite Avrupa ve Amerika, yakın tarihin en önemli olaylarına geçici bir bağlılığa sahiptir.
Yeni bir yüzyılın başlangıcına işaret eden sayıların büyüsü, her zaman değişim beklentisini, yeni, mutlu bir zamanın başlaması umudunu doğurur. Rus kültürü için dünya çapında bir üne sahip olan on dokuzuncu yüzyıl, bir gecede ortadan kalkması mümkün olmayan gelenekleri geride bırakarak geçmişe doğru kayboluyordu.
“Sanat Dünyası”, 1898'de ortaya çıkan ve 1924'e kadar aralıklı olarak var olan sanatçılar derneğinin adıydı ve Rusya'da 20. yüzyılın ilk çeyreğinde güzel sanatları hayal etmek imkansızdı. "Sanat Dünyası", ortak bir gelişmiş stile sahip değildi - ressamlar, grafik sanatçıları, heykeltıraşların her biri kendi yollarına gitti, sanatın hedefleri ve toplumdaki rolü hakkında görüşlerinde bir anlaşmaya vardı. Bu görüşün birçok özelliği Mikhail Vrubel'in dehası tarafından ifade edildi. Resmi çekirdek, derneğin temeli L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumova-Lebedeva, K.A. Somov idi. Farklı zamanlarda Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K.A. Korovin, B.M. Kustodiev, N.K. Roerich, V.A. Serov ve diğer ustalar katıldı.
Hepsi sanatta profesyonelliğin önceliğini, yaratıcı özgürlüğün muazzam rolünü ve sanatçının sosyal dogmalardan bağımsızlığını kabul ederken, bir yandan sanatın insan yaşamındaki değerini inkar etmiyor, bir yandan akademizmin katılığına karşı çıkıyor, ve diğer yanda Gezginler tarafından resmin aşırı politize edilmesi. Geleneklerin destekçileri tarafından eleştirilen Sanat Dünyası, “proleter” resmin doğuşunun çalkantılı sürecine sığamadı, ancak Rusya'da 20. yüzyılın tüm güzel sanatlarında - hem de içinde çalışanlar üzerinde - büyük bir etkisi oldu. SSCB ve göçle sonuçlananlar.
Modern
On dokuzuncu yüzyılın son on yılları, güzel sanatlar ve mimarlık ustalarının eserlerinde iz bırakan yeni bir tarzın doğuşu dönemiydi. Avrupa'nın bazı bölgelerinde, hatta farklı olarak adlandırıldığı kendi özelliklerine sahipti. Belçika ve Fransa'da "Art Nouveau" adı Almanya'da - "Art Nouveau", Avusturya'da - "Secession" olarak belirlendi. Bu tarzın en ünlü sanatçıları veya bu yönde mobilya, mücevher ve diğer ürünler üreten firmalarla ilişkili diğer isimler bilinmektedir: lapa tarzı, Guimard tarzı - Fransa'da, Liberty İtalya'da, ABD'de - Tiffany tarzı, vb. Rusya'nın 20. yüzyıl, özellikle mimari, Art Nouveau olarak biliyor.
Uzun bir stilistik zamansızlık döneminden sonra Art Nouveau, en etkileyici ve görsel olarak oluşturulmuş sanatsal hareketlerden biri haline geldi. Geniş hacimli geometrik olarak basit ve etkileyici formlarla birlikte zengin dekor çizgilerinin bitkisel, pürüzsüz karakteri, sanatçıları ve mimarları tazelik ve yenilikle çekti.
Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - Rus mimari modernitesinin yıldızı. Yeteneği, esasen kozmopolit bir tarza ulusal özellikler kazandırdı, Shekhtel'in başyapıtları - Yaroslavsky tren istasyonu, Ryabushinsky konağı - hem genel olarak hem de küçük şeylerde Rus mimarın yaratımlarıdır.
Devrim öncesi avangard
Yeni sanat biçimleri ve daha fazlasını - yeni özü - arama süreci, tüm Avrupa ve Amerika'nın sanatıyla ilgiliydi. 20. yüzyılda Rusya sanatı, birkaç reformcunun çalışmalarının sanatsal düşüncenin gelişiminde yeni yönler gösterdiği birkaç gerçekten devrimci dönem içeriyor. En çarpıcı ve etkileyici olanlardan biri, 1905'ten 1917'ye kadar olan devrimler arası dönemdi. Rusya'daki avangard sanatın özelliklerine, Rus-Japon Savaşı ve 1905 Devrimi'nin trajedilerinden sonra Rus kamusal yaşamının krizi neden oldu.
O dönemde ortaya çıkan sayısız avangard hareket ve yaratıcı dernek, benzer yaratıcı nedenlere ve benzer sanatsal arayış hedeflerine sahipti. Rusya'da 20. yüzyılın ana sanat türleri üzerinde güçlü bir etkiye sahip olan fütüristler ve kübo-fütüristler, Elmas Jack ve Mavi Gül, Kandinsky ve Malevich'in Süprematizmi Farklı yollar yeni dünyalar aradılar, gerçeklikle bağını yitirmiş eski sanatın krizini dile getirdiler, küresel bir çalkantı çağının başlangıcını öngördüler.
Avangard sanatçılar tarafından doğan yeni fikirler arasında, ünlü performans - yeni sanat "Güneş Üzerindeki Zafer" (1913) manifestosu gibi sayfalar içeren 20. yüzyılda Rusya düşüncesi vardı. Fütürist şairler M. Matyushin, V. Khlebnikov ve fütürist şairlerin ortak çalışmasının sonucuydu. dekorasyon Kazimir Malevich tarafından gerçekleştirildi.
20. yüzyılda Rusya sanatını arayışlarıyla zenginleştiren sanatçılar P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, dünya çapında tanınan resimlerin yazarları oldular. Ve bu tanıma, modern tarihte avangard resmin doğuşu çağında, 20. yüzyılın 10'lu yıllarında başladı.
Ekim Devrimi'nden sonra Rusya, sanat da dahil olmak üzere kamusal yaşamda tüm dünyaya yeni ufuklar açma fırsatı buldu. Ve her yetenekli kişinin değeri ölçülemez bir şekilde arttığında ilk koşullar yaratıldı, yeni yaratıcı fikirlerin üreteçleri ön plana çıktı.
Sanat tarihi o dönemi nasıl yorumluyor? 20. yüzyıl, Rusya, çalkantılı yirmili yıllar - bu, aralarında öne çıkan sayısız yaratıcı derneğin eşi görülmemiş derecede aktif bir sanatsal hayatıdır:
UNOVIS - "Yeni sanatın olumlayıcısı" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Vitebsk sanat okulu temelinde kurulan bu dernek, sanatsal avangardın savunucusuydu ve sanat için yeni temalar ve biçimler aramayı teklif etti.
- "Dört Sanat" - "Sanat Dünyası" ile uyumlu bir akış Ana hedef, mimari, heykel, grafik ve resmin muazzam ifade olanaklarını göstermektir. Yüksek profesyonellik ve yaratıcı özgürlük ihtiyacı ilan edildi. En önde gelen temsilciler: mimar A. V. Shchusev, grafik sanatçısı V. A. Favorsky, heykeltıraş V. I. Mukhina, ressamlar K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva ve diğerleri.
- "OST", "Şövale Sanatçıları Derneği". Yeni, barışçıl bir yaşamın başlangıcının işaretlerini, modern bir genç ülkenin inşasını gelişmiş bir etkileyici, ancak basit ve net bir üslupla göstermenin ana şeyi olarak kabul edildi. Liderler: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.
- "Sanatçılar Çemberi" (Leningrad). Resmi kursun ardından, "dönemin tarzını" geliştirmek. Grubun aktif üyeleri: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.
AHRR - "Devrimci Rusya Sanatçıları Derneği" - daha sonra oluşturulan SSCB Sanatçılar Birliği'nin temeli haline gelen bir dernek, sanatsal sürecin ideolojik liderliği için aktif bir direktör, parti propagandası aracı, mirasçılar Gezginlerin. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson başındaydı.
yapılandırmacılık
En prestijli programlarda Eğitim Kurumları mimarları hazırlarken, her zaman "Rus yapılandırmacılığı - 20'lerin mimari avangardı" konulu bir çalışma vardır. İnşaat sanatını anlamak için büyük önem taşımaktadır, bu yönün liderleri tarafından ilan edilen fikirler her zaman için çok önemlidir. Konstantin Melnikov'un hayatta kalan binaları (mimarın Krivoarbatsky şeridindeki konut binası, Rusakov'un Stromynka'daki kulübü, Novoryazanskaya caddesindeki bir garaj vb.), Vesnin kardeşler, Moses Ginzburg (Narkomfin Evi Novinsky Bulvarı'ndaki Narkomfin Evi) ve Rus mimarisinin diğer yıldızları Rus mimarisinin altın fonu.
İşlevselcilik, gereksiz süslemelerin reddedilmesi, bina yapısının estetiği, yaratılan yaşam ortamının uyumu - bu fikirler, endüstriyel tasarım olarak adlandırılmaya başlayan alanda genç mimarlar, sanatçılar ve uzmanlar için belirlenen yeni sorunları çözmenin temeli oldu. . Yeni şehirler için toplu konutlar, bireyin kapsamlı gelişimi için işçi kulüpleri inşa etmek, yeni bir kişinin çalışması ve rekreasyonu için tesisler yaratmak zorunda kaldılar. Yirmili yılların avangardının şaşırtıcı başarıları atlanamaz, sonraki tüm zamanların Rusya, Avrupa ve Amerika sanatını incelemek büyük ölçüde onlara dayanmaktadır. Bu ilerici fikirlerin anavatanlarında en az talep gören ve “Stalin İmparatorluğu tarzı” birçok kişi tarafından Sovyet mimarisinin en büyük başarısı olarak kabul edilmesi üzücü.
Totalitarizm çağının sanatı
1932'de Bolşeviklerin Tüm Birlik Komünist Partisi Merkez Komitesinin yaratıcı derneklerin çalışmaları hakkında Kararnamesi yayınlandı. Çeşitli akımların ve yönlerin çalkantılı dönemi, tek gücün güçlendiği ideolojik aygıt tarafından kontrol edilen, güç kazanan devlet makinesinin etkisi altında sona erdi. Uzun yıllar boyunca, 20. yüzyılda Rusya sanatı, ülkenin yaşamında olduğu gibi, bir kişinin görüşüne bağlı olmaya başladı - Joseph Stalin.
Yaratıcı birlikler, sanatsal düşünceyi tek tip ideolojik standartlara tabi kılmanın bir aracı haline geldi. Sosyalist çağı geldi. Yavaş yavaş, resmi rotadan herhangi bir sapma suçlu ilan edilmeye başlandı, aynı fikirde olmayanlar gerçek baskı altına girdi. Parti çizgisinden sapma suçlamaları, yaratıcı tartışmaları çözmenin bir yöntemi haline geldi. Bunun ilericiliği oldukça tartışmalıdır. Örneğin, büyük sahne reformcusu Vsevolod Meyerhold baskının kurbanı olmasaydı, 20. yüzyılda Rusya'nın tiyatro sanatı nasıl gelişirdi?
Sanatsal yeteneğin doğası karmaşık ve açıklanamaz. Liderlerin görüntüleri büyük bir beceri ve samimi duygularla somutlaştırıldı. En acımasız baskıların hiçbiri, ideolojik çerçeveden bağımsız olarak, kendilerini ifade etmenin ana şey olduğu gerçekten yetenekli sanatçıların ortaya çıkmasını engelleyemedi.
Mimaride, "Stalinist imparatorluk" zamanı geldi. Avangard sanatçılar arayışının yerini, kanıtlanmış kanonlara dönüş aldı. Komünist ideolojinin gücü, yeniden işlenmiş neoklasizmin muhteşem örneklerinde -Stalin'in "gökdelenleri"nde vücut buluyordu.
Savaş dönemi sanatı
Ülkemizin tarihinde en büyük trajedi ve benzeri görülmemiş bir ruhsal yükseliş aşaması haline gelen bir dönem var. 20. ve 21. yüzyıllarda Rusya sanatı, Rus halk karakterinin büyüklüğünü, tarihsel ayaklanmalar sırasında bir bireye ve büyük kitlelere sahip olabilen duygu derinliğini ifade etmeyi mümkün kılan ana temalardan birini almıştır.
İlk günlerden itibaren Büyük Vatanseverlik Savaşı, inanılmaz gücün görsel görüntülerinde ifadesini buldu. Poster I. Toidze "Vatan Çağırıyor!" ülkenin savunmasına herhangi bir komutandan daha iyi yükseldi ve Deineka'nın "Sivastopol Savunması", paylaştığı fikirlerden bağımsız olarak herhangi bir kişiyi şok ediyor. Dmitri Shostakovich'in Yedinci Senfonisi aynı derecede etkileyici ve 20. yüzyılda Rusya'nın müzik sanatı, diğer yaratıcılık türlerinden daha az olmamak üzere, faşizme karşı savaş temasına haraç ödedi.
çözülme
Büyük Zafer'den sonra, SSCB'de kamusal yaşamı etkileyen bir sonraki en güçlü tarihsel faktör, Stalin'in ölümü (Mart 1953) ve kişilik kültünün teşhir edilmesi sorununu gündeme getiren SBKP'nin 20. Kongresiydi. Bir süredir sanatçılar için olduğu kadar tüm toplum için de yaratıcılık ve yeni fikirler özgürlüğü nefesi vardı. "Altmışlar" kuşağı çok özel bir fenomendir, onlarca yıl tekrar ölçülü, programlanmış, düzenlenmiş bir varoluş bataklığına dalmadan önce alınan kısa bir temiz hava olarak kendi hatırasını bıraktı.
"İkinci dalganın" sanatsal avangardının ilk deneyleri - E. Belyutin, Y. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky ve diğerlerinin eserleri - Moskova'nın 30. yıldönümüne adanmış sergide Sanatçılar Birliği şubesi, ülkenin yeni lideri N Kruşçev tarafından kişisel olarak kınandı. Parti yeniden insanlara nasıl bir sanata ihtiyaç duyduklarını ve sanatçılara nasıl yazmaları gerektiğini açıklamaya başladı.
Mimariye, savaş sonrası dönemin ekonomik zorluklarıyla doğru bir şekilde açıklanan aşırılıklarla başa çıkması talimatı verildi, toplu konut inşaatı için zaman geldi, konut sorununun keskinliğini bir şekilde ortadan kaldıran, ancak şekil değiştiren "Kruşçev" zamanı birçok şehrin görünümü.
"Gelişmiş sosyalizm" sanatı
Birçok yönden, 20. yüzyılın ikinci yarısındaki Rusya sanatı, büyük ölçüde sanatsal bir kişilik ile baskın ideoloji arasındaki bir yüzleşme hikayesidir. Ancak, manevi alanın her parçasının ideolojik olarak düzenlendiği bir atmosferde bile, birçok sanatçı, öngörülen sosyalist gerçekçilik yöntemini hafifçe değiştirmenin yollarını buldu.
Bu nedenle, gençler için gerçek bir örnek, yirmili yıllarda inançlarını oluşturan ustalardı: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov ve diğerleri. Sanat derneği eski üyesi "OST" Y. Pimenov'un 1962'de yazdığı "Yarının Sokağında Düğün" resmi, toplumun yenilenme umutlarının bir simgesi oldu.
O zamanın Sovyet resminde bir başka çarpıcı fenomen de “şiddetli bir üslup” oluşumuydu. Bu terim, G. Korzhov, P. Ossovsky, Smolin kardeşler, P. Nikonov ve diğerlerinin çalışmalarını ifade ediyordu.Farklı türlerde (günlük, tarihi) boyanmış resimlerinde, talimatlara ihtiyaç duymayan, bir kahramanla meşgul olan bir kahraman ortaya çıktı. anlaşılır ve gerekli bir iş. Gereksiz ayrıntılar ve renkli fırfırlar olmadan, geniş ve etkileyici bir şekilde tasvir edildi.
Tuvallerinin sivil sesi, Sovyet sanatı için nadir bir genel hümanist, neredeyse dini mesaj içerdiğinden ve resim stilinin kökleri İtalyan Rönesansına dayandığından, böyle bir ustanın eseri özellikle önemlidir.
uyumsuzluk
"Sosyalist gerçekçiliğin" resmi egemenliği, enformel sanatçıları izleyiciye ulaşmaya ya da göçe başvurmaya zorladı. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny ve diğerleri ayrıldı. Bunlar, yüzyılın başındaki avangardın doğduğu manevi değerlerin taşıyıcıları olan ve komünist ideolojinin çöküşünden sonra anavatanlarına dönen Rusya'da 20. yüzyılın sanatçılarıydı.
Ve saltanatı sırasında, otoriteler ve yaratıcı sendikaların liderliği tarafından zulme uğrayan, ancak bağımsız Batılı uzmanlar tarafından çok değer verilen çılgın, ebediyen sarhoş bir sanatçı, akıl hastanelerinde yaşayan popüler motife yol açan iç göç ortaya çıktı. Böyle bir görüntünün tipik bir taşıyıcısı, gelişmiş sosyalizm çağında Moskova için efsanevi bir figür olan A. Zverev'di.
Çok biçimlilik ve çoğulculuk
Rusya'da 20. yüzyılın güzel sanatları, Sovyet döneminin devlet dayatmalarından kurtularak, onunla ortak özelliklere ve eğilimlere sahip, onun ayrılmaz bir parçası olarak küresel sürece girmiştir. Batı'ya uzun süredir aşina olan birçok yaratıcılık biçimi, yerli sanatçılar tarafından hızla ustalaştı. "Performans", "video yerleştirme" vb. kelimeler konuşmamızda tanıdık hale geldi ve dünya çapında üne sahip en önemli çağdaş ustalar arasında taban tabana sahip sanatçılar var: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov ve diğerleri.
Fırtınalı, tahmin edilemez yakın tarih Dünya topraklarının altıda birini işgal eden ülke, aynasına - 20. yüzyılın Rusya'sının sanatı - bakıyor ve binlerce unutulmaz görüntü ile ona yansıyor ...
1. 20. yüzyılın sonunda Rusya Sanatı. Rusya'da 20. yüzyılın son on yılı, ülkedeki durumu kökten değiştiren siyasi ve ekonomik olaylarla doluydu. Birliğin 1991'de çökmesi ve siyasi gidişatın değişmesi, piyasa ilişkilerine geçiş ve Batı modeline net bir yönelim ekonomik gelişme Son olarak, ideolojik kontrolün tamamen ortadan kaldırılmasına kadar zayıflaması - tüm bunlar 90'ların başında kültürel ortamın hızla değişmeye başlamasına katkıda bulundu. Ülkenin liberalleşmesi ve demokratikleşmesi, ulusal sanatta yeni eğilimlerin ve yönelimlerin gelişmesine ve kurulmasına katkıda bulundu. 1990'larda Rusya'da sanatın evrimi, postmodernizmin doğasında var olan eğilimlerin ortaya çıkmasıyla, aşağıdaki gibi alanlarda çalışan yeni nesil genç sanatçıların ortaya çıkmasıyla gerçekleşir: kavramsalcılık, bilgisayar grafikleri, neoklasizm Rusya'da bilgisayar teknolojisinin gelişimi ile ilgili. Kökeni klasik eklektizmden gelen "Yeni Rus neoklasizmi", modernizm çağından önce "klasiklere" ait olmayan çeşitli eğilimleri birleştiren "çok yönlü bir elmas" haline geldi. neoklasizm- bu, sanatçıların klasik resim, grafik, heykel geleneklerini canlandırdığı, ancak aynı zamanda en son teknolojileri aktif olarak kullandıkları bir sanat yönüdür. İngiliz tarihçi ve sanat kuramcısı Edward Lucy Smith Rus neoklasizmini "Kazimir Malevich'ten sonra dünya sanat sürecini etkileyen Rus kültürünün ilk çarpıcı olgusu" olarak adlandırdı. Neoklasizm, antik çağa karşı klasikçilerinkinden farklı bir tutum talep etti. Yunan kültürünün tarihsel görüşü, eski eserleri mutlak değil, belirli bir tarihsel ideal haline getirdi, bu nedenle Yunanlıların taklidi farklı bir anlam kazandı: eski sanatın algılanmasında öne çıkan normatifliği değil, özgürlüğüydü. , daha sonra kanon olacak kuralların koşulluluğu, insanların gerçek hayatı. D.V. Sarabyanov neoklasizmi modernitenin bir tür "karmaşıklığı" olarak bulur. Aynı olasılıkla, neoklasizm hem geç modern hem de bağımsız bir eğilim olarak kabul edilebilir. “Yeni sanatçılar”ın çalışmalarında saf modernlik veya ayrı neoklasizm yoktur, her zaman birbirine bağlı hareket ederler, yeni akademinin sanatçıları görsel sanatlardaki çeşitli eğilimleri aynı anda birleştirdi: avangard, postmodernizm, “kolajda klasisizm”. Uzay". "Yeni sanatçıların" eserleri, bilgisayar grafikleri, gravür, resim ve fotoğrafçılığı birleştiren eklektiktir. Sanatçılar bitmiş eserleri dijitalleştirdi, gerekli parçaları seçti ve kolajlar yarattı, antik çağın kostümlerini ve dekorunu ustaca restore etti. kombinasyon geleneksel yöntemler bilgisayar grafik programlarının yetenekleri ile sanatçıların yaratıcı potansiyelini genişletti. Kolajlar taranan malzemeden bir araya getirildi, onlara sanatsal özel efektler uygulandı, deforme edildi, hayali kompozisyonlar oluşturuldu. 1990'ların başında St. Petersburg neoklasizminin en önde gelen temsilcileri şunlardı: O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. neoklasizm Toberloot'lar romantizmin tezahürlerinden biridir. Eserleri, bir insanın duygularını, hayallerini, asaleti, coşkulu bir şeyi somutlaştırıyor ve gerçekleştirilemez bir ideale dönüşüyor. . Sanatçı, eserlerinin kahramanı olur. Stilistik olarak, O. Toberluts'un çalışması, antik tapınakları, Rönesans iç mekanlarını, Hollanda yel değirmenlerini ve tasarımcı K. Goncharov'un kostümlerini modernitenin bir dokunuşu olarak gösteren eklektik bir dünya olarak postmodern bilinçten geçen neoklasizm olarak tanımlanabilir. Bilgisayar grafiklerinin sınırsız olanakları O.Tobreluts'un eserlerini fantastik ve doğaüstü kılıyor. Bilgisayar teknolojisi yardımıyla E. Sheff kolajlarında antik mitolojinin görüntülerini yaratarak antik Yunanistan'a, ardından antik Roma'ya döner. seri halinde "Ludwig'in Mitleri" sanatçı, antik çağın etkilerini üst üste bindiren Yunan heykellerinin, mimari yapıların fotoğraflarını kullandı. Bilgisayar teknolojisinin yardımıyla sanatçı, Kolezyum'un özgünlüğünü restore ederek çevresinde heyecan verici geziler yapıyor. Dijital boyama Şutov birçok hobisinin duygusal eşdeğerini temsil eder. Hem Yunan klasiklerini hem de etnografik araştırmaların yankılarını ve gençlik alt kültürünün unsurlarını içerir.Bu nedenle, 20. yüzyılın sonunun sadece Rusya'nın siyasi ve ekonomik yaşamında değil, aynı zamanda Rusya'da da bir dönüm noktası olduğu belirtilebilir. Sanat. 1990'larda görsel sanatlarda güçlü bir trend olan "yeni Rus neoklasizmi" kuruldu. Rusya'da bilgisayar teknolojilerinin gelişimi, sanatçıların yaratıcı potansiyelini genişletti, yeni sanatçılar, yeni teknolojileri kullanarak klasik eserler yarattı. Ana şey teknik ve teknoloji değil, estetiktir. Modern sanat da klasik olabilir. 2. 21. yüzyılın başında Rusya sanatı. 20. - 21. yüzyılların başında güzel sanatların bir özelliği, sansür baskısından, devletin etkisinden, piyasa ekonomisinden değil, özgürleşmesidir. Sovyet döneminde profesyonel sanatçılara bir sosyal güvence paketi sağlandıysa, resimleri ulusal sergiler ve galeriler için satın alındı, ancak şimdi yalnızca kendi güçlerine güvenebilirler. Ancak Rus resmi ölmedi ve Batı Avrupa ve Amerikan sanatının bir görünümüne dönüşmedi, Rus gelenekleri temelinde gelişmeye devam ediyor. Çağdaş sanat, çağdaş sanat galerileri, özel koleksiyoncular, ticari şirketler, devlet sanat organizasyonları, çağdaş sanat müzeleri, sanat stüdyoları veya sanatçıların kendileri tarafından sanatçılar tarafından işletilen alanda sergilenmektedir. Çağdaş sanatçılar hibeler, ödüller ve ödüller yoluyla finansal destek alır ve ayrıca çalışmalarının satışından fon alır. Rus pratiği bu bakımdan Batı pratiğinden biraz farklıdır. Müzeler, Bienaller, festivaller ve çağdaş sanat fuarları yavaş yavaş sermaye çekmek, turizm işine yatırım yapmak veya hükümet politikasının bir parçası haline geliyor. Özel koleksiyoncuların tüm çağdaş sanat sistemi üzerinde büyük etkisi vardır. Rusya'da, çağdaş sanatın en büyük koleksiyonlarından biri, St. Petersburg'daki devlet dışı Erarta Çağdaş Sanat Müzesi tarafından düzenlenmektedir. Çağdaş sanatta eğilimler: muhteşem olmayan sanat- çağdaş sanatta gösteriyi ve teatralliği reddeden bir eğilim. Bu tür sanatın bir örneği, Polonyalı sanatçı Pavel Althamer'in 2000 yılında "Manifesta" sergisindeki "Script Outline" performansıdır. Rusya'da, muhteşem olmayan sanatın kendi versiyonunu sundu. Anatoly Osmolovsky Sokak sanatı(İngilizce) Sokak sanatı- sokak sanatı) - görsel sanatlar, ayırt edici özellik belirgin bir kentsel stil olan. Sokak sanatının ana kısmı grafitidir (aksi takdirde sprey sanatı), ancak sokak sanatının grafiti olduğu düşünülemez. Sokak sanatı ayrıca posterleri (ticari olmayan), şablonları, çeşitli heykel yerleştirmelerini vb. İçerir. Sokak sanatında her ayrıntı, önemsiz, gölge, renk, çizgi önemlidir. Sanatçı kendi stilize logosunu yaratır - "benzersiz bir işaret" ve onu kentsel peyzajın bazı kısımlarında tasvir eder. Sokak sanatında en önemli şey, alana sahip olmak değil, izleyiciyi bir diyaloga dahil etmek ve farklı bir olay örgüsü programı göstermektir. Son on yıl, sokak sanatının seçtiği yön çeşitliliğine işaret ediyor. Eski kuşağa hayran olan genç yazarlar, kendi tarzlarını geliştirmenin öneminin farkındalar. Bu şekilde, hareket için zengin bir gelecek öngören yeni dallar ortaya çıkıyor. Sokak sanatının yeni çeşitli biçimleri bazen daha önce yaratılmış olan her şeyi kapsam olarak aşar. aerografi - herhangi bir yüzeye basınçlı hava kullanarak sıvı veya toz boya uygulamak için bir araç olarak bir airbrush kullanarak güzel sanatların boyama tekniklerinden biri. Sprey boya da kullanılabilir. Airbrushing'in yaygın kullanımı ve görünümü nedeniyle Büyük bir sayıçeşitli boyalar ve bileşimler, airbrushing, geliştirme için yeni bir ivme kazandı. Şimdi airbrushing, resimler, fotoğraf rötuşları, tahnitçilik, modelleme, tekstil boyama, duvar boyama, vücut sanatı, tırnak boyama, hediyelik eşya ve oyuncak boyama, tabak boyama yapmak için kullanılıyor. Genellikle arabalarda, motosikletlerde, diğer ekipmanlarda, baskıda, tasarımda vb. Resim çizmek için kullanılır. İnce boya tabakası ve yüzeye düzgün püskürtme olasılığı nedeniyle, mükemmel dekoratif efektler elde etmek mümkündür, pürüzsüz renk geçişleri, üç boyutluluk, ortaya çıkan görüntünün fotoğrafik gerçekçiliği, ideal bir yüzey pürüzsüzlüğü ile pürüzlü bir dokunun taklidi gibi.
Seminer konuları ve soruları;
konu 1. Sanat tarihi ve sanat tarihi ile ilgili temel kavramlar.
Sorular:
1. Sanatların sınıflandırılması sorunu.
2. "Sanat eseri" kavramı. Bir sanat eserinin ortaya çıkışı ve görevi. İş ve sanat.
3. Sanatın özü, amaçları, görevleri.
4. Sanatın işlevleri ve anlamı.
5. "Stil" kavramı. Sanatsal tarz ve zamanı.
6. Sanatların sınıflandırılması.
7. Sanat eleştirisinin ortaya çıkış ve oluşum tarihi.
Tartışma konuları:
1. Sanatın 5 tanımı vardır. Her birinin özelliği nedir? Hangi tanımı takip ediyorsunuz? Sanat tanımınızı formüle edebilir misiniz?
2. Sanatın amacı nedir?
3. Bir sanat eserini nasıl tanımlarsınız? "Sanat eseri" ve "sanat eseri" nasıl bir arada var olur? Bir sanat eserinin ortaya çıkış sürecini açıklar (I. On'a göre). Bir sanat eserinin görevi nedir (P.P. Gnedich'e göre)?
4. Sanatın 4 ana işlevini (I.P. Nikitina'ya göre) ve dördünü listeleyin.
sanatın anlamının olası anlaşılması.
5. "Stil" kavramının anlamını tanımlayın. Avrupa sanatının hangi tarzlarını biliyorsun? "Sanatsal tarz", "sanatsal alan" nedir?
6. Sanat türlerini listeleyin ve kısaca tanımlayın: uzamsal, zamansal, uzay-zaman ve gösteri sanatları.
7. Sanat tarihinin konusu nedir?
8. Sanat tarihi eserlerinin incelenmesinde müzelerin, sergilerin, galerilerin, kütüphanelerin rolü nedir sizce?
9. Eski sanat düşüncesinin özellikleri: Sanat üzerine edebiyatın ilk örnekleri hakkında günümüze ulaşan bilgiler ("Canon", Polykleitos, Duris'in incelemeleri, Xenocrates). Sanatla ilgili literatürde "topografik" yön: Pausanias'ın "Hellas'ın Tanımı". Lucian'ın sanat eserlerinin tanımı. "Uyum ve sayı" yasalarına tabi olan uyumlu bir bütün olarak Pisagor "kozmos" kavramı ve mimarlık teorisinin başlangıcı için önemi. Mimarlık ve şehir planlamasında düzen ve orantı fikri. Platon (Yasaların altıncı kitabı, Critias diyalogu) ve Aristoteles'in (Politika'nın yedinci kitabı) yazılarında ideal şehir imgeleri. Antik Roma'da Sanatı Anlamak. Eski sanat tarihi hakkında ana bilgi kaynağı olarak Yaşlı Pliny (MS 1. yüzyıl) tarafından "Doğal Tarih". Vitruvius'un İncelemesi: Klasik mimari teorisinin sistematik bir açıklaması.
10. Orta Çağ'daki eski geleneklerin kaderi ve sanatla ilgili ortaçağ fikirlerinin özellikleri: Orta Çağ'ın estetik görüşleri (Augustine, Thomas Aquinas), önde gelen estetik fikir: Tanrı güzelliğin kaynağıdır (Augustine) ve onun için önemi Sanatsal teori ve pratik. "Prototip" fikri. Sanat üzerine ortaçağ edebiyatının özellikleri. Pratik-teknolojik, reçeteli kılavuzlar: Afaon Dağı Dionysius Furnagrafiot'tan “Ressamların Kılavuzu”, Herakleios'un “Romalıların Renkleri ve Sanatları Üzerine”, Theophilus'un “Schedula” (Schedula - Student). Kroniklerdeki mimari anıtların tanımı ve azizlerin yaşamları.
11. Avrupa sanat ve sanat tarihinin gelişim tarihinde bir dönüm noktası olarak Rönesans. Antik çağa yeni tutum (antik çağ anıtlarının incelenmesi). Laik bir dünya görüşünün gelişimi ve deneysel bilimin ortaya çıkışı. Sanat olgusunun tarihsel ve eleştirel yorumuna yönelik bir eğilimin oluşumu: Lorenzo Ghiberti'nin "Yorumları" Özel konularda incelemeler - kentsel planlama (Filaret), mimaride orantılar (Francesco di Giorgio), resimde perspektif (Piero dela Francesca). Sanatın gelişmesinde Rönesans dönüm noktasının teorik anlayışı ve Leon Batista Alberti'nin (“Heykel Üzerine”, 1435, “Resim Üzerine”, 1435-36, “Mimarlık Üzerine”) tezlerinde antik mirasın hümanist çalışma deneyimi ”), Leonardo da Vinci (“Resim Üzerine İnceleme”, ölümünden sonra yayınlandı), Albrecht Dürer (İnsan Oranları Üzerine Dört Kitap, 1528). Leon Baptiste Alberti'nin "Mimarlık Üzerine On Kitap"ta (1485) Vitruvius'un mimari teorisinin eleştirisi. Vitruvius "Yiğitlik Akademisi" ve Vitruvius'un çalışmalarının incelenmesi ve tercüme edilmesindeki faaliyetleri. Giacomo da Vignola'nın "Mimarlığın Beş Düzeninin Kuralı" (1562) adlı eseri. Andrea Palladio'nun Mimarlık Üzerine Dört Kitabı (1570), Rönesans mimarisi tarihinde klasik bir sonsözdür. Palladio'nun barok ve klasisizm mimari fikirlerinin gelişimindeki rolü. Palladio ve Palladyanizm.
12. Yeni Çağ'da tarihsel sanat tarihinin oluşumunun ana aşamaları: Vasari'den Winckelmann'a: "En önde gelen ressamların, heykeltıraşların ve mimarların yaşamları" sanat eleştirisinin oluşumu. Vasari'nin Hollanda resminin malzemesine dayanan biyografilerinin bir devamı olarak Karel Van Mander'in "Sanatçıların Kitabı".
13. Sanatta üslup oluşumu sorunları, sanatsal yöntemler, sanatçının toplumdaki yeri ve rolü üzerine 18. yüzyıl düşünürleri: Sanat tarihinde akılcılık. Nicolas Poussin'in klasik teorisi. Nicolas Buallo'nun (1674) "Şiirsel Sanatta" klasisizmin teorik programı ve A. Feliben'in (1666-1688) "En ünlü ressamlar, eski ve yeni hakkında konuşmalar".
14. Aydınlanma Çağı (18. yüzyıl) ve sanatın kuramsal ve metodolojik sorunları. oluşum ulusal okullar genel sanat teorisi içinde. Fransa'da sanat eleştirisinin gelişimi. Salonların Fransız sanat hayatındaki rolü. Güzel sanatlar üzerine eleştirel literatürün önde gelen biçimleri olarak Salonların İncelemeleri. Sanat eleştirisinin görevleri hakkında anlaşmazlıklar (yaratıcılığın değerlendirilmesi veya halkın eğitimi). Alman sanat tarihinin özellikleri. Gotthold Ephraim Lessing'in güzel sanatlar teorisine katkısı. "Laocoön" (1766) incelemesi ve resim ve şiirin sınırları sorunu. "Güzel sanatlar" yerine "güzel sanatlar" kavramının tanıtılması (vurguyu güzellikten gerçeğe kaydırmak ve sanatın figüratif-gerçekçi işlevini öne çıkarmak). Johann Joachim Winckelmann'ın faaliyetlerinin tarihsel sanat biliminin gelişimi için önemi. Winckelmann'ın antik sanat anlayışı ve gelişiminin dönemselleştirilmesi.
15. Sanatla ilgili Rus düşüncesinin kökenleri. Rus ortaçağ kroniklerinde ve mektup kaynaklarında sanatçılar ve sanatsal anıtlar hakkında bilgiler. 16. yüzyılın sosyal ve politik yaşamında sanatla ilgili sorular sormak. (1551'deki Stoglavy Katedrali ve diğer katedraller) eleştirel düşüncenin uyanışının ve çeşitli ideolojik eğilimlerin mücadelesinin kanıtı olarak.
16. 17. yüzyılın Rus sanatında radikal bir değişiklik: laik bir dünya görüşünün başlangıcının oluşumu ve Avrupa sanatsal kültür biçimleriyle ilk tanışma. Sanatsal ve kuramsal düşüncenin oluşumu. Avvakum'un "Hayatı"ndaki "İkonografi Üzerine" Bölümü. Joseph Vladimirov'un (1665-1666) "Sanat Üzerine Deneme" ve Simon Ushakov'un (1666-1667) "Meraklı İkon Resmine Söz", sanat teorisi üzerine ilk Rus eserleridir.
17. Aktif yeni oluşum laik formlar 18. yüzyılda kültür. Notlar
J. von Stehlin, Rus sanat tarihi yaratmaya yönelik ilk girişimdir.
18. K.N.'nin eleştirel makalelerinde yeni romantik sanat anlayışı. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoyevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.
19. 19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın sanat tarihi: Resmi okulun başarılarını eleştirmenlerinin kavramlarıyla sentezleme girişimleri - "yapısal bilim". sanatsal stiller. Sanat tarihinde göstergebilimsel yaklaşım. Yu.M.'nin eserlerinde güzel sanat eserlerinin semiyotik çalışmasının özellikleri. Lotman, S.M. Daniel, BA Uspensky. Modern ev biliminde sanatı incelemek için çeşitli yöntemler. Bir sanat eserinin analiz ilkeleri ve M. Alpatov'un eserlerinde sanat tarihi çalışmasına sorunlu bir yaklaşım (“ Sanatsal sorunlar Sanat Antik Yunan”, “İtalyan Rönesansının Sanatsal Sorunları”). V. Lazarev tarafından metodolojik yaklaşımların sentezi (biçimsel üslup, ikonografik, ikonolojik, sosyolojik). D. Sarabyanov'un eserlerinde karşılaştırmalı-tarihsel araştırma yöntemi (“Avrupa okulları arasında 19. yüzyılın Rus resmi. Karşılaştırmalı araştırma deneyimi”). Sanata sistematik yaklaşım ve özellikleri.
1. Alekseev V.V. Sanat nedir? Bir ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraşın dünyayı nasıl tasvir ettiği hakkında. – M.: Sanat, 1991.
2. Valeri P. Sanat hakkında. Toplamak. – M.: Sanat, 1993.
3. Engerek B.R. Sanatın tarihsel çalışmasına giriş. – M.: Görsel sanatlar, 1985.
4.Vlasov V.G. Sanatta stiller - St. Petersburg: 1998.
5.Zis A.Ya. Sanat türleri. – M.: Bilgi, 1979.
6.Kon-Wiener. Güzel Sanatlar Tarzlarının Tarihi. - M.: Svarog ve K, 1998.
7. Melik-Paşayev A.A. Sanat üzerine modern sözlük referans kitabı. – M.: Olimp – AST, 2000.
8. Janson H.V. Sanat tarihinin temelleri. – M.: Sanat, 2001.
Tema 2. Antik Dünyanın Sanatı. İlkel komünal sistem çağının sanatı ve eski doğu.
Sorular:
1. İlkel toplum sanatının dönemselleştirilmesi. Dönemin ilkel sanatının özellikleri: Paleolitik, Mezolitik, Neolitik, Bronz.
2. İlkel sanatta senkretizm kavramı, örnekleri.
3. Eski Doğu sanatının genel yasaları ve ilkeleri.
4. Eski Mezopotamya Sanatı.
5. Eski Sümerlerin sanatı.
6. Eski Babil ve Asur sanatı.
Tartışma konuları:
1. ver kısa inceleme ilkel sanatın dönemselleştirilmesi. Her dönemin sanatının özellikleri nelerdir?
2. İlkel sanatın temel özelliklerini tanımlayın: senkretizm, fetişizm, animizm, totemizm.
3. Eski Doğu sanatında (Mısır ve Mezopotamya) bir kişinin tasvirindeki kanonları karşılaştırın.
4. Eski Mezopotamya güzel sanatlarının özellikleri nelerdir?
5. Belirli anıtlar örneğinde bize Mezopotamya mimarisinden bahsedin:
Ur'daki Etemenniguru zigguratı ve Yeni Babil'deki Etemenanki zigguratı.
6. Belirli anıtlar örneğinde bize Mezopotamya heykelinden bahsedin: Alayı Yolu boyunca duvarlar, İştar Kapısı, Aşurnasirpal Sarayı'ndan kabartmalar.
7. Mezopotamya'nın heykelsi kabartma görüntülerinin teması nedir?
8. İlk Babil mimari anıtlarının adı neydi? onların neydi
randevu?
9. Sümer-Akad kültürünün kozmogonisinin özelliği nedir?
10. Sümer-Akad uygarlığının sanatındaki başarıları listeleyin.
1. Vinogradova N.A. Doğu'nun geleneksel sanatı. - M.: Sanat, 1997.
2. Dmitrieva N.A. Kısa hikaye sanat. Sorun. 1: Antik çağlardan 16. yüzyıla kadar. Denemeler. – M.: Sanat, 1985.
3. Eski Doğu Sanatı (Dünya sanatının anıtları). – M.: Sanat, 1968.
4. Eski Mısır Sanatı. Resim, heykel, mimari, uygulamalı sanatlar. – M.: Görsel sanatlar, 1972.
5. Antik Dünya Sanatı. – E.: 2001.
6. Sanat tarihi. İlk uygarlıklar - Barselona-Moskova: OSEANO - Beta-Servis, 1998.
7. Dünya sanatının anıtları. Sayı III, ilk seri. Antik Doğu Sanatı. - M.: Sanat, 1970.
8.Pomerantseva N.A. Eski Mısır sanatının estetik temelleri. – M.: Sanat, 1985.
9. Stolyar A.D. Güzel sanatların kökeni. – M.: Sanat, 1985.
20. yüzyılın başları Yıldırım hızıyla sadece yetişmekle kalmayıp, aynı zamanda birçok yönden Avrupa ana sanat okullarının önünde olan resim için bir dönüm noktası olduğu ortaya çıktı, eski analitik gerçekçilik ilkelerinden en son sanatsal düşünce sistemlerine geçiş yaptı. . modernizm başladı çöküş (fr. çöküş (lat. çöküş) - çürüme, düşüş) ve sembolizm. kültür modernizm (fr. modern - 20. yüzyılın edebiyat ve sanatındaki en son, modern), felsefi ve estetik hareket, eski dünya görüşünün krizini, en son ile karşılaştırıldığında klasik olarak bilinen estetik krizini yansıttı. Görsel sanatlarda, Art Nouveau kendini görüntülerin bir sembolizmi, alegorilere (resimdeki) bir tercih, formların akışkanlığı, dinamik kompozisyonlar ve silüetin (heykelde) özel bir ifadesi olarak tezahür etti.
Rusya'da, sembolist eğilim sadece sanatçılar tarafından değil, aynı zamanda şairler tarafından da canlı bir şekilde temsil edildi ve çeşitlendi, sembolizm şiirinde tamamen Rus bir eğilim ortaya çıktı - akmeizm. Puşkin'in "altın çağına" benzetilerek, Rus şiirinin ve sanatının en parlak döneminin bu dönemine "gümüş çağ" adı verildi.
Sanatta bu eğilimin temsilcileri, dikkatlerini "kendinde şeylerin" sanatsal ifadesine ve fikirlerin sanatsal ifadesine odakladılar. karakterler, dahası, bu şeyler ve fikirler, insan duyusal algısının sınırlarının ötesinde bir şey olarak algılandı. Sembollerin yardımıyla, görünür gerçekliği "gizli gerçeklere", dünyanın zaman-ötesi ideal özüne, "yok edilemez güzelliğine" kırmaya çalıştılar. Sanatlarıyla, manevi özgürlüğe duydukları özlemi, dünyadaki sosyo-tarihsel değişimlerin trajik bir önsezisini, dünyanın tüm insanları için birleştirici bir ilke olarak asırlık kültürel ve manevi değerlere olan güvensizliği dile getirdiler.
XX yüzyılın başlarında kültür merkezinin önemli rolü. sembolist şairlerin ve sanatçıların yaratıcı bir derneği tarafından oynanan "Sanat Dünyası" (1898-1924), St. Petersburg'da A.N. Benois ve SP. Diaghilev. "Sanat için sanat" sloganıyla hareket eden bu derneğin faaliyetleri, sanat gazeteciliği, sergi faaliyetleri, şövale boyama, dekoratif ve uygulamalı sanat ve sanat eleştirisinin daha da gelişmesine ivme kazandırdı. "Sanat Dünyası"nın resimleri ve çizimleri, rafine dekorasyon, stilizasyon ve zarif süsleme ile karakterizedir. "Sanat Dünyası" nın değeri aynı zamanda yeni kitap grafiklerinin, baskıların, tiyatro sahnelerinin yaratılmasıydı. Her hareketin, adımın, dönüşün sosyal olarak işaret edildiği, bir şeye karşı yönlendirildiği ve bir şeyi savunmak için yapılan Wanderers'ın kasıtlı olarak nesnel, pratik resminin yerini, Sanat Dünyasının nesnel olmayan resmi, içsel resimsel sorunları çözmeye odaklanmıştır. , dış sosyal sorunlardan ziyade.
Dernek üyeleri, önde gelen Avrupa sergilerinin katılımcılarıydı. 20. yüzyılın seçkin sanatçıları, "World of Art" derneğinin sergi faaliyetlerinde aktif rol aldı: A.P. Ostroumova-Lebedeva, M.V. Dobuzhinsky, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov, I.Ya. Bilibin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, Z.E. Serebryakova, St. Chekhonin, D.I. Mitrokhin ve diğerleri. Filozoflar "World of Art" dergisinin editörleriyle işbirliği yaptı DM Merezhkovski, V.V. Rozanov, L.I. Şestov. 20. yüzyılın başlarındaki birçok ünlü şair, Sanat Dünyası ile dostane ve ticari ilişkilere sahipti. - AA Blok, Andrey Bely (B.N. Bugaev), M.A. Kuzmin, F.K. Sologub, V.Ya. Bryusov, K.D. Balmont. Tiyatro çalışanları, besteciler, koreograflar ile temaslar sürdürüldü KS Stanislavsky, M.F. Stravinsky, M.M. Fokin, V.F. Nijinsky.
18. yüzyılın ulusal sanat kültürünün geleneklerine yönelim - 19. yüzyılın başlarında. World of Art'a göre Rus sanatının canlanmasına katkıda bulunması gerekiyordu. Derneğin sanatçıları Alman romantik edebiyatına, İngilizlerin modernist tablosuna ve Fransızların izlenimciliğine düşkündü.
"Sanat Dünyası" nın ilham kaynağı ve organizatörü, sanatçı, sanat tarihçisi ve eleştirmen BİR. Benoit (1870-1960), dergi ve kitap illüstrasyonlarında geçmiş dönemlerin ruhunu taşıyan romantik tarihçilik tarzını yarattı. Sanat eleştirisi üzerine yaptığı çalışmalarda, Rus ulusal sanat geleneğinin orijinal özelliklerini diğer Avrupa okullarının arka planına karşı doğrulayan ilk kişi Benois oldu. Dünya sanat tarihine anıtsal bir katkı, dört ciltlik eseriydi. "Tüm zamanların ve halkların resim tarihi" (1917). Bir bilim adamı ve sanatçı, tarih ve sanat anıtlarına karşı kötü tada ve barbar tutumlara karşı aktif olarak savaştı, Rus avangardına karşı çıktı, müze çalışmalarına katıldı (1918'de Hermitage sanat galerisine başkanlık etti). 1926'da devrimle hayal kırıklığına uğrayan Benois, Paris'e yerleşti.
"Sanat Dünyası" nın en parlak temsilcilerinden biri LS Bakst (1866-1924) ünlü bir dekoratör olarak ünlendi "Rus Mevsimler" Paris'te. Eserlerinde antik ve oryantal motifleri stilize ederek sofistike ve dekoratif bir fantastik gösteri yarattı. Bakst'ın eli İskenderiye Tiyatrosu'ndaki "antik" performansların tasarımına aitti. 1909-1914'te. Bakst on iki performans tasarladı "Rus baleleri" SP. Diaghilev.
1915'ten sonra Moskova yenilikçi sanatın başkenti oldu. 1916'dan 1921'e kadar resimde avangard eğilimlerin oluştuğu yer burasıydı. Güç Kazanma Derneği "Jack of Diamonds" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin, P.P. Falk, A.V. Lentulov, N.A. Udaltsova ve diğerleri) ve "Supremus" çemberi (K.V. Malevich, O.V. Rozanova, I.V. Klyun, L.S. Popova). Moskova ve St. Petersburg'da ara sıra yeni yönler, çevreler ve toplumlar ortaya çıkıyor, yeni isimler, kavramlar ve yaklaşımlar ortaya çıkıyor. 1917 devrimi, ressamları yenilikçi deneylerini atölyelerin kapalı alanlarından şehrin sokaklarının açık alanlarına aktarmaya zorladı. Moskova'da sanat üniversiteleri açıldı, Sanat Kültürü Enstitüsü (Inkhuk) ve Yüksek Sanatsal ve Teknik Atölyeler (Vkhutemas) kuruldu.
XIX-XX yüzyılların başında. Rus sanatı, o zamana kadar öğrencilerin içinde yürümek, Batı Avrupa sanatsal arayışının genel ana akımına karışır. Rusya'daki sergi salonları kapılarını Avrupa sanatının yeni kreasyonlarına açıyor: İzlenimcilik, Sembolizm, Fovizm, Kübizm. XX yüzyılın başında. Moskova'da büyük galeriler ve özel çağdaş sanat koleksiyonları açılıyor. Şimdi, Picasso ve Matisse'in çalışmalarını tanımak için, sadece Londra, Paris veya Madrid'e değil, Rusya'ya da gitmek gerekiyor.
Ruslar hala gelişiyor fransız Fovizm, ve işte Almanca DIŞAVURUMCULUK, Rus bileşeninin (V.V. Kandinsky, A.G. Yavlensky, M.V. Verevkina - Münih Blue Rider grubunun çekirdeği) lider bir rol oynadığı, hiçbir şey onları şaşırtamaz. Yavaş yavaş, iki Avrupa sanatsal eğilimi Rusya'da modayı belirlemeye başladı - fransız kübizmi ve İtalyan fütürizmi. Ancak kübizm ülkemizde kendine özgü bir "soyut" ses kazanmıştır.
Özellikle tutarlı kübo-fütürist "Jack of Diamonds" derneğinin kurucularından biriydi A.B. mercimek (1882-1943). Sanatçı, dünyayı dinamik renk ve formlardan oluşan bir kaleydoskop olarak yorumlayan özgün bir fütüristik panel türü geliştirdi ("Zafer Savaşı", 1914). Büyüleyici şenlikli, sanki parçalanıyormuş gibi veya tam tersine, renkli unsurlardan ortaya çıkıyor, eski Moskova kilise mimarisinin görüntüleri ("Kutsanmış Vasily", 1913; "Zil" ("Büyük Çan Kulesi İvan"), 1915, vb. .) - iyimser ses izlenimi yaratın.
Paris ve Münih'te küçümsemeyle reddedilen İtalyan Fütürizmi Rusya'da da aynı derecede coşkulu bir karşılama aldı. Rusya'da "fütürizm" adını alan hareket (lat. gelecek - gelecek), İtalyan fütürizminin temsil ettiğinden daha zengin ve çeşitliydi. Fransa ve İtalya gibi kübizm ve fütürizm gelenekleri tarafından engellenmeyen Ruslar, Parislilerin bile karşılayamayacakları bir sentez elde ederek sınırsız deneyler yaptılar. Rus sentezi öncelikle kavramsaldı. Petersburg derneği "Gençlik Birliği"nde birleşen çok sayıda sanatçı grubunun yaratıcılığının sonucuydu.
20. yüzyılın başlarında sanat güçlerinin kutuplaşması, birçok sanat grubunun tartışması, sergi ve yayıncılık (sanat alanında) faaliyetlerini yoğunlaştırdı.
Rus sanatçıların soyut sanattaki ilk deneyleri 90'lı yıllara kadar uzanıyor. İlk manifestolarından biri kitap olan XIX yüzyıl M.F. Larionova "luşizm" (1913) ve gerçek teorisyenler ve uygulayıcılar V.V. Kandinsky (1866-1944) ve KS Maleviç (1878-1935). Aynı zamanda, K.S. Eski Rus ikon resminin ardıllığını ilan eden Petrov-Vodkin, geleneğin canlılığına tanıklık etti ("Kızıl Atı Yıkanmak", 1912).
Soyut resmin gelişiminde son derece önemli bir yer, parlak Rus sanatçı, şair ve sanat teorisyenine aittir. V.V. Kandinsky (1866-1944). Kandinsky, hükümlülerin soyundan gelen zengin bir Nerchinsk tüccar ailesinden geliyordu. Moskova'nın büyük burjuvazisi arasında alışılmış olduğu gibi, Kandinsky Moskova Üniversitesi'nde hukuk ve ekonomi okudu, ancak hukuk kariyeri ona çekici gelmedi. 1889'da, eski Rus ikon resmi ve halk sanatı ile tanıştığı Vologda eyaletine etnografik bir keşif gezisine çıktı. Sanatsal gelişimindeki bir diğer önemli olay, Claude Monet'in o yıllarda öğrenci olan Kandinsky'nin hangi gruba baktığını gösteren "Samanlık" resmiydi. Hukuk Fakültesi Moskova Üniversitesi, "bu resimde hiçbir nesne olmadığını" hissetti. O andan itibaren konu Kandinsky için eski önemini yitirdi. Yavaş yavaş, resim yargının yerini aldı: 1896'da Derpt (Tartu) Üniversitesi'ndeki profesörlük görevinden istifa etti.
1900'lerin başında Kandinsky, Avrupa ve Kuzey Afrika'da yoğun bir şekilde seyahat etti, ancak daimi ikametgahı olarak Münih'i (1902-1908) seçti. 1910'da ilk soyut çalışmayı yarattı - hiçbir şeyi tasvir etmeyen veya belirtmeyen renkli noktalar ve çizgilerden oluşan kaotik bir düzenleme ve "Sanatta Maneviyat Üzerine" başlıklı bir inceleme yazdı. O andan itibaren, 20. yüzyıl sanatında yeni bir yön gelişmeye başladı. Öz. Kandinsky, bir yeni Çağ insanlığın gelişiminde, geleceğin bir insan ırkı ortaya çıkar. Onlar için içsel ve ruhsal dünya değerli olacaktır. 1911'de Franz Marc Kandinsky ile birlikte ünlü Blue Rider birliğini kurdu. Sanatçılar sergiler düzenler, bir almanak yayınını düzenler. 1909'dan 1914'e kadar olan dönem en yoğun dönemdi: Kandinsky, üç döngüde gruplandırılmış yaklaşık iki yüz resim yaptı: "doğaçlamalar", "kompozisyonlar", "gösterimler", genellikle seri numaraları ve altyazılarla.
1914'te savaşın patlak vermesiyle bir Rus tebaası olan Kandinsky, Almanya'yı terk etmek zorunda kaldı. Moskova'ya döndüğünde, sanatsal yaşamda aktif olarak yer alıyor: Resim Kültürü Müzesi'nin oluşturulmasına katılıyor (toplamda 22 il müzesinin oluşturulmasına katıldı), üniversitede ve Vkhutemas'ta ders veriyor. 1920'de Kandinsky, Inkhuk'un başlatıcısıydı.
Rus avangardının merkezi figürlerinden biri, V.E. tatlı (1885-1953), kurucu olarak kabul edildi yapılandırmacılık, 1921 yılına kadar otoriteler tarafından devrimci sanatın önde gelen yönü olarak resmen tanınan hareket. İlginç, olaylı bir hayat yaşadı. 1900'lerin sonlarında - 1910'ların başında. sanatçı, başta M.F. ile olmak üzere yerli avangard sanatçılarla yakınlaştı. Larionov ve N.S. Goncharova, şairler Velimir Khlebnikov, A.E. Kruchenykh, aralarında hızla ilk yerlerden birine taşındı. Ekim Devrimi'nden sonra Tatlin, sosyal ve sanatsal hayata enerjik bir şekilde dahil oldu: 1917'de profesyonel ressamlar birliğinde "genç hizip" başkanıydı, 1918'den beri - Moskova Halk Eğitim Komiserliği Sanat Koleji başkanı, başlatıcı Sol Sanat Hareketleri Derneği'nin (1921-1925) başkanı, yeni tür müzelerin ("sanatsal kültür müzeleri") yaratılması konusunda, Petrograd'da Ginhuk'un Maddi Kültür Dairesi'ne (1923-1925) başkanlık etti.
Konstrüktivizmin özü, soyut sanatın pratik, faydacı kullanımı fikriydi. Tatlin ve konstrüktivistler, 20. yüzyılın başlarındaki en görkemli yapılardan biri ile ünlendiler. - III Komünist Enternasyonal (1919-1920) için bir anıt. 400 m yüksekliğindeki sarmal kule, kongre salonlarını, çeşitli kurumları ve hoparlörler aracılığıyla bilgi mesajlarını dağıtması beklenen bir radyo istasyonunu barındırması amaçlanan bir küp, bir piramit ve bir silindir içeriyordu. Eyfel Kulesi'nin bir buçuk katı yüksekliğindeki "Tatlin Kulesi", insanlığı bir dünya devrimine hazırlayan Komintern'in idari, ajitasyon ve propaganda merkezi olarak tasarlandı. Metal kirişlerin ve farklı hızlarda dönen dört şeffaf hacmin inşasının, Komintern'in yürütme, yasama ve propaganda kurumlarını barındırması gerekiyordu. Teknolojik olarak yeni materyallerin ve herhangi bir gelenek tadından tamamen yoksun soyut formların kullanımı, devrimin ruhunu açıkça yansıtıyordu. Tatlin kendi yaratılışını düşündü en yüksek nokta farklı sanatların sentezi.
Yapılandırmacılığın bir diğer öne çıkan figürü, El Lissitzky (takma ad L.M. Lissitzky) (1890-1941), yetenekli bir Rus grafik sanatçısı, illüstratör, tipograf, mimar, fotoğrafçı, teorisyen ve mimari eleştirmen olarak bilinir, yeni bir sanat formunun yaratıcılarından biri - tasarımın. Çalışmasının en ilginç dönemi 1919-1921'de Vitebsk ile bağlantılıdır. neredeyse tüm Rusya'nın sanatsal mekânıydı. Halk Sanat Okulu'na başkanlık eden Marc Chagall, UNOVIS grubunu kuran Kazimir Malevich ve Chagall atölyesini yöneten ve Malevich ile birlikte Vitebsk İşsizlikle Mücadele Komitesi'nin yıldönümü kutlamalarını tasarlayan El Lissitzky'nin olduğunu söylemek yeterli. (1919), burada yaşadı ve çalıştı. Vitebsk'te Lissitzky, kendi adını verdiği üç boyutlu Suprematist kompozisyonlarının kendi versiyonunu icat etti ve geliştirdi. "zamirler" (yeni onay için projeler). Yazara göre Prounlar, Süprematizm ve Konstrüktivizm yöntemlerini sentezleyerek "resimden mimariye bir aktarım istasyonu" olarak hizmet ediyor. Tasarım geliştirmelerinin yaratılması için bir tasarım aşaması rolü oynadılar: ünlü "yatay gökdelenler" projeleri, tiyatro modelleri, dekoratif-mekansal enstalasyonlar, pavyon projeleri ve sergi iç mekanları, yeni fotoğraf ve fotomontaj ilkeleri, poster, kitap, ve mobilya tasarımı daha sonra zamirlerden doğdu.
Lissitzky, tasarımın sözlü iletişim biçimlerinin dışında anlaşılabilir uluslararası bir dil olarak iletişimsel rolüne yönelik tutumlarını gerçekleştirerek pan-Avrupa yapılandırmacılık hareketine katıldı.
Konstrüktivizm, sanatın uygulamalı alanında olduğu kadar temel alanda da son derece üretken olduğunu kanıtladı. 20. yüzyılın iki kültürel girişimi ondan kaynaklanmaktadır. - tasarım ve üretim sanatı, Bu, tasarımın bir dalı veya yönü olarak kabul edilir. Birincisi dünya çapında tanınma aldı, ikincisi " düzeyinde kaldı. ev yapımı ".
XX yüzyılın sanatının önemli isimlerinden biri. parlak bir Rus ressam, grafik sanatçısı, kitap illüstratörü, sanat teorisyeni P.N. Filonov (1881 -1941), Rus avangardının bağımsız bir yönünün yaratıcısı - sözde analitik sanat. 1910'da Gençlik Birliği'ne katılmak ve Gilea grubunun (V.V. Khlebnikov, V.V. Mayakovsky, V.V. Kamensky, A.E. Kruchenykh, Burliuk kardeşler, vb.) Rus avangardının ressamları. 1916-1918'de. cephede ve 1920'lerde savaştı. iç savaşa, devrime adanmış bir dizi eser yarattı, Petrograd proletaryası, Petrograd'daki Ginkhuk'un organizatörü oldu.
Filonov, bir resim oluşturma sürecini, yapısının her bir mikro elementini araştırma süreci olarak anlayan bir sanatçı-araştırmacı olarak adlandırdı. Analitik yönteminin temeli olarak "doneness ilkesi"ni ilan etti: resimsel yüzeyin her milimetre karesinin özenli bir şekilde işlenmesi, büyük bir resmin bile yaratılması için bir koşul olarak hizmet etti. Büyük tuvaller küçük bir fırça ile boyandı. Her vuruş, en üst düzeyde yaratıcı çaba gerektiren bir "eylem birimi" anlamına geliyordu. Filonov yöntemi, izleyicinin yalnızca sanatçının dünyada gördüklerini değil, onun hakkında bildiklerini de kabul etmesi gerektiğini varsayıyordu. Filonov, sanatsal bir resmin biçim ve renge ek olarak şunları ifade etmesi gerektiğini savundu: tüm dünya görünen ve görünmeyen fenomenler, sayısız yüklemi olan bilinen ve gizli özellikler. Filonov'un eserleri ("Dünya Refahının Formülü", 1916; "Uzay Formülü", 1919; "Batı ve Doğu", 1913, vb.) kız kardeşi tarafından Devlet Rus Müzesi'ne bağışlandı.
Sürrealizmin en büyük temsilcilerinden biri MZ Chagall (1887-1985). Vitebsk'te doğdu, ancak 1922'de yurtdışına göç etti. Devrim öncesi Vitebsk ve Petrograd zamanlarında, Aşıklar döngüsünden epik resimler, tür, portre ve manzara kompozisyonları yaratıldı. 1920-1930'larda. Chagall dünyanın birçok ülkesini gezdi, P. Picasso, A. Matisse, J. Rouault, P. Bonnard, P. Eluard ve diğerleri ile arkadaş oldu, Fransa onun ikinci evi oldu.
Günlerinin sonuna kadar Chagall, ailesinin ikon resmi, Vrubel'in çalışması, isimsiz tabelaların çalışmaları ve aşırı solun resimlerini içeren Rus geleneği ile olan ortaklığını vurgulayarak kendisine "Rus sanatçı" adını verdi. Chagall'ın sıra dışı tuvallerindeki eylem, geçmiş ve geleceğin, fantazmagorinin ve günlük yaşamın, mistisizm ve gerçekliğin kaynaştığı özel yasalara göre ortaya çıktı. Eserlerin vizyoner (rüya gören) özü, figüratif bir başlangıçla, derin bir "insan boyutu" ile birleştiğinde, Chagall'ı dışavurumculuk ve sürrealizm gibi eğilimlerin öncüsü yaptı. Tuvallerindeki gündelik gerçeklik, doğum, düğün, ölüm gibi yaşam döngüsünün büyük temaları olan ebediyen yaşayan mitler tarafından kutsanmış ve ruhsallaştırılmıştır.
Rusya'da devrim sonrası dönemde, sol ve sağ sanatçılar olarak adlandırılan bir bölünme vardı. Bu, Ekim Devrimi'nin zaferiyle Sovyet hükümetinin hemen yeni bir kültür politikası uygulamaya başlamasıyla açıklandı. Bu, tarihte benzeri görülmemiş bir kültür türünün yaratılması anlamına geliyordu - proleter - o zamanlar inanıldığı gibi en devrimci ve en gelişmiş olana, Marksizm ideolojisine, yeni bir insan tipinin yetiştirilmesine, evrensel okuryazarlığın yayılmasına ve aydınlanma, sıradan insanların emek sömürülerini yücelten anıtsal sanat eserlerinin yaratılması vb. Proleter kültürü sanıldığı gibi soylu ve burjuva kültürlerin yerini alacaktı. Devrim öncesi zamanlarda bile sanatta yeni ilkeler ilan eden avangard sanatçılar (Kandinsky, Malevich, Chagall, Tatlin vb.), dönüşümleri coşkuyla kabul ettiler ve eserlerini "sol sanat" olarak adlandırmaya başladılar. Bununla birlikte, zamanla, onlar ve M.F. gibi parlak sanatçılar da dahil olmak üzere diğer sanatçılar. Larionov, N.S. Goncharova, M.V. Dobuzhinsky, V.M. Kustodiev, Z.E. Sovyet rejimi ile hayal kırıklığına uğrayan Serebryakova, Rusya'yı terk etti. Yaratıcı aydınların göçü ile Rus sanatının ve Rus edebiyatının "gümüş çağı" sona erdi.
"Doğru" olarak adlandırılabilecek bir başka kamp, sosyalist gerçekçiliğin katı ilkeleri üzerinde duran, politik olarak angaje olan sanatçılardan oluşan bir topluluktu. "Doğru" kamp heterojendi ve içinde en az iki yön görülebilir. İlk yön, 19. yüzyılın Gezginlerinin geleneklerini yeniden canlandırdı. ve 1922'de oluşturulan ve üyeleri (I.I. Sovyet iktidarının ülkesindeki zafer alayının sanatsal bir biçimi. Günlük mutlu hayat köylüler ve işçiler, Kızıl Ordu askerlerinin sömürüleri, partinin ve hükümetin sıradan insanlar için endişeleri gündem haline geliyor. "kahramanca gerçekçilik". AHRR'nin en büyük sanatçılarından biri I.I. Brodsky (1883-1939), bir Lenin portreleri galerisi ve ünlü "26 Bakü Komiserinin İnfazı" (1925) tablosu da dahil olmak üzere tarihi ve devrimci resimlerden oluşan bir döngü oluşturur. Diğer Ahrrovitler destansı portrelerde uzmandır: A.M. Gerasimov ("Podyumdaki Lenin", 1930), SV. Malyutin (Furmanov'un portresi, 1922), H.A. Andreev (Stalin'in portresi, 1922), B.V. Jogaison ("Komünistlerin Sorgulanması", 1933). Devrimin kahramanlarının grup görüntüleri M.B. Grekov ("Tachanka", 1925), K.S. Petrov-Vodkin ("Komiserin Ölümü", 1928), A.A. Deineka ("Petrograd Savunması", 1928). Sosyalist gerçekçiliğin ikinci yönü, anavatanın güzelliğinin yüceltilmesiyle bağlantılıdır. Örneğin, K.F. Yuon neşeli açık hava manzaraları yarattı, I.I. Geçmişte "Jack of Diamonds"ın yaratıcılarından biri olan Mashkov, etkileyici renkli manzaralar ve natürmortlar çiziyor, A.E. Arkhipov, lirik manzaralar ve neşeli köylü kadınların görüntülerinde uzmanlaştı.
1930'ların eserleri ya kolektivizasyondan sonra mutlu bir köyün (SV. Gerasimov "Kolektif Çiftlik Tatili", 1937) ve ordunun cesareti ve gücünün (S.A. Chuikov "Sınırda", 1938) ya da aralarında Stalin'in de bulunduğu parti liderlerinin yüceltilmesine adanmıştır. önde gelen bir yer tutar.
Yetkililer tarafından desteklenen AHRR, sayısız avangard harekete karşı amansız bir mücadele verdi ve birçok sanatçı sonunda yeraltına inmek, göç etmek ve yargılanmak zorunda kaldı. Filozoflar ve parti görevlilerinin ardından kültürel şahsiyetler ideolojik yüzleşmenin içine çekilmeye başladı. Böylece, G. G. Ryazhsky başkanlığındaki NOZH (Yeni Ressamlar Derneği) derneği, geleneğe dayalı yeni bir resmin yaratıldığını ilan ediyor. Sanatçılar Derneği "Genesis" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin, vb.), dünyanın materyalist vizyonunu ve arsanın önemini vurgular.
Avangard eğilimlerin sanat sahnesinden kaldırılması, 23 Nisan 1932'de Bolşeviklerin Tüm Birlik Komünist Partisi Merkez Komitesi'nin "Edebi ve sanatsal örgütlerin yeniden yapılandırılması hakkında" bir kararname yayınlamasıyla sona erdi. birleşik yaratıcı birliklerin Şu andan itibaren, "sosyalist gerçekçilik" teriminin resmi kullanımı ve M. Gorky tarafından geliştirilen hükümlerinin teorik formülasyonu, açık yeni dönem: sanatçılar "saf sanat" fikirlerine değil, ideallere hizmet etmelidir. Komünist Parti ve sosyalizmin inşasına yardım eder.
Ülkedeki sanat ortamının bozulması, Lenin'in 1924'te ölümünün hemen ardından hissedilmeye başlanmış, bu yıllarda parti denetiminin güçlendiği, Pravda gazetesi sayfalarını "küçük burjuvazinin esinlediği soyut uydurmalara" karşı söylemlere ayırmıştı. Bolşevik Parti Merkez Komitesi, sanatçıları, kitlelerin erişebileceği gerçekçi bir devrimci propaganda sanatı yaratmaya çağırıyor.
K. Malevich'in çalışması keskin bir şekilde eleştirildi ve sanatçının kendisi defalarca tutuklandı. Sonuç olarak, ciddi bir hastalıktan sonra, 20. yüzyılın olağanüstü yenilikçisi. ölür. Aynı 1920'lerde. P. Filonov ve bir grup öğrencisi "Analitik Sanat Ustaları" (MAI) ideolojik zulme maruz kaldı. 1924'te, Inkhuk Resim Kültürü Müzesi'nin varlığı sona erdi. Sovyet avangardizmine darbeler peş peşe geliyor. V. Kandinsky ve El Lissitzky Rusya'dan ayrılmak ve Almanya'ya yerleşmek zorunda kaldılar. 1930'larda V. Tatlin'in "biçimci" eseri olarak karalamaya başlarlar. Rusya'da varlık zeminini yitiren nesnel olmayan sanat, Batılı izleyiciye hitap ediyor. Gelenekleri zaten Avrupalı sanatçılar tarafından miras alındı.
Büyük Vatanseverlik Savaşı'nın başlamasıyla birlikte güzel sanatlar yeni bir görevle karşı karşıyadır - sanatın gücünü düşmana karşı bir silah olarak kullanmak. Bu nedenle afiş (devrim yıllarında olduğu gibi) grafiklerde ön plana çıkmıştır. Savaşın ilk iki yılında dramatik bir ses hakimdi. Zaten 22 Haziran'da Kukryniksy'nin posteri ortaya çıktı "Düşmanı acımasızca yeneceğiz ve yok edeceğiz!" Herkes I. Tondze'nin "Vatan Çağırıyor" (1941) posterini bilir. Savaştaki dönüm noktasından sonra ruh hali ve figüratif yapı değişir: L. Golovanov'un "Hadi Berlin'e gidelim!" afişi iyimserlik ve halk mizahıyla doludur. (1944).
Savaş yıllarında, şövale grafiklerinin önemli çalışmaları ortaya çıktı: hızlı, belgesel-doğru cephe eskizleri, savaşçıların, partizanların, denizcilerin, hemşirelerin, savaşın manzaralarının portre çizimleri ve aynı konuda bir dizi grafik sayfa ( örneğin, D. Shmarinov'un grafik dizisi "Unutmayalım, affetmeyeceğiz!", 1942).
Savaştan sonra ana tema barışçıl emekti. A. Plastov "Haymaking" (1945), T.N. Yablonskaya "Ekmek" (1949), A.A. Mylnikov "Huzurlu Tarlalarda" (1953), "Traktör Şoförünün Yemeği" (1951). Peyzaj türünde, savaşla çarpıtılan dünyanın görüntüsü, insanla uyumlu doğa görüntüsü ile değiştirilir (S.A. Chuikov "Sabah", 1947). Destansı başlangıç, M. Saryan'ın çalışması için tipiktir. Portre de gelişir. P. Korin, I. Grabar, M. Saryan bu türde eserler vermektedir.
1940-1950'lerde. yıkılan şehirlerin restorasyonu ve yeni inşaatlarla bağlantılı olarak, anıtsal ve dekoratif sanat yoğun bir şekilde gelişiyor. Anıtsal resim, kamu binalarının dekorasyonunda uygulama bulur, yavaş yavaş kafelerin, kulüplerin, anaokullarının küçük binalarına girer. Bu güzel sanatlar alanındaki önde gelen ustalar A. Deineka, V. Favorsky, P. Korin'dir. P. Korin ayrıca Moskova metrosu için mozaikler yarattı.
1950 lerde matbaacılık aktif olarak gelişiyor - çeşitli tekniklerde basılmış şövale grafikleri: gravürler, linocutlar, litograflar, gravürler. Bu dönemin baskısı konuda çeşitlidir - bunlar günlük çalışma, portre, manzara, natürmort, ev içi, tür sahneleridir.
1950-1960'ların başında. sanatsal yaşam etkinleştirilir. 1957'de, geçmişin sonuçlarının toplandığı ve Sovyet sanatının daha da geliştirilmesinin yollarının belirlendiği Birinci Tüm Birlik Sovyet Sanatçıları Kongresi düzenlendi. Aynı yıl, sergisi cumhuriyetler arasında inşa edilen All-Union Sanat Sergisi düzenlendi.
yeni aranıyor ifade aracı her sanat biçiminde. Sanatçılar, 1940-1950'ler için olağan olmayan gerçekliği yeniden yaratmak için yeni, sözde şiddetli bir tarz (A. Kamensky) geliştiriyorlar. ihtişam ve çatışmasızlık. Sanatçılar N. Andronov, P. Nikonov, V. Popkov ve diğerleri kısıtlı, genelleştirilmiş bir forma döndüler, resimlerinin kompozisyonu özlü, çizim acımasız ve özlü, renk şartlı.
1970-1980'lerde. yeni nesil sanatçılar ortaya çıkıyor - O. Bulgakov, T. Nazarenko, N. Nesterova, A. Sitnikov ve diğerleri Gelenek, tarih, güzellik hakkında çok düşünüyorlar. Resim stilleri teatral gösteri, sanatsal, virtüöz açısından zengindir. Anıtsal ve dekoratif sanatın rolü büyüyor.
Son on yılların ev sanatı son derece çeşitlidir. Perestroyka'nın başlamasıyla birlikte çeşitli gayri resmi ve "yeraltı" dernekleri yasallaştırıldı.
Modern Rus sanatı çeşitli, özgür biçimlerde gelişiyor ve bu nedenle şu anda monostilizmden çok stilizme geçiş var.
Bu kez Rus resminin zirvesi ve ona gerçekçiliğin girişi olarak kabul edilir. Ülkedeki sosyal fenomenler ve devrimler sanat üzerinde özel bir etkiye sahipti. Resimde zaten sansür ve eleştiri vardı. O zamanın yetkilileri tarafından ressamların eserlerinde önemli bir iz kaldı. Hemen hemen her yerli sanatçı en az bir resim yazmak zorunda kaldı. Yeni politika ve yeni bir toplumsal düzen.
Yirminci yüzyılın Rus resminin ana yönleri
20. yüzyıl döneminde, resimde Rus gerçekçiliğinin sonunu ve Sovyet ya da sosyalistin başlangıcını işaret etti. Zaman özel kabul edilir büyük savaş Partinin ve halkın tek bir hareketi ile ayırt edilen . Askeri resimler bir sıçrama yaptı ve bu dönemle alakalı. Peyzaj türünün sosyalist akımı en az etkilendi.
Rus avangardı
"Avangart" kelimesi yenilik, ileri hareket anlamına gelir. Yerli avangard, resmin radikal akımlarını birleştirir. İlk başta modernizm, yeni sanat, soyutlama ve diğer adlarla adlandırıldı. Bu yönde ilk bakışlar savaş öncesi yıllarda ortaya çıktı. Rus avangardı, kültürde geçmişin mutlak reddi ve yıkım ve yaratma süreçlerinin birleştirilmesi gibi anları birleştirir. Resimde aynı zamanda saldırganlığa, eski sanatsal değerleri yok etme arzusuna ve tamamen farklı bir şeyin yaratılmasına yer var.
Bu doğrultuda, her şeyden önce, “Renkli Yaşam”, “Volga Şarkısı”, “Beyaz Oval”, “Moskova” resimlerini çizen Wassily Kandinsky'yi vurgulamaya değer. Kızıl Meydan". Avangard hareketler arasında, avangart akımlardan biri olan süpermatizmin temsilcisi olan Kazimir Malevich de yer alıyor. Bu akım, sanatın son aşamasını, nesnelerin yokluğunu karakterize eder. Önce geometrik soyutlamalara sahip tuvallerin ortaya çıkmasından sonra onun hakkında konuşmaya başladılar.
sosyalist gerçekçilik
Devrimin gerçekleşmesi ve birçok çalkantı ve değişimin yaşanmasından sonra görsel sanatlarda yeni bir dönem ve yeni bir yön başlamıştır. O zamana denk geldi ve sosyalist gerçekçilik olarak adlandırıldı. Bu, hükümet ve halk tarafından talep edildi. Sosyalist gerçekçilik, kahramanlığın, ifade edilen liderlerin, insanların, olayların, partinin gerçeğinin ve sanatçının kendisinin vizyonunun varlığıyla ayırt edildi. Totaliter toplum, Rus resmini tanınmayacak kadar değiştirdi. Esas olarak o zamanın tarihi olaylarına, devletin kahramanlarına ve liderlerine ve ayrıca basit bir işçinin günlük yaşamına adanmış resimlerden oluşuyordu.
Birçoğu buna "şiddetli stil" adını verdi, çünkü içinde yanılsamalar, varsayımlar, çocuksu dikkatsizlik yoktu. Sadece acımasız gerçekler tuvallerde sergileniyordu. O zamanın kahramanlığı, liderin iç gerginliğinde ve çabalarında yatıyordu. Sosyalist gerçekçilikte çalışmak bir meslekti ve kahramanlar öncü ve inşaatçıydı. Yüzyılın sonunda, Sovyet kültürünün çöküşüyle birlikte Rus resminde yeni bir yön geliyor.
postmodernizm
Rus resminde, toplumda tam olarak net olmayan modernizmin yerini almak için yeni bir yön geldi. Postmodernizm, fotoğrafik görüntülerle karakterizedir. Resim, orijinal görünüme mümkün olduğunca yakındır. Stil, tipolojik özelliklerle ayırt edilir. Her şeyden önce, bitmiş form. Ressamlar klasik görüntüleri kullanırlar, ancak onları yeni bir şekilde yorumlarlar, ayrıcalık verirler. Çoğu zaman, postmodernizmin temsilcileri, formları çeşitli yönlerden birleştirerek, görüntüye hafif bir ironi ve bir tür ikincil verir.
Yönün bir başka özelliği de kural eksikliğidir. Postmodernizmde sanatçı, resmini tasvir etme biçimlerinin ve biçimlerinin seçimi üzerinde tam kontrole sahiptir. Belli bir özgürlük, genel olarak sanata taze bir soluk verdi. Sanat enstalasyonları ve performanslar vardı. Resimdeki postmodernizm, net tekniklerin yokluğu ve genel küresel popülerlik ile de karakterize edilir. Bu yönün en parlak dönemi 20. yüzyılın 90'larında geldi. Bunun en önemli temsilcileri şu sanatçılardır: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.
19. yüzyılın başlarındaki sanat, 1812 Vatanseverlik Savaşı'nın neden olduğu toplumsal yükseliş dönemi ve 1825'te Decembrist ayaklanmasına yol açan serflik karşıtı hareketle ilişkilidir.
Bu dönemin sanat kültürü alanında, nispeten hızlı bir yön değişikliği gözlemlendi: klasisizm yol verir romantizm ve gelişme yolundaki romantizm, giderek artan gerçekçilik sanatta. Nitekim bu esas olarak resimde. 18. yüzyılın sanatçıları, bireyin bireysel benzersizliğini aktarmada gerçekçilik için çabaladılarsa, 19. yüzyılda neyin değerli olduğunu, onları kamusal hayatta neyin endişelendirdiğini tasvir etmeye başladılar.
19. yüzyılın ikinci çeyreğinde, Rusya'da feodal-serf sisteminin çözülme süreci devam ederken, kapitalizm Avrupa'daki çoğu ülkede kendini çoktan kurmuştu. Bununla birlikte, hem Avrupa'da hem de Rusya'da, bu dönem fırtınalı bir sosyal yaşamın yükselişi ile karakterize edilir - Avrupa'da öncelikle Fransız devrimi ve sonuçları ve Rusya'da büyüyen serfliğe karşı mücadele, özellikle Decembrist ayaklanmasının başarısızlığından sonra.
Bu dönemde duvarlara hakim olan klasisizm Sanat Akademisi, ilerici önemini tüketmiştir. 1829'da Akademi, imparatorluk mahkemesinin departmanına bağlıydı, bu yüzden oldu. resmi görüş şefi. Sanattaki konumlarını güçlendirmek için Akademi profesörleri, romantizmin belirli tekniklerinde ustalaşmaya çalıştılar. Böylece, gerçek günlük yaşamdan uzak, ideal, yüce bir güzellik yaratmak için tasarlanmış akademik romantizm yöntemi oluşturuldu.
Akademik sanatın aksine, 19. yüzyılın ilk yarısında Rusya'da başka bir sanat olarak adlandırılmaya başlanan başka bir sanat şekillenmeye başladı. kritik gerçekçilik. Sanatçılar, çağdaş toplumlarının kusurlarını ortaya çıkarmak için koşullu müjde öyküleri biçimine başvurmadan açıkça başladı, resimdeki Rus eleştirel gerçekçiliğinin kurucusu haklı olarak kabul edilir. Pavel Fedotov.
Rusya'da 19. yüzyılın ikinci yarısı için kurtuluş mücadelesinde yeni bir yükseliş damgasını vurdu. daha iyi hayat. Entelijansiya, toplumsal harekette önde gelen yeri aldı. Serflik kaldırıldı, ancak hayat bundan daha kolay olmadı.
Bu dönemde sanatın, özellikle de insanları yetiştirmenin güçlü bir aracı olarak görülen resim sanatının önemi artmıştır. 19. yüzyılın ilk yarısının sonunda çalışmaya başladı Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu demokratik yolların öncüsü olarak toplumda büyük bir rol oynamaya başlamıştır. Burada, çevredeki yaşamın yakından incelenmesine dayanan Venedik pedagojik sistemi hemen kök saldı. Okulun başkentten uzakta, sanki insan yaşamının ortasında olması da rol oynadı. Okulun öğrencilerinin en seçkini VG Perov
2. yarı döneminde sanat, yüksek ideolojik içerik, acil sosyal sorunları çözme konusundaki tutkulu ilgi ve halk karakteri ile ayırt edilir. İnsanlara hizmet etmek, ilerici Rus sanatçıların ana hedeflerinden biri haline geldi. Rus sanat tarihinde ilk kez, emekçilerin yaşamı, demokratik sanatçıların eserlerinin ana teması haline geldi. İnsanlar dışarıdan değil, içeriden sanki tasvir edilmiştir. Birçoğu halktan gelen halkın savunucusu olan sanatçılar, onun baskısını, zor yaşamını ve hak mahrumiyetlerini anlattılar. Bu sosyal açıdan eleştirel ruh halleri Sanat Akademisi'nin sınıflarına da nüfuz etti: 1861'de mezun oldu. V. Jacobi boyama yaptı "Tutukluların durdurulması". Ve 1864'te resim büyük bir başarı elde etti. K. Flavitsky "Prenses Tarakanova Elizabeth Petrovna'nın kızı olarak kabul edilen Peter ve Paul Kalesi'nin gizemli mahkumuna adanmıştır.
Prenses Tarakanova (1864)
Rusya'nın sosyal hayatındaki tüm bu değişikliklere rağmen, St. Petersburg Sanat Akademisi, yaşamdan uzak, soyut olan akademik sanatı savunmaya devam etti. En yüksek resim türü hala kabul edildi tarih boyama ağırlıklı olarak mitolojik ve dini konularda. Sonuç olarak, Akademi'nin geri ilkelerini kabul etmeye isteksiz olan ileri sanatçılar, eski öğretim sistemiyle çatıştı ve bu da açık öğretimle sonuçlandı. "14'ün isyanı" sanatçılar. Sanatçı Kramskoy liderliğindeki mezunlar, onun belirlediği mitolojik tema üzerine tezlerini tamamlamayı reddettiler. Tema seçiminde özgürlük talep ettiler. Akademi Konseyi, mezunların taleplerini reddetti, ardından protesto için Akademi'den ayrıldılar ve diplomalarını reddettiler.
9 Kasım 1863'te Akademi'den ayrıldıktan sonra Protestanlar, Artel sanatçılar. Bütün olayın başlatıcısı Ivan Nikolaevich Kramskoy'du. Artel üyeleri bir daire kiraladı ve birlikte yerleşti. Ev, Kramskoy'un karısı tarafından yönetildi. Artel kısa sürede tanınmaya başladı. Sık sık çağrıldı "Kramskoy Akademisi". Her perşembe akşamları ressamlar ve yazarlar artel atölyesinde toplanırdı. Bu akşamlarda politika, sosyal yaşam, sanatın heyecan verici konuları tartışıldı - tüm bunlar sanatsal gençliğin eğitimine, sanatsal güçlerin toplanmasına katkıda bulundu.
Artel yaklaşık 7 yıl varlığını sürdürdü ve 1870'de dağıldı. Artel'in yerini yeni bir sanat derneği aldı - Gezici Sanat Sergileri Derneği.
19. yüzyıl sanatında çok önemli bir yer P. M. Tretyakov'un faaliyetleri, kendini gerçek bir Rusya vatandaşı olarak kanıtlayan, antik çağlardan başlayarak Rus resim ve heykel koleksiyonuna başlayan. Tüm parasını resim satın almak için harcadı ve genellikle fakir yetenekli sanatçıları parayla destekledi.
19. yüzyılın ikinci yarısının Rus resminin ana alanı, ev tipi. Lider yine de köylü teması Gezginler tasvir edildi halk hayatı, Rus toplumunun egemen ve ezilen sınıfları arasındaki sosyal çatışmayı gösteren, resimde suçlayıcı gelenekler devam etti. büyük yer kaplar çocuk teması.
19. yüzyılın 2. yarısında, Rus güzel sanatlarında mitolojik, dini temaların gerçek tarihi olayların tasvirine yol açmaya başladığı bir reform gerçekleşti. Bu reformun başlangıcı Rus sanatçı Ge N.N.
19. yüzyılın ikinci yarısının Rus manzarasında, ulusal bir temanın kurulması için keskin bir mücadele yaşanıyor. Bu yıllarda dikkat çekici sanatçılar Savrasov, Shishkin, Levitan ve diğerleri, hayattan uzak, özellikle İtalyan ve Fransız, akademik manzara "idealize", "pürüzsüz" geleneklerinden kopuyor ve kendi ülkelerinin doğasının imajına dönüyorlar. Chernyshevsky'nin "Güzel olan hayattır" sözü, manzara resminin ustaları arasında sıcak bir karşılık buldu. Doğayı günlük, doğal görünümüyle temsil eden Gezginler, onda geniş şiir ve güzellik sergilediler.
20. yüzyılın 2. yarısında, Rus resminde özellikle parlak, güçlü, yetenekli ressamlar, tarihi resim ustaları göze çarpıyordu - bunlar I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.
19. - 20. yüzyılların başında Rus sanatı, devrimci bir ruh hali içinde şekillendi. Çökmekte olan görüşler ve karamsarlık, yaratıcı entelijansiyanın çevresine nüfuz etti. Toplumda estetik değerler değişti. Sanatta kendi yolunu arayan birçok sanatçı, çeşitli sanatsal organizasyonlarda - derneklerde birleşmeye başladı.
1903 yılında birçok realist sanatçı bir araya geldi. "Rus Sanatçılar Birliği", Gezginlerin geleneklerini sürdürdükleri yerde doğru, gerçekçi eserler yazdılar. Bu dönemin dikkat çekici sanatçıları Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin vb.
