20. yüzyılın Rus sanatının yönleri kısaca. XX yüzyılın güzel sanatlarının ana yönleri - SkillsUp - tasarım, bilgisayar grafikleri, Photoshop dersleri, Photoshop dersleri hakkında uygun bir ders kataloğu

Peter I dönemi, modern zamanların tüm Rus sanatı için temel öneme sahiptir.Kültürel inşaat alanı da dahil olmak üzere tüm alanlarda Rusya, Batı Avrupa ülkeleriyle eşit durumda olmak zorunda kaldı. Peter, Batı'nın ileri sanatsal deneyiminde ustalaşmanın Rusya için büyük önemini anladı. Batı Avrupalı ​​ustaların eserleri satın alındı, Rus ustaların Avrupa'da okumak için devlet pahasına emekli gezileri düzenlendi, yabancı sanatçılar Rusya'da Rus ustaları çalışmaya ve eğitmeye davet edildi.

I.N. Nikitin. Açık hava hetman portresi. 1720'ler Tuval, yağ.

Rus sanatındaki değişikliklere dikkat ederek, bunların büyük bir tarihi mirasa dayandığını, sanatsal kültürün önceki gelişim süreci tarafından hazırlandıklarını unutmamalıyız. XVII yüzyılın sanatında. yeni özellikler ortaya çıktı, örneğin sarayların inşası, resimdeki portre türü belirlenmeye başlandı, ancak en tam olarak 18. yüzyılın başında ortaya çıktı. Ulusal gelenekler, Rusya'da çalışan birçok yabancı ustanın çalışmalarının doğasını da kesin olarak etkiledi.

A. M. MATVEEV Karısı ile otomatik cevap. Tuval, yağ.

Peter'ın kültür alanındaki dönüşümlerinin özü, onun "sekülerleşmesi"dir. Bu, sanatın laik hale geldiği, yalnızca dini bir kültün çıkarlarına hizmet etmekten vazgeçtiği anlamına gelir. Sanatın bileşimi dönüşüyor, yeni sanatsal etkinlik türleri ortaya çıkıyor, türler ve son olarak resim dili değişiyor. Resmin temeli gözlemdir, Orta Çağ'da olduğu gibi kanonlaştırılmış kalıpları takip etmemek ve dünyevi doğa ve insan biçimlerinin incelenmesidir.

Büyük Peter zamanından başlayarak ve 18. yüzyıl boyunca resim türleri arasında. lider bir portre olur. İki Rus portre ressamının çalışması - I. N. Nikitin ve A. M. Matveev, psikolojik portrenin kendisinin doğuşuna işaret ediyor.

V.L. Borovikovsky. A.G. ve V.G. Gagarin'in Portresi. 1802. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova

Petrine döneminin sivil ve saray inşaatı, Rus mimarisi tarihinde yeni ve parlak bir dönemdir.

Pratik yaşam düzenlemesinin görevlerine bağlı olarak, Peter'ın zamanında sanat, yüksek derecede beceri olarak anlaşıldı - resim, heykel veya bir gemi veya saat mekanizması modeli yapmak olsun, herhangi bir işte "sanat". Sanatın teknoloji, bilim ve zanaat ile kaynaşması, Petrine dönemi kültürünün özel sanatsal ve mühendislik karakterini belirler. Sadece devlet değil, aynı zamanda Peter I'in en büyük kültürel eylemi, yeni sanatın merkezi haline gelen genç Rus İmparatorluğu'nun yeni başkenti St. Petersburg'un kuruluşuydu.

A.G. Venetsianov. Hasatta. Yaz. 1820'ler Tuval, yağ. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Sanat, yaşamı ve gündelik yaşamı süsleme görevlerine hizmet etmeye başlar, anıtsal bir kapsamla birlikte şenlikli, görkemli ve dekoratif bir karakter kazanır. Bu özellikler, Tsarskoye Selo'daki Büyük Saray'ın ve St. Petersburg'daki Kışlık Saray'ın kurucusu olan büyük mimar VV Rastrelli'nin çalışmalarında en canlı ve mükemmel şekilde ifade edildi - Barok tarzının parlak örnekleri.

18. yüzyılın ikinci yarısı - modern zamanların Rus sanatının güçlü bir parlak çiçeklenme zamanı. Avrupa ile çıraklık dönemi bitti. 1757'de kurulan St. Petersburg Sanat Akademisi, ulusal sanatsal personelin bir demircisi haline gelir. Sanat eğitimi sistemi modernize edildi, Avrupa kültür dünyası ile temaslar daha fazla odaklandı. Sanat Akademisi'nin faaliyetinin başlangıcı, klasik antik sanat eserlerinde ve Rönesans'ta yeniden keşfedilen Barok'un dekoratif ihtişamına ve savurganlığına katı mantık, makul netlik ve orantı ile karşı çıkan bir stil olan klasisizmin kurulmasıyla aynı zamana denk geldi. . Mimaride, Moskova'daki Pashkov evinin yazarı V.I. Bazhenov, Moskova Kremlin'deki Senato binasının kurucusu ve Moskova'daki birçok kamu ve özel bina, I.E. Petersburg'da Tauride Sarayı'nı inşa eden C. Cameron - St. Petersburg yakınlarındaki Pavlovsk'ta muhteşem bir saray ve peyzaj bahçeleri topluluğunun yaratıcısı. F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin'in çalışmalarında yerli heykelin yükselişi de klasisizm dönemiyle ilişkilidir. F. I. Shubin'in portre heykeli, herhangi bir geleneksel şemaya yabancı olan olağanüstü psikolojik içgörü, cesaret ve sanatsal tekniklerin esnekliği ile ayırt edilir. 18. yüzyılın ikinci yarısında elde edilen Rus sanatının olgunluğunun kanıtı, örneğin, en büyük iki resimsel portre ustası - F. S. Rokotov'un sanatsal tarzındaki farkta yansıtılan yaratıcı bireylerin çeşitliliğidir. ve D.G. Levitsky. Levitsky'nin resmi parlaklık, maddi dünyanın görünür güzelliği ile sarhoşluk, yaşamın doluluğu, yeniden yaratılan insan türlerinin inanılmaz çeşitliliği, duygusal tonlamaların zenginliği - ciddiyet, zarafet, kurnazlık, gurur, coquetry vb. 1770'lerin en iyi portrelerinde Rokotov. pitoresk arka planların alacakaranlığından gizemli bir şekilde titreyen, yüz ifadelerinin nüansları ve tonlarında kendini gösteren samimi özelliklerin ustası olarak görünür. 18. yüzyılda portre sanatının parlak çiçeklenmesini tamamlayan V. L. Borovikovsky'nin çalışması, duygusallığın fikir ve ruh hallerinin etkisiyle belirlendi.

F.S. Rokotov. A.P. Struiskaya'nın portresi (detay). 1772. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

19. yüzyılın başlamasıyla Rus sanatında önemli değişiklikler yaşanıyor. Yüzyılın başlangıcı, ilk sözcüsü O. A. Kiprensky olan yeni bir sanatsal eğilimin - romantizmin doğuşuyla işaretlendi. Rus resmi, manzaradaki açık havada yazının keşfini S. F. Shchedrin'e borçludur. A. G. Venetsianov, Rus gündelik türünün kurucusu oldu. Köylü yaşamı imgesine ilk kez dönerek, onu uyum, ihtişam ve güzelliklerle dolu bir dünya olarak gösterdi. Akademik estetikte var olan “sade doğa” ile “zarif doğa” arasındaki karşıtlığın aksine, zarif, daha önce sanata yakışmayan bir faaliyet alanında keşfedildi. Venetsianov'un resminde, ilk kez, Rus kırsal doğasının delici sözleri duyuldu. Mükemmel bir öğretmen, A. V. Tyranov, G. V. Soroka ve diğerleri gibi bir sanatçılar galaksisini gündeme getiriyor. Manzara ve portre ile birlikte çalışmalarında önde gelen türlerden biri iç mekandır. Rus sanatının tür kompozisyonu zenginleştirilmiştir. Hayatı basit, törensel olmayan kılığında, günlük yaşamın barışçıl seyrinde, kendi doğal doğasının resimlerinde tasvir ederek, sanatta güzelliği, güzelliği ve şiiri dinlenme ve sessizlik anları olarak algılayan sıradan insanların duygularıyla orantılı hale getirdiler, günlük endişelerden ve emeklerden kazandı. Aynı zamanda, geçmişin geleneksel kalıplarına değil, günlük, gündelik gerçeklikte ahenkli kalıplar ve şiir arayışına dayalı bir sistem olan akademik okula karşı olan resimsel bir sistem ortaya çıkıyor. Gerçek, sanatı buyurgan bir şekilde işgal eder ve 40'lı yıllara götürür. edebiyattaki “doğal okula” bir benzetme olan günlük ve hiciv grafiklerinin (V. F. Timm, A. A. Agin) gelişmesine. Bu sanat çizgisi, günlük resme bir çatışma, hicivli bir sosyal arka plana sahip gelişmiş bir dramatik eylem getiren P. A. Fedotov'un çalışmasında doruğa ulaşır ve dış çevreyi sosyal, ahlaki ve daha sonraki psikolojik özelliklerin hedeflerine hizmet etmeye zorlar. karakterler. Akademik okulun geleneksel biçimlerini yeniden düşünmek, bir yandan K. P. Bryullov'un "Pompeii'nin Son Günü" ve diğer yandan A. A. Ivanov'un "İsa'nın İnsanlara Görünüşü" gibi tarihi resimde anıtsal yaratımlara yol açar. başka. Ivanov, resmi derin bir psikolojik gelişim, büyük bir tuval üzerinde yeni bir etüt çalışma yönteminin keşfi ile zenginleştirdi. Klasik mirasın bilgece özümsenmesi, ilkelerinin açık havada kendi deneyimleriyle doğrulanması, yaratıcı kavramların ölçeği, insanları eğitmek ve manevi kültürlerini geliştirmek için büyük bir sorumluluk olarak yaratıcı hediyeye karşı tutum - bütün bunlar Ivanov'un çalışmasını sadece bir beceri okulu değil, aynı zamanda sanatta hümanizm konusunda da büyük bir ders yaptı.

O. A. Kiprensky. Bir çocuğun portresi A. A. Chelishchev. TAMAM. 1809. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

19. yüzyılın ilk üçte biri - genellikle İmparatorluk olarak adlandırılan Rus mimarisinde klasisizmin gelişimindeki en yüksek aşama. Bu dönemin mimari yaratıcılığı, bireysel binaların mükemmel tasarımından çok, geniş sokak ve meydan alanlarının mimari düzenleme sanatıdır. Bunlar, St. Petersburg'un kentsel planlama topluluklarıdır - Amirallik (mimar A. D. Zakharov), Vasilyevsky Adası'nın (mimar J. Thomas de Thomon), Kazan Katedrali'nin (mimar A. N. Voronikhin) tükürüğündeki Menkul Kıymetler Borsası. Saray Meydanı'nın kompozisyonunu tamamlayan Genelkurmay Binası'nın yazarı K. I. Rossi'nin toplulukları ve kendisi tarafından tasarlanan St. Petersburg'daki İskenderiye Tiyatrosu çevresindeki binalar, sokaklar ve meydanlar kompleksi, görkemli bir kapsamla işaretlenmiştir. şehir planlamasından.

V. A. Tropinin. Arseny Tropinin'in oğlunun portresi. 1818. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

1860'ların başından, serfliğin kaldırılmasından itibaren, Rus sanatı keskin bir eleştirel odak aldı ve böylece temel toplumsal dönüşümlere duyulan ihtiyaçtan bahsetti. Sanat, sosyal adaletsizliğin kötülüğünü tasvir ederek, toplumun kusurlarını ve ülserlerini açığa vurarak bunu ilan etti (1860'ların eserlerinin çoğu V. G. Perov'un). Modern yaşamın durgunluğunu eleştirel tarihsel dönemlerin dönüştürücü gücüyle karşılaştırdı (1880'lerin V.I. Surikov tabloları).

S.F. Shchedrin. Napoli'de mehtaplı gece. 1828-1829. Tuval, yağ. Devlet Rus Müzesi.

Karakterlerin ve koşulların gerçeğinin, sıradan, günlük deneyimde algılandığı biçimlerde hayatın doğru bir tasviri ile birleşimi, ileri Rus sanatının gelişme yolunda olduğu eleştirel veya demokratik gerçekçiliğin bir özelliğidir. 1860'ların başından beri. Bu yeni sanatın besin ortamı ve ana izleyicisi, raznochintsy entelijansiyasıydı. XIX yüzyılın ikinci yarısında demokratik gerçekçiliğin altın çağı. 1870'de kurulan Gezici Sanat Sergileri Derneği'nin faaliyetleriyle bağlantılıdır (bkz. Gezginler). Wanderers'ın ideolojik lideri ve organizatörü, en derin sanatçılardan biri, yetenekli bir teorisyen, eleştirmen ve öğretmen olan I. N. Kramskoy'du. Onun yol gösterici etkisi altında, TPES ileri sanatsal güçlerin konsolidasyonuna, sanatsal dilin mevcudiyeti sayesinde izleyicinin genişlemesine ve demokratikleşmesine, halk yaşamı fenomenlerinin kapsamlı kapsamına, sanatı sosyal olarak duyarlı, yetenekli hale getirme yeteneğine katkıda bulunmuştur. belirli bir tarihsel anda toplumu ilgilendiren konuları ve sorunları ortaya koymak.

A.I. Kuindzhi. Ukrayna'da akşam. 1878. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Rus Müzesi. Leningrad.

1860'larda tür boyama, 70'lerde portrenin (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) ve manzaranın (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I (I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov) rolüne hakim oldu. Wanderers sanatını teşvik etmede önemli bir rol, seçkin sanat eleştirmeni ve sanat tarihçisi V. V. Stasov'a aitti. Aynı zamanda, P. M. Tretyakov'un toplama faaliyeti gelişiyordu. Galerisi (bkz. Tretyakov Galerisi) yeni, gerçekçi okulun kalesi olur, koleksiyonunun profili Wanderers'ın eserleri tarafından belirlenir.

Rus sanatının bir sonraki dönemi, 19. yüzyılın sonu - 20. yüzyılın başıdır. 1980'ler, Gezici gerçekçiliğin I. E. Repin ve V. I. Surikov'un çalışmalarında zirveye ulaştığı bir geçiş on yılıydı. Bu yıllarda, Rus resminin bu tür şaheserleri, V. I. Surikov'un “Boyar Morozova”, “Kursk Valiliği'nde Dini Alayı”, “Propagandanın Tutuklanması”, “Beklemediler” gibi “Streltsy İnfazının Sabahı” olarak yaratıldı. I. E. Repin tarafından. Yanlarında, farklı bir yaratıcı programa sahip yeni neslin sanatçıları var - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Geç-burjuva kapitalist gelişiminin çelişkileri, etkilerini toplumun manevi yaşamı üzerinde gösterir. Sanatçıların zihninde, gerçek dünya, burjuva açgözlülüğü ve çıkarların önemsizliği damgası ile işaretlenmiştir. Sanatsal fantezi alanında, görünen düz gerçekliğin dışında uyum ve güzellik aramaya başlarlar. Bu temelde, izleyicinin hayal gücünü folklor temsilleri alanına aktarabilen böyle bir sanatsal form arayışına yol açan masal, alegorik ve mitolojik arsalara olan ilgi canlanır (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), geçmişin anıları veya geleceğin belirsiz önsezileri. Modernliğin içeriğini dolaylı olarak ifade eden görüntülerin ve biçimlerin, doğrudan yansıma biçimleri üzerindeki baskınlığı, 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarındaki sanatın ayırt edici özelliklerinden biridir. Sanatsal dilin karmaşıklığı, 19.-20. yüzyılın başında şekillenen bir sanatsal grup olan "Sanat Dünyası" temsilcilerinin çalışmalarını karakterize eder.

V.M. Vasnetsov. Alyonushka. 1881. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Art Nouveau tarzı bu dönemde belirleyici oluyor. Resim ile birlikte, Art Nouveau tarzı, sanat ve el sanatları, kitap grafikleri, heykel ve tiyatro ve dekoratif sanatın hakim olduğu mimari aktif olarak gelişiyor. Sanatsal yaratıcılığın uygulama alanları muazzam bir şekilde genişlemektedir, ancak tüm bu alanların etkileşimi ve karşılıklı etkisi daha önemlidir. Bu koşullar altında, "her şeyi yapabilen" bir tür evrensel sanatçı oluşur - bir resim ve dekoratif bir panel çizebilir, bir kitap ve anıtsal bir resim için bir skeç gerçekleştirebilir, bir heykel şekillendirebilir ve bir tiyatro kostümü taslağı oluşturabilir. Değişen derecelerde, bu tür evrenselciliğin özellikleri, örneğin, M. A. Vrubel ve Art Nouveau tarzının Rusya'daki önde gelen mimarı F. O. Shekhtel'in yanı sıra Sanat Dünyasının sanatçıları tarafından işaretlenmiştir.

Yüzyılın başında Rus resminin evrimindeki en önemli kilometre taşları, çalışmaları arzuyla dolu olan V. A. Serov'un eserleri, yeni üslup biçimleri kullanma, formalist aşırılıklardan kaçınma, klasik netlik ve sadelik elde etme, gerçekçi okulun ilkelerine sadık kalırken, içinde ayık - eleştirel bir dünya görüşünün insanın yüksek amacı fikriyle birleştirildiği hümanizmi.

A. K. Savrasov. Kaleler Geldi. 1871. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

20. yüzyılın başında sanatsal yaşam. eşi benzeri görülmemiş bir yoğunluktadır. 1905-1907 devrimci olayları sosyal olarak aktif sanatın gelişimini teşvik etti. N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov ve diğerlerinin eserleri, bu yılların en önemli sosyal ve sosyal olaylarını, işçinin devrimin ana gücü olarak imajını somutlaştırdı. Pek çok usta, hicivli politik grafikler ve dergi karikatürleri alanında çalışıyor.

20. yüzyıl sanatının atıfta bulunduğu sanatsal gelenekler yelpazesi alışılmadık derecede geniştir. Yaşamını sürdüren göçebe hareketin yanı sıra, Rus Sanatçılar Birliği ustaları arasında, V. E. Borisov-Musatov'un çalışmaları ve Mavi Gül derneğinin sanatçıları tarafından temsil edilen sembolizm arasında bir izlenimci resim çeşidi var.

K.A. Korovin. Kışın. 1894. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

En son Fransız resminin deneyimini dikkate alarak, kentsel el sanatları ve halk sanatı, oyuncaklar, popüler baskılar, işaretler, çocuk çizimleri tarzına atıfta bulunarak sanatsal dili güncelleme arzusu, "sanatçıların faaliyetlerini karakterize ediyor. Jack of Diamonds" - 1910'da düzenlenen bir toplum. Bu yönlerin ustalarının çalışmalarında - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - natürmort rolü önemli ölçüde artar. Eski Rus resminin gelenekleri, K. S. Petrov-Vodkin sanatında yeni bir kırılma alıyor.

F.A. Vasilyev. yağmurdan önce 1869. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

XIX-XX yüzyılların başında önemli bir yükselişe ulaşır. heykel. P. P. Trubetskoy, içine izlenimci özellikler katıyor. Portre kompozisyonları, yakalanan yaşam anının keskinliği, ince gölgelerin zenginliği ile ayırt edilir. Yumuşak malzemelerde çalışan Trubetskoy, malzemenin kayıp duygusunu, ifade özelliklerinin anlaşılmasını heykele geri döndü. 1909'da Trubetskoy tarafından yaratılan III.Alexander anıtı, anıtlar tarihinde görüntünün grotesk çözümünün eşsiz bir örneğidir. N.A. Andreev (1909) tarafından yaratılan N.V. Gogol anıtı, anıtsal heykelin olağanüstü başarılarına aittir.

A. S. Golubkina'nın 1912 "Oturan Adam" heykelinde, modern proletaryanın kaderi hakkındaki fikirleri sentezleyen bir görüntü ortaya çıkıyor - bu, geçici olarak zincirlenmiş, ancak asi bir güç ruhuyla dolu bir sembol. S. T. Konenkov'un yaratıcılığı, çeşitli tür ve üslup biçimleriyle ayırt edilir. Devrimci savaşların gerçek izlenimleri, heykeltıraş tarafından "1905 İşçi-militanı Ivan Churkin" portresinde somutlaştırıldı. Sadece yüz hatları değil, aynı zamanda işlemenin cimriliği ile vurgulanan taş bloğun sağlamlığı, sınıf savaşlarının ateşinde sertleşen yok edilemez bir irade imajını doğurur. A. T. Matveev'in çalışmalarında klasik heykel gelenekleri yeniden canlandırılıyor.

S.A. Korovin. Dünyada. 1893. Tuval üzerine yağlı boya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Yüzyıllar boyunca insanlık tarafından icat edilen hemen hemen tüm görüntüleri ve formları yeniden düşünme ve yeni bir hayata diriltme arzusu ve aynı zamanda bazen tüm geleneklerin inkarına ulaşan resmi deneyler - bunlar sanatsal durumun aşırı tezahürleridir. 20. yüzyılın başlarında Rus sanatında. Bununla birlikte, bu aşırı uçlar, devrimin arifesinde Rus yaşamındaki derin iç çatışmanın bir göstergesiydi ve kendi tarzlarında, A. Blok'a göre “duyulmamış değişiklikler, benzeri görülmemiş isyanlar” getiren zamanın karmaşıklığını yansıtıyordu. " Bu koşullar altında, devrim öncesi dönemin en iyi sanatçılarının yüksek bir zanaatkarlık kültürüyle birlikte Sovyet sanatına getirdiği zamanın fenomenlerine duyarlılık ortaya çıktı (bkz.

20. yüzyılın başları Yıldırım hızıyla sadece yetişmekle kalmayıp, aynı zamanda birçok yönden Avrupa ana sanat okullarının önünde olan resim için bir dönüm noktası olduğu ortaya çıktı, eski analitik gerçekçilik ilkelerinden en son sanatsal düşünce sistemlerine geçiş yaptı. . modernizm başladı çöküş (fr. çöküş (lat. çöküş) - çürüme, düşüş) ve sembolizm. kültür modernizm (fr. modern - 20. yüzyılın edebiyat ve sanatındaki en son, modern), felsefi ve estetik hareket, eski dünya görüşünün krizini, en son ile karşılaştırıldığında klasik olarak bilinen estetik krizini yansıttı. Görsel sanatlarda, Art Nouveau kendini görüntülerin bir sembolizmi, alegorilere (resimdeki) bir tercih, formların akışkanlığı, dinamik kompozisyonlar ve silüetin (heykelde) özel bir ifadesi olarak tezahür etti.

Rusya'da, sembolist eğilim sadece sanatçılar tarafından değil, aynı zamanda şairler tarafından da canlı bir şekilde temsil edildi ve çeşitlendi, sembolizm şiirinde tamamen Rus bir eğilim ortaya çıktı - akmeizm. Puşkin'in "altın çağına" benzetilerek, Rus şiirinin ve sanatının en parlak döneminin bu dönemine "gümüş çağ" adı verildi.

Sanatta bu eğilimin temsilcileri, dikkatlerini "kendinde şeylerin" sanatsal ifadesine ve fikirlerin sanatsal ifadesine odakladılar. karakterler, dahası, bu şeyler ve fikirler, insan duyusal algısının sınırlarının ötesinde bir şey olarak algılandı. Sembollerin yardımıyla, görünür gerçekliği "gizli gerçekliklere", dünyanın zaman-ötesi ideal özüne, "yok edilemez güzelliğine" kırmaya çalıştılar. Sanatlarıyla, manevi özgürlüğe duyulan özlemi, dünyadaki sosyo-tarihsel değişimlerin trajik bir önsezisini, dünyanın tüm insanları için birleştirici bir ilke olarak asırlık kültürel ve manevi değerlere olan güvensizliği dile getirdiler.

XX yüzyılın başlarında kültür merkezinin önemli rolü. sembolist şairlerin ve sanatçıların yaratıcı bir derneği tarafından oynanan "Sanat Dünyası" (1898-1924), St. Petersburg'da A.N. Benois ve SP. Diaghilev. "Sanat için sanat" sloganıyla yola çıkan bu derneğin faaliyetleri, sanat gazeteciliği, sergi etkinlikleri, şövale boyama, dekoratif ve uygulamalı sanat ve sanat eleştirisinin daha da gelişmesine ivme kazandırdı. "Sanat Dünyası"nın resimleri ve çizimleri, rafine dekorasyon, stilizasyon ve zarif süsleme ile karakterizedir. "Sanat Dünyası" nın değeri aynı zamanda yeni kitap grafiklerinin, baskıların, tiyatro sahnelerinin yaratılmasıydı. Her hareketin, adımın, dönüşün sosyal olarak işaret edildiği, bir şeye karşı yönlendirildiği ve bir şeyi savunmak için yapılan Wanderers'ın kasıtlı olarak nesnel, pratik resminin yerini, Sanat Dünyasının nesnel olmayan resmi, içsel resimsel sorunları çözmeye odaklanmıştır. , dış sosyal sorunlardan ziyade.

Dernek üyeleri, önde gelen Avrupa sergilerinin katılımcılarıydı. 20. yüzyılın seçkin sanatçıları, "World of Art" derneğinin sergi faaliyetlerinde aktif rol aldı: A.P. Ostroumova-Lebedeva, M.V. Dobuzhinsky, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov, I.Ya. Bilibin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, Z.E. Serebryakova, St. Chekhonin, D.I. Mitrokhin ve diğerleri. Filozoflar "World of Art" dergisinin editörleriyle işbirliği yaptı DM Merezhkovski, V.V. Rozanov, L.I. Şestov. 20. yüzyılın başlarındaki birçok ünlü şair, Sanat Dünyası ile dostane ve ticari ilişkilere sahipti. - AA Blok, Andrey Bely (B.N. Bugaev), M.A. Kuzmin, F.K. Sologub, V.Ya. Bryusov, K.D. Balmont. Tiyatro çalışanları, besteciler, koreograflar ile temaslar sürdürüldü KS Stanislavski, M.F. Stravinsky, M.M. Fokin, V.F. Nijinsky.

18. yüzyılın ulusal sanat kültürünün geleneklerine yönelim - 19. yüzyılın başlarında. World of Art'a göre Rus sanatının canlanmasına katkıda bulunması gerekiyordu. Derneğin sanatçıları Alman romantik edebiyatına, İngilizlerin modernist tablosuna ve Fransızların izlenimciliğine düşkündü.

"Sanat Dünyası" nın ilham kaynağı ve organizatörü, sanatçı, sanat tarihçisi ve eleştirmen BİR. Benoit (1870-1960), dergi ve kitap illüstrasyonlarında geçmiş dönemlerin ruhunu taşıyan romantik tarihçilik tarzını yarattı. Sanat eleştirisi üzerine yaptığı çalışmalarda, Rus ulusal sanat geleneğinin orijinal özelliklerini diğer Avrupa okullarının arka planına karşı doğrulayan ilk kişi Benois oldu. Dünya sanat tarihine anıtsal bir katkı, dört ciltlik eseriydi. "Tüm zamanların ve halkların resim tarihi" (1917). Bir bilim adamı ve sanatçı, tarih ve sanat anıtlarına karşı kötü tada ve barbar tutumlara karşı aktif olarak savaştı, Rus avangardına karşı çıktı, müze çalışmalarına katıldı (1918'de Hermitage sanat galerisine başkanlık etti). 1926'da devrimle hayal kırıklığına uğrayan Benois, Paris'e yerleşti.

"Sanat Dünyası" nın en parlak temsilcilerinden biri LS Bakst (1866-1924) ünlü bir dekoratör olarak ünlendi "Rus Mevsimler" Paris'te. Eserlerinde antik ve oryantal motifleri stilize ederek sofistike ve dekoratif bir fantastik gösteri yarattı. Bakst'ın eli İskenderiye Tiyatrosu'ndaki "antik" performansların tasarımına aitti. 1909-1914'te. Bakst on iki performans tasarladı "Rus baleleri" SP. Diaghilev.

1915'ten sonra Moskova yenilikçi sanatın başkenti oldu. 1916'dan 1921'e kadar resimde avangard eğilimlerin oluştuğu yer burasıydı. Güç Kazanma Derneği "Jack of Diamonds" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin, P.P. Falk, A.V. Lentulov, N.A. Udaltsova ve diğerleri) ve "Supremus" çemberi (K.V. Malevich, O.V. Rozanova, I.V. Klyun, L.S. Popova). Moskova ve St. Petersburg'da ara sıra yeni yönler, çevreler ve toplumlar ortaya çıkıyor, yeni isimler, kavramlar ve yaklaşımlar ortaya çıkıyor. 1917 devrimi, ressamları yenilikçi deneylerini atölyelerin kapalı alanlarından şehrin sokaklarının açık alanlarına aktarmaya zorladı. Moskova'da sanat üniversiteleri açıldı, Sanat Kültürü Enstitüsü (Inkhuk) ve Yüksek Sanatsal ve Teknik Atölyeler (Vkhutemas) kuruldu.

XIX-XX yüzyılların başında. O zamana kadar öğrenciler tarafından öğretilen Rus sanatı, Batı Avrupa sanatsal arayışının genel ana akımıyla birleşiyor. Rusya'daki sergi salonları kapılarını Avrupa sanatının yeni kreasyonlarına açıyor: İzlenimcilik, Sembolizm, Fovizm, Kübizm. XX yüzyılın başında. Moskova'da büyük galeriler ve özel çağdaş sanat koleksiyonları açılıyor. Şimdi, Picasso ve Matisse'in çalışmalarını tanımak için, sadece Londra, Paris veya Madrid'e değil, Rusya'ya da gitmek gerekiyor.

Ruslar hala gelişiyor fransız Fovizm, ve işte Almanca DIŞAVURUMCULUK, Rus bileşeninin (V.V. Kandinsky, A.G. Yavlensky, M.V. Verevkina - Münih Blue Rider grubunun çekirdeği) lider bir rol oynadığı, hiçbir şey onları şaşırtamaz. Yavaş yavaş, iki Avrupa sanatsal eğilimi Rusya'da modayı belirlemeye başladı - fransız kübizmi ve İtalyan fütürizmi. Ancak kübizm ülkemizde kendine özgü bir "soyut" ses kazanmıştır.

Özellikle tutarlı kübo-fütürist "Jack of Diamonds" derneğinin kurucularından biriydi A.B. mercimek (1882-1943). Sanatçı, dünyayı dinamik renk ve formlardan oluşan bir kaleydoskop olarak yorumlayan özgün bir fütüristik panel türü geliştirdi ("Zafer Savaşı", 1914). Büyüleyici şenliği, sanki parçalanıyormuş gibi veya tam tersine, renkli unsurlardan ortaya çıkıyor, eski Moskova kilise mimarisinin görüntüleri ("Kutsanmış Vasily", 1913; "Zil" ("Büyük Çan Kulesi İvan"), 1915, vb. .) - iyimser ses izlenimi yaratın.

Paris ve Münih'te küçümsemeyle reddedilen İtalyan Fütürizmi Rusya'da da aynı derecede coşkulu bir karşılama aldı. Rusya'da "fütürizm" adını alan hareket (lat. gelecek - gelecek), İtalyan fütürizminin temsil ettiğinden daha zengin ve çeşitliydi. Fransa ve İtalya gibi kübizm ve fütürizm gelenekleri tarafından engellenmeyen Ruslar, Parislilerin bile karşılayamayacağı bir sentez elde ederek sınırsız deneyler yaptılar. Rus sentezi öncelikle kavramsaldı. Petersburg derneği "Gençlik Birliği"nde birleşen çok sayıda sanatçı grubunun yaratıcılığının sonucuydu.

20. yüzyılın başlarında sanat güçlerinin kutuplaşması, birçok sanat grubunun tartışmaları, sergi ve yayıncılık (sanat alanında) faaliyetlerini yoğunlaştırdı.

Rus sanatçıların soyut sanattaki ilk deneyleri 90'lı yıllara kadar uzanıyor. İlk manifestolarından biri kitap olan XIX yüzyıl M.F. Larionova "luşizm" (1913) ve gerçek teorisyenler ve uygulayıcılar V.V. Kandinsky (1866-1944) ve KS Maleviç (1878-1935). Aynı zamanda, K.S. Eski Rus ikon resminin ardıllığını ilan eden Petrov-Vodkin, geleneğin canlılığına tanıklık etti ("Kızıl Atı Yıkanmak", 1912).

Soyut resmin gelişiminde son derece önemli bir yer, parlak Rus sanatçı, şair ve sanat teorisyenine aittir. V.V. Kandinsky (1866-1944). Kandinsky, hükümlülerin soyundan gelen zengin bir Nerchinsk tüccar ailesinden geliyordu. Moskova'nın büyük burjuvazisi arasında alışılmış olduğu gibi, Kandinsky Moskova Üniversitesi'nde hukuk ve ekonomi okudu, ancak hukuk kariyeri ona çekici gelmedi. 1889'da, eski Rus ikon resmi ve halk sanatı ile tanıştığı Vologda eyaletine etnografik bir keşif gezisine çıktı. Sanatsal gelişimindeki bir diğer önemli olay, Claude Monet'in o yıllarda öğrenci olan Kandinsky'nin hangi gruba baktığını gösteren "Samanlık" resmiydi. Hukuk Fakültesi Moskova Üniversitesi, "bu resimde hiçbir nesne olmadığını" hissetti. O andan itibaren konu Kandinsky için eski önemini yitirdi. Yavaş yavaş, resim yargının yerini aldı: 1896'da Derpt (Tartu) Üniversitesi'ndeki profesörlük görevinden istifa etti.

1900'lerin başında Kandinsky, Avrupa ve Kuzey Afrika'da yoğun bir şekilde seyahat etti, ancak daimi ikametgahı olarak Münih'i (1902-1908) seçti. 1910'da ilk soyut çalışmayı yarattı - hiçbir şeyi tasvir etmeyen veya belirtmeyen renkli noktalar ve çizgilerden oluşan kaotik bir düzenleme ve "Sanatta Maneviyat Üzerine" başlıklı bir inceleme yazdı. O andan itibaren, 20. yüzyıl sanatında yeni bir yön gelişmeye başladı. Öz. Kandinsky, insanlığın gelişiminde yeni bir çağın ortaya çıktığına, geleceğin insan ırkının ortaya çıktığına inanıyordu. Onlar için içsel ve ruhsal dünya değerli olacaktır. 1911'de Franz Marc Kandinsky ile birlikte ünlü Blue Rider Association'ı kurdu. Sanatçılar sergiler düzenler, bir almanak yayınını düzenler. 1909'dan 1914'e kadar olan dönem en yoğun dönemdi: Kandinsky, üç döngüde gruplandırılmış yaklaşık iki yüz resim yaptı: "doğaçlamalar", "kompozisyonlar", "gösterimler", genellikle seri numaraları ve altyazılarla.

1914'te savaşın patlak vermesiyle bir Rus tebaası olan Kandinsky, Almanya'yı terk etmek zorunda kaldı. Moskova'ya döndüğünde, sanatsal yaşamda aktif olarak yer alıyor: Resim Kültürü Müzesi'nin oluşturulmasına katılıyor (toplamda 22 il müzesinin oluşturulmasına katıldı), üniversitede ve Vkhutemas'ta ders veriyor. 1920'de Kandinsky, Inkhuk'un başlatıcısıydı.

Rus avangardının merkezi figürlerinden biri, V.E. tatlı (1885-1953), kurucu olarak kabul edildi yapılandırmacılık, 1921 yılına kadar otoriteler tarafından devrimci sanatın önde gelen yönü olarak resmen tanınan hareket. İlginç, olaylı bir hayat yaşadı. 1900'lerin sonlarında - 1910'ların başında. sanatçı, başta M.F. ile olmak üzere yerli avangard sanatçılarla yakınlaştı. Larionov ve N.S. Goncharova, şairler Velimir Khlebnikov, A.E. Kruchenykh, aralarında hızla ilk yerlerden birine taşındı. Ekim Devrimi'nden sonra Tatlin, sosyal ve sanatsal hayata enerjik bir şekilde dahil oldu: 1917'de profesyonel ressamlar birliğinde "genç hizip" başkanıydı, 1918'den beri - Moskova Halk Eğitim Komiserliği Sanat Koleji başkanı, başlatıcı Sol Sanat Hareketleri Derneği'nin (1921-1925) başkanı, yeni tür müzelerin ("sanatsal kültür müzeleri") yaratılması konusunda, Petrograd'da Ginhuk'un Maddi Kültür Dairesi'ne (1923-1925) başkanlık etti.

Konstrüktivizmin özü, soyut sanatın pratik, faydacı kullanımı fikriydi. Tatlin ve konstrüktivistler, 20. yüzyılın başlarındaki en görkemli yapılardan biri ile ünlendiler. - III Komünist Enternasyonal (1919-1920) için bir anıt. 400 m yüksekliğindeki sarmal kule, kongre salonlarını, çeşitli kurumları ve hoparlörler aracılığıyla bilgi mesajlarını dağıtması beklenen bir radyo istasyonunu barındırması amaçlanan bir küp, bir piramit ve bir silindir içeriyordu. Eyfel Kulesi'nin bir buçuk katı yüksekliğindeki "Tatlin Kulesi", insanlığı bir dünya devrimine hazırlayan Komintern'in idari, ajitasyon ve propaganda merkezi olarak tasarlandı. Metal kirişlerin ve farklı hızlarda dönen dört şeffaf hacmin inşasının, Komintern'in yürütme, yasama ve propaganda kurumlarını barındırması gerekiyordu. Teknolojik olarak yeni materyallerin ve herhangi bir gelenek tadından tamamen yoksun soyut formların kullanımı, devrimin ruhunu açıkça yansıtıyordu. Tatlin, yaratılışını farklı sanatların sentezinin en yüksek noktası olarak görüyordu.

Yapılandırmacılığın bir diğer öne çıkan figürü, El Lissitzky (takma ad L.M. Lissitzky) (1890-1941), yetenekli bir Rus grafik sanatçısı, illüstratör, tipograf, mimar, fotoğrafçı, teorisyen ve mimari eleştirmen olarak bilinir, yeni bir sanat formunun yaratıcılarından biri - tasarımın. Çalışmasının en ilginç dönemi 1919-1921'de Vitebsk ile bağlantılıdır. neredeyse tüm Rusya'nın sanatsal mekânıydı. Halk Sanat Okulu'na başkanlık eden Marc Chagall, UNOVIS grubunu kuran Kazimir Malevich ve Chagall atölyesini yöneten ve Malevich ile birlikte Vitebsk İşsizlikle Mücadele Komitesi'nin yıldönümü kutlamalarını tasarlayan El Lissitzky'nin olduğunu söylemek yeterli. (1919), burada yaşadı ve çalıştı. Vitebsk'te Lissitzky, kendi adını verdiği üç boyutlu Suprematist kompozisyonlarının kendi versiyonunu icat etti ve geliştirdi. "zamirler" (yeni onay için projeler). Yazara göre Prounlar, Süprematizm ve Konstrüktivizm yöntemlerini sentezleyerek "resimden mimariye bir aktarım istasyonu" olarak hizmet ediyor. Tasarım geliştirmelerinin yaratılması için bir tasarım aşaması rolü oynadılar: ünlü "yatay gökdelenler" projeleri, tiyatro modelleri, dekoratif-mekansal enstalasyonlar, pavyon projeleri ve sergi iç mekanları, yeni fotoğraf ve fotomontaj ilkeleri, poster, kitap, ve mobilya tasarımı daha sonra zamirlerden doğdu.

Lissitzky, tasarımın sözlü iletişim biçimlerinin dışında anlaşılabilir uluslararası bir dil olarak iletişimsel rolüne yönelik tutumlarını gerçekleştirerek pan-Avrupa yapılandırmacılık hareketine katıldı.

Konstrüktivizm, sanatın uygulamalı alanında olduğu kadar temel alanda da son derece üretken olduğunu kanıtladı. 20. yüzyılın iki kültürel girişimi ondan kaynaklanmaktadır. - tasarım ve üretim sanatı, Bu, tasarımın bir dalı veya yönü olarak kabul edilir. Birincisi dünya çapında tanınırlık kazandı, ikincisi "ev yapımı" düzeyinde kaldı.

XX yüzyılın sanatının önemli isimlerinden biri. parlak bir Rus ressam, grafik sanatçısı, kitap illüstratörü, sanat teorisyeni P.N. Filonov (1881 -1941), Rus avangardının bağımsız bir yönünün yaratıcısı - sözde analitik sanat. 1910'da Gençlik Birliği'ne katılmak ve Gilea grubunun (V.V. Khlebnikov, V.V. Mayakovsky, V.V. Kamensky, A.E. Kruchenykh, Burliuk kardeşler, vb.) üyeleriyle yakınlaşma, yakında en önde gelenlerden biri haline gelen Filonov'un oluşumu üzerindeki etkisi Rus avangardının ressamları. 1916-1918'de. cephede ve 1920'lerde savaştı. iç savaşa, devrime adanmış bir dizi eser yarattı, Petrograd proletaryası, Petrograd'daki Ginkhuk'un organizatörü oldu.

Filonov, bir resim oluşturma sürecini, yapısının her bir mikro elementini araştırma süreci olarak anlayan bir sanatçı-araştırmacı olarak adlandırdı. Analitik yönteminin temeli olarak "doneness ilkesi"ni ilan etti: resimsel yüzeyin her milimetre karesinin özenli bir şekilde işlenmesi, büyük bir resmin bile yaratılması için bir koşul olarak hizmet etti. Büyük tuvaller küçük bir fırça ile boyandı. Her vuruş, en üst düzeyde yaratıcı çaba gerektiren bir "eylem birimi" anlamına geliyordu. Filonov yöntemi, izleyicinin yalnızca sanatçının dünyada gördüklerini değil, onun hakkında bildiklerini de kabul etmesi gerektiğini varsayıyordu. Filonov, biçim ve renge ek olarak, sanatsal bir resmin, görünen ve görünmeyen fenomenlerin, sayısız yüklemi olan bilinen ve gizli özelliklerin bütün bir dünyasını ifade etmesi gerektiğini savundu. Filonov'un eserleri ("Dünya Refahının Formülü", 1916; "Uzay Formülü", 1919; "Batı ve Doğu", 1913, vb.) kız kardeşi tarafından Devlet Rus Müzesi'ne bağışlandı.

Sürrealizmin en büyük temsilcilerinden biri MZ Chagall (1887-1985). Vitebsk'te doğdu, ancak 1922'de yurtdışına göç etti. Devrim öncesi Vitebsk ve Petrograd zamanlarında, Aşıklar döngüsünden epik resimler, tür, portre ve manzara kompozisyonları yaratıldı. 1920-1930'larda. Chagall dünyanın birçok ülkesini gezdi, P. Picasso, A. Matisse, J. Rouault, P. Bonnard, P. Eluard ve diğerleri ile arkadaş oldu, Fransa onun ikinci evi oldu.

Günlerinin sonuna kadar Chagall, ailesinin ikon resmi, Vrubel'in çalışması, isimsiz tabelaların çalışmaları ve aşırı solun resimlerini içeren Rus geleneği ile olan ortaklığını vurgulayarak kendisine "Rus sanatçı" adını verdi. Chagall'ın sıra dışı tuvallerindeki eylem, geçmiş ve geleceğin, fantazmagorinin ve günlük yaşamın, mistisizm ve gerçekliğin kaynaştığı özel yasalara göre ortaya çıktı. Eserlerin vizyoner (rüya gören) özü, figüratif bir başlangıçla, derin bir "insan boyutu" ile birleştiğinde, Chagall'ı dışavurumculuk ve sürrealizm gibi eğilimlerin öncüsü yaptı. Tuvallerindeki gündelik gerçeklik, doğum, düğün, ölüm gibi yaşam döngüsünün büyük temaları olan ebediyen yaşayan mitler tarafından kutsanmış ve ruhsallaştırılmıştır.

Rusya'da devrim sonrası dönemde, sol ve sağ sanatçılar olarak adlandırılan bir bölünme vardı. Bu, Ekim Devrimi'nin zaferiyle Sovyet hükümetinin hemen yeni bir kültür politikası uygulamaya başlamasıyla açıklandı. Bu, tarihte benzeri görülmemiş bir kültür türünün yaratılması anlamına geliyordu - proleter - o zamanlar inanıldığı gibi en devrimci ve en gelişmiş olana, Marksizm ideolojisine, yeni bir insan tipinin yetiştirilmesine, evrensel okuryazarlığın yayılmasına ve aydınlanma, sıradan insanların emek sömürülerini yücelten anıtsal sanat eserlerinin yaratılması vb. Proleter kültürü sanıldığı gibi soylu ve burjuva kültürlerin yerini alacaktı. Devrim öncesi zamanlarda bile sanatta yeni ilkeler ilan eden avangard sanatçılar (Kandinsky, Malevich, Chagall, Tatlin vb.), dönüşümleri coşkuyla kabul ettiler ve eserlerini "sol sanat" olarak adlandırmaya başladılar. Bununla birlikte, zamanla, onlar ve M.F. gibi parlak sanatçılar da dahil olmak üzere diğer sanatçılar. Larionov, N.S. Goncharova, M.V. Dobuzhinsky, V.M. Kustodiev, Z.E. Sovyet rejimi ile hayal kırıklığına uğrayan Serebryakova, Rusya'yı terk etti. Yaratıcı aydınların göçü ile Rus sanatının ve Rus edebiyatının "gümüş çağı" sona erdi.

"Doğru" olarak adlandırılabilecek diğer kamp, ​​sosyalist gerçekçiliğin katı ilkeleri üzerinde duran, politik olarak angaje olan sanatçılardan oluşan bir topluluktu. "Doğru" kamp heterojendi ve içinde en az iki yön görülebilir. İlk yön, 19. yüzyılın Gezginlerinin geleneklerini yeniden canlandırdı. ve 1922'de oluşturulan ve üyeleri (I.I. Sovyet iktidarının ülkesindeki zafer alayının sanatsal bir biçimi. Köylülerin ve işçilerin günlük mutlu yaşamları, Kızıl Ordu askerlerinin başarıları, partinin ve hükümetin sıradan insanlar için endişeleri konu haline geliyor. "kahramanca gerçekçilik". AHRR'nin en büyük sanatçılarından biri I.I. Brodsky (1883-1939), bir Lenin portreleri galerisi ve ünlü "26 Bakü Komiserinin İnfazı" (1925) tablosu da dahil olmak üzere tarihi ve devrimci resimlerden oluşan bir döngü oluşturur. Diğer Ahrrovitler destansı portrelerde uzmandır: A.M. Gerasimov ("Podyumdaki Lenin", 1930), SV. Malyutin (Furmanov'un portresi, 1922), H.A. Andreev (Stalin'in portresi, 1922), B.V. Jogaison ("Komünistlerin Sorgulanması", 1933). Devrimin kahramanlarının grup görüntüleri M.B. Grekov ("Tachanka", 1925), K.S. Petrov-Vodkin ("Komiserin Ölümü", 1928), A.A. Deineka ("Petrograd Savunması", 1928). Sosyalist gerçekçiliğin ikinci yönü, anavatanın güzelliğinin yüceltilmesiyle bağlantılıdır. Örneğin, K.F. Yuon neşeli açık hava manzaraları yarattı, I.I. Geçmişte "Jack of Diamonds"ın yaratıcılarından biri olan Mashkov, etkileyici renkli manzaralar ve natürmortlar çiziyor, A.E. Arkhipov, lirik manzaralar ve neşeli köylü kadınların görüntülerinde uzmanlaştı.

1930'ların eserleri ya kolektivizasyondan sonra mutlu bir köyün (SV. Gerasimov "Kolektif Çiftlik Tatili", 1937) ve ordunun cesareti ve gücünün (S.A. Chuikov "Sınırda", 1938) ya da aralarında Stalin'in de bulunduğu parti liderlerinin yüceltilmesine adanmıştır. önde gelen bir yer tutar.

Yetkililer tarafından desteklenen AHRR, sayısız avangard harekete karşı amansız bir mücadele verdi ve birçok sanatçı sonunda yeraltına inmek, göç etmek ve yargılanmak zorunda kaldı. Filozoflar ve parti görevlilerinin ardından kültürel şahsiyetler ideolojik yüzleşmenin içine çekilmeye başladı. Böylece, G. G. Ryazhsky başkanlığındaki NOZH (Yeni Ressamlar Derneği) derneği, geleneğe dayalı yeni bir resmin yaratıldığını ilan ediyor. Sanatçılar Derneği "Genesis" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin, vb.), dünyanın materyalist vizyonunu ve arsanın önemini vurgular.

Avangard eğilimlerin sanat sahnesinden kaldırılması, 23 Nisan 1932'de Bolşeviklerin Tüm Birlik Komünist Partisi Merkez Komitesi'nin "Edebi ve sanatsal örgütlerin yeniden yapılandırılması hakkında" bir kararname yayınlamasıyla sona erdi. birleşik yaratıcı birliklerin Bundan böyle, "sosyalist gerçekçilik" teriminin resmi kullanımı ve M. Gorky tarafından geliştirilen hükümlerinin teorik formülasyonu yeni bir dönem açmaktadır: sanatçılar "saf sanat" fikirlerine değil, dünyanın ideallerine hizmet etmelidir. komünist parti ve sosyalizmin inşasına katkıda bulunur.

Ülkedeki sanat ortamının bozulması, Lenin'in 1924'te ölümünün hemen ardından hissedilmeye başlanmış, bu yıllarda parti denetiminin güçlendiği, Pravda gazetesi sayfalarını "küçük burjuvazinin esinlediği soyut uydurmalara" karşı söylemlere ayırmıştı. Bolşevik Parti Merkez Komitesi, sanatçıları, kitlelerin erişebileceği gerçekçi bir devrimci propaganda sanatı yaratmaya çağırıyor.

K. Malevich'in çalışması keskin bir şekilde eleştirildi ve sanatçının kendisi defalarca tutuklandı. Sonuç olarak, ciddi bir hastalıktan sonra, 20. yüzyılın olağanüstü yenilikçisi. ölür. Aynı 1920'lerde. P. Filonov ve bir grup öğrencisi "Analitik Sanat Ustaları" (MAI) ideolojik zulme maruz kaldı. 1924'te, Inkhuk Resim Kültürü Müzesi'nin varlığı sona erdi. Sovyet avangardizmine darbeler peş peşe geliyor. V. Kandinsky ve El Lissitzky Rusya'dan ayrılmak ve Almanya'ya yerleşmek zorunda kaldılar. 1930'larda V. Tatlin'in "biçimci" eseri olarak karalamaya başlarlar. Rusya'da varlık zeminini yitiren nesnel olmayan sanat, Batılı izleyiciye hitap ediyor. Gelenekleri zaten Avrupalı ​​sanatçılar tarafından miras alındı.

Büyük Vatanseverlik Savaşı'nın başlamasıyla birlikte güzel sanatlar yeni bir görevle karşı karşıyadır - sanatın gücünü düşmana karşı bir silah olarak kullanmak. Bu nedenle afiş (devrim yıllarında olduğu gibi) grafiklerde ön plana çıkmıştır. Savaşın ilk iki yılında dramatik bir ses hakimdi. Zaten 22 Haziran'da Kukryniksy'nin posteri ortaya çıktı "Düşmanı acımasızca yeneceğiz ve yok edeceğiz!" Herkes I. Tondze'nin "Vatan Çağırıyor" (1941) posterini bilir. Savaştaki dönüm noktasından sonra ruh hali ve figüratif yapı değişir: L. Golovanov'un "Hadi Berlin'e gidelim!" afişi iyimserlik ve halk mizahıyla doludur. (1944).

Savaş yıllarında, şövale grafiklerinin önemli çalışmaları ortaya çıktı: hızlı, belgesel-doğru cephe eskizleri, savaşçıların, partizanların, denizcilerin, hemşirelerin, savaşın manzaralarının portre çizimleri ve ayrıca bir konuda bir dizi grafik sayfa ( örneğin, D. Shmarinov'un grafik dizisi "Unutmayalım, affetmeyeceğiz!", 1942).

Savaştan sonra ana tema barışçıl emekti. A. Plastov "Haymaking" (1945), T.N. Yablonskaya "Ekmek" (1949), A.A. Mylnikov "Huzurlu Tarlalarda" (1953), "Traktör Şoförünün Yemeği" (1951). Peyzaj türünde, savaşla çarpıtılan dünyanın görüntüsü, insanla uyumlu doğa görüntüsü ile değiştirilir (S.A. Chuikov "Sabah", 1947). Destansı başlangıç, M. Saryan'ın çalışması için tipiktir. Portre de gelişir. P. Korin, I. Grabar, M. Saryan bu türde eserler vermektedir.

1940-1950'lerde. yıkılan şehirlerin restorasyonu ve yeni inşaatlarla bağlantılı olarak, anıtsal ve dekoratif sanat yoğun bir şekilde gelişiyor. Anıtsal resim, kamu binalarının dekorasyonunda uygulama bulur, yavaş yavaş kafelerin, kulüplerin, anaokullarının küçük binalarına girer. Bu güzel sanatlar alanındaki önde gelen ustalar A. Deineka, V. Favorsky, P. Korin'dir. P. Korin ayrıca Moskova metrosu için mozaikler yarattı.

1950 lerde matbaacılık aktif olarak gelişiyor - çeşitli tekniklerde basılmış şövale grafikleri: gravürler, linocutlar, litograflar, gravürler. Bu dönemin baskısı konuda çeşitlidir - bunlar günlük çalışma, portre, manzara, natürmort, ev içi, tür sahneleridir.

1950-1960'ların başında. sanatsal yaşam etkinleştirilir. 1957'de, geçmişin sonuçlarının toplandığı ve yolların belirlendiği Birinci Tüm Birlik Sovyet Sanatçıları Kongresi gerçekleşti. Daha fazla gelişme Sovyet sanatı. Aynı yıl, cumhuriyetlerde sergilenen All-Union Sanat Sergisi düzenlendi.

Güzel sanatların her türünde yeni anlatım araçları aranmaktadır. Sanatçılar, 1940-1950'ler için olağan olmayan gerçekliği yeniden yaratmak için yeni, sözde şiddetli bir tarz (A. Kamensky) geliştiriyorlar. ihtişam ve çatışmasızlık. Sanatçılar N. Andronov, P. Nikonov, V. Popkov ve diğerleri kısıtlı, genelleştirilmiş bir forma döndüler, resimlerinin kompozisyonu özlü, çizim acımasız ve özlü, renk şartlı.

1970-1980'lerde. yeni nesil sanatçılar ortaya çıkıyor - O. Bulgakov, T. Nazarenko, N. Nesterova, A. Sitnikov ve diğerleri Gelenek, tarih, güzellik hakkında çok düşünüyorlar. Resim stilleri teatral gösteri, sanatsal, virtüöz açısından zengindir. Anıtsal ve dekoratif sanatın rolü büyüyor.

Son on yılların ev sanatı son derece çeşitlidir. Perestroyka'nın başlamasıyla birlikte çeşitli gayri resmi ve "yeraltı" dernekleri yasallaştırıldı.

Modern Rus sanatı çeşitli, özgür biçimlerde gelişiyor ve bu nedenle şu anda monostilizmden çok stilizme geçiş var.

Bu makale, 20. yüzyılın ana sanat stillerinin kısa bir tanımını içermektedir. Hem sanatçıları hem de tasarımcıları tanımak faydalı olacaktır.

Modernizm (Fransızca moderne modernden)

sanatta, 19. yüzyılın ikinci yarısında kendilerini doğanın ve geleneğin ruhuna çok fazla bağlılığın değil, ustanın özgür görüşünün hakim olduğu yeni yaratıcılık biçimleri biçiminde kuran sanatsal eğilimlerin kümülatif adı kişisel izlenim, iç fikir veya mistik rüyayı izleyerek görünür dünyayı kendi takdirine bağlı olarak değiştirmekte özgürdür (bu eğilimler büyük ölçüde romantizm çizgisini sürdürdü). İzlenimcilik, sembolizm ve modernizm, onun en önemli, genellikle aktif olarak etkileşime giren yönleriydi.Sovyet eleştirisinde, “modernizm” kavramı, 20. yüzyılın sosyalist gerçekçiliğin kanonlarına tekabül etmeyen tüm sanat hareketlerine anti-tarihsel olarak uygulandı. .

soyutlamacılık("sıfır formlar" işareti altındaki sanat, nesnel olmayan sanat) - 20. yüzyılın ilk yarısının sanatında oluşturulmuş, gerçek görünür dünyanın biçimlerini yeniden üretmeyi tamamen reddeden sanatsal bir yön. Soyutlamacılığın kurucuları olarak kabul edilir. V. Kandinsky, P. Mondrian ve K. Malevich. W. Kandinsky, empresyonist ve "vahşi" noktaları herhangi bir nesnellik belirtisinden kurtararak kendi türde bir soyut resim yarattı. Piet Mondrian, Cezanne ve Kübistler tarafından başlatılan doğanın geometrik stilizasyonu yoluyla anlamsızlığına ulaştı. Soyutlamacılığa odaklanan 20. yüzyılın modernist eğilimleri, gerçekçiliği reddederek geleneksel ilkelerden tamamen ayrılır, ancak aynı zamanda sanat çerçevesinde kalır. Soyutlamacılığın gelişiyle sanat tarihi bir devrim yaşadı. Ancak bu devrim tesadüfen değil, tamamen doğal olarak ortaya çıktı ve Platon tarafından tahmin edildi! Daha sonraki çalışmasında Philebus, çizgilerin, yüzeylerin ve kendi içlerindeki uzamsal biçimlerin güzelliği hakkında, görünür nesnelerin herhangi bir taklidi, herhangi bir mimesisten bağımsız olarak yazdı. Platon'a göre, doğal "düzensiz" biçimlerin güzelliğinin aksine, bu tür geometrik güzellik göreceli değil koşulsuz, mutlaktır.

Fütürizm- 1910'ların sanatında edebi ve sanatsal eğilim. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Fütürizmin önemli bir sanatsal fikri, modern yaşamın hızının ana işareti olarak hareketin hızının plastik bir ifadesini aramaktı. Fütürizmin Rus versiyonuna kybofuturism adı verildi ve Fransız kübizminin plastik ilkeleri ile fütürizmin Avrupa genel estetik enstalasyonlarının bir kombinasyonuna dayanıyordu. Sanatçılar, kesişimleri, kaymaları, çarpışmaları ve form akışlarını kullanarak, çağdaş bir insanın, bir şehir sakininin ezici çoğulluğunu ifade etmeye çalıştılar.

Kübizm- "Rönesans'tan bu yana en eksiksiz ve radikal sanatsal devrim" (J. Golding). Ressamlar: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kübizm - (Fransız kübizmi, küp - küpten) 20. yüzyılın ilk çeyreğinin sanatında bir yön. Kübizm plastik dili, nesnelerin deformasyonu ve geometrik düzlemlere ayrıştırılması, formun plastik kayması üzerine kuruluydu. Pek çok Rus sanatçı, Kübizm'in ilkelerini genellikle diğer modern sanat akımlarının - fütürizm ve ilkelcilik - teknikleriyle birleştirerek büyülendi. Küb-fütürizm, kübizmin Rus topraklarında yorumlanmasının özel bir çeşidi haline geldi.

saflık- (Fransız saflığı, Latince purus'tan - temiz) 1910'ların ve 20'lerin Fransız resminde bir eğilim. Ana temsilciler sanatçıdır. A. Ozanfan ve mimar C.E. Jeanneret (Le Corbusier). Kübizm ve 1910'ların diğer avangard hareketlerinin dekoratif eğilimlerini, benimsedikleri doğanın deformasyonunu reddeden püristler, istikrarlı ve özlü nesne biçimlerinin, sanki ayrıntılardan "temizlenmiş" gibi, rasyonalist bir şekilde düzenli bir şekilde aktarılması için çabaladılar. "birincil" unsurlar. Sadelikçilerin eserleri, düzlük, hafif silüetlerin pürüzsüz ritmi ve aynı tipteki nesnelerin (sürahi, bardak vb.) Konturları ile karakterize edilir. Şövale formlarında geliştirilmemiş olan, esasen yeniden düşünülmüş sanatsal ilkeler, modern mimariye, özellikle de Le Corbusier'in binalarına kısmen yansımıştır.

serrealizm- 1924'te Fransa'da ortaya çıkan ve 1969'da resmen varlığını sona erdiren edebiyat, resim ve sinemada kozmopolit bir hareket. Modern insanın bilincinin oluşumuna büyük katkıda bulundu. Hareketin ana figürleri Andre Breton- hareketin yazarı, lideri ve ideolojik ilham kaynağı, Louis Aragon- daha sonra tuhaf bir şekilde komünizmin şarkıcısına dönüşen gerçeküstücülüğün kurucularından biri, Salvador Dali- akımın özünü "Sürrealizm benim!" sözleriyle tanımlayan sanatçı, teorisyen, şair, senarist. en yüksek derece gerçeküstü görüntü yönetmeni Luis Bunuel, ressam Juan Miro- Breton ve dünyadaki diğer birçok sanatçının dediği gibi "gerçeküstücülüğün şapkasındaki en güzel tüy".

Fovizm(Fransızca les fauves - vahşi (hayvanlar)) Erken resimde yerel yön. 20. yüzyıl F. adı, bir grup genç Parisli sanatçıya alay konusu olarak verildi ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), 1905'teki ilk sergilerinden sonra 1905-1907'de bir dizi sergiye ortak olarak katıldı. Adı grubun kendisi tarafından benimsendi ve arkasında sağlam bir şekilde yerleşti. Yönün açıkça formüle edilmiş bir programı, manifestosu veya kendi teorisi yoktu ve uzun sürmedi, ancak sanat tarihinde gözle görülür bir iz bıraktı. Katılımcıları o yıllarda yaratma arzusuyla birleşmişti. sanatsal görüntüler sadece son derece parlak bir açık renk yardımıyla. Post-Empresyonistlerin sanatsal başarılarını geliştirmek ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), İzlenimciler zamanından beri Fransa'nın sanat çevrelerinde popüler olan ortaçağ sanatının (vitray, Romanesk sanatı) ve Japon gravürünün bazı resmi tekniklerine dayanarak, Fauvistler, resmin renk olasılıklarının kullanımını en üst düzeye çıkarmaya çalıştılar.

DIŞAVURUMCULUK(Fransızca ifadeden - ifadeden) - Batı Avrupa sanatında, özellikle Almanya'da, 20. yüzyılın ilk üçte birinde, belirli bir tarihsel dönemde gelişen - Birinci Dünya Savaşı arifesinde modernist bir eğilim. Dışavurumculuğun ideolojik temeli, çirkin dünyaya, insanın dünyaya artan yabancılaşmasına, evsizlik duygularına, çöküşe ve Avrupa kültürünün çok sıkı bir şekilde dayandığı görünen bu ilkelerin dağılmasına karşı bireysel bir protestoydu. Dışavurumcular mistisizme ve karamsarlığa yönelme eğilimindedir. Dışavurumculuğun karakteristik sanatsal teknikleri: yanıltıcı alanın reddedilmesi, nesnelerin düz bir şekilde yorumlanması arzusu, nesnelerin deformasyonu, keskin renkli uyumsuzluklara duyulan aşk, kıyamet dramasını somutlaştıran özel bir renk. Sanatçılar yaratıcılığı duyguları ifade etmenin bir yolu olarak algıladılar.

Süprematizm(lat. supremus'tan - en yüksek, en yüksek; ilk; son, aşırı, görünüşe göre, Polonya üstünlüğü aracılığıyla - üstünlük, üstünlük) 20. yüzyılın ilk üçte birinin avangard sanatının yönü, yaratıcı, ana temsilci ve teorisyen hangisi bir Rus sanatçıydı Kazimir Maleviç. Terimin kendisi Süprematizmin özünü yansıtmaz. Aslında, Maleviç'in anlayışında bu, tahmini bir özelliktir. Süprematizm, sanatsal olmayan her şeyden kurtulma yolunda, herhangi bir sanatın özü olarak nesnel olmayanın nihai ifşasına giden yolda sanatın gelişimindeki en yüksek aşamadır. Bu anlamda Malevich, ilkel süs sanatını Suprematist (veya “yüce-benzeri”) olarak da değerlendirdi. Bu terimi ilk olarak, Petrograd Fütürist sergisi "sıfır-sıfır"da sergilenen beyaz bir arka plan üzerinde ünlü "Siyah Kare", "Kara Haç" vb. dahil olmak üzere geometrik soyutlamaları betimleyen büyük bir resim grubuna (39 veya daha fazla) uyguladı. Malevich'in kendisi, 20'li yılların birçok eserine atıfta bulunmasına rağmen, bu ve benzeri geometrik soyutlamaların arkasında, Süprematizm adı verildi. "Suprematist ruh". Ve aslında, Malevich'in sonraki teorik gelişmeleri, Süprematizm'i (en azından Malevich'in kendisini) yalnızca geometrik soyutlamalara indirgemek için temel oluşturmaz, ancak bunlar elbette onun özünü, özünü ve hatta (siyah ve beyaz ve beyaz ve beyaz) oluştururlar. Süprematizm), resmi genel olarak bir sanat biçimi olarak varlığının sınırına, yani ötesinde artık gerçek resmin olmadığı resimsel sıfıra getirir. Yüzyılın ikinci yarısında bu yol, sanat etkinliklerinde fırça, boya ve tuvali terk eden sayısız yönle devam etti.

Rusça avangard 1910'lar oldukça karmaşık bir tablo sunuyor. Stillerde ve trendlerde hızlı bir değişim, her biri kendi yaratıcılık kavramını ilan eden çok sayıda grup ve sanatçı dernekleri ile karakterizedir. Yüzyılın başında Avrupa resminde de benzer bir şey oldu. Bununla birlikte, stillerin karıştırılması, akımların ve yönlerin "karışıklığı", yeni biçimlere doğru hareketin daha tutarlı olduğu Batı tarafından bilinmiyordu. Genç neslin birçok ustası, olağanüstü bir hızla üsluptan üsluba, sahneden sahneye, izlenimcilikten moderniteye, sonra ilkelciliğe, kübizme veya dışavurumculuğa geçti ve Fransız veya Alman resminin ustaları için tamamen atipik olan birçok adımdan geçti. . Rus resminde gelişen durum, büyük ölçüde ülkedeki devrim öncesi atmosferden kaynaklanıyordu. Bir bütün olarak tüm Avrupa sanatının doğasında var olan çelişkilerin çoğunu şiddetlendirdi, çünkü. Avrupa modelleri üzerinde çalışan Rus sanatçılar, çeşitli okullar ve resimsel eğilimler hakkında bilgi sahibiydi. Sanatsal yaşamda bir tür Rus "patlaması" böylece tarihsel bir rol oynadı. 1913'te yeni sınırlara ve ufuklara ulaşan Rus sanatıydı. Tamamen yeni bir nesnel olmama olgusu ortaya çıktı - Fransız Kübistlerinin ötesine geçmeye cesaret edemediği bir çizgi. Bu çizgiyi birer birer geçiyorlar: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kübofütürizm 20. yüzyılın başlarındaki Rus avangardında (resim ve şiirde) yerel eğilim. Görsel sanatlarda kübo-fütürizm, resimsel bulguların, kübizm, fütürizm ve Rus neo-primitivizminin yeniden düşünülmesi temelinde ortaya çıktı. Ana eserler 1911-1915 döneminde oluşturuldu. Kübo-fütürizmin en karakteristik resimleri K. Malevich'in fırçasının altından çıktı ve ayrıca Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter tarafından yazıldı. Malevich'in ilk kübo-fütüristik eserleri 1913'teki ünlü sergide sergilendi. Larionov'un Luchism'inin de çıkış yaptığı "Hedef". Görünüşte, kübo-fütüristik eserler, aynı zamanda F. Leger tarafından oluşturulan kompozisyonlarla ortak bir noktaya sahiptir ve silindir-, koni-, şişe-, kabuk şeklinde içi boş üç boyutlu renkli formlardan oluşan yarı-objektif kompozisyonlardır. , genellikle metalik bir parlaklık ile. Malevich'in bu tür ilk eserlerinde, doğal ritimden makine dünyasının tamamen mekanik ritimlerine geçiş konusunda gözle görülür bir eğilim vardır (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Klyun'un Portresi, 1913).

neoplastikizm- soyut sanatın en eski çeşitlerinden biri. 1917 tarafından Hollandalı ressam P. Mondrian ve Stil derneğinin bir parçası olan diğer sanatçılar tarafından yaratıldı. Neoplastikizm, yaratıcılarına göre, büyük dikdörtgen şekillerin kesinlikle dengeli kombinasyonlarında ifade edilen, dikey siyah çizgilerle açıkça ayrılmış ve ana spektrumun yerel renkleriyle boyanmış (beyaz ve eklenerek) "evrensel uyum" arzusuyla karakterize edilir. gri tonları). Neo-plastisite (Nouvelle plastique) Bu terim 20. yüzyılda Hollanda'da ortaya çıktı. Piet Mondrian grup ve 1917'de Leiden'de kurulan "Style" ("De Stiji") dergisi tarafından sistematik hale getirilen ve savunulan plastik kavramlarını tanımladı. Neoplastikizmin ana özelliği, ifade araçlarının katı kullanımıydı. Neoplastikizm, yalnızca yatay ve dikey çizgilerin biçim oluşturmasına izin verir. Çizgileri dik açılarla geçmek ilk prensiptir. 1920 civarında, konturu kaldıran ve düzlemi vurgulayan, renkleri kırmızı, mavi ve sarı ile sınırlayan, yani. sadece beyaz ve siyahın eklenebildiği üç saf ana renk. Bu titizliğin yardımıyla neoplastikizm, evrenselliğe ulaşmak ve böylece dünyanın yeni bir resmini yaratmak için bireyselliğin ötesine geçmeyi amaçladı.

Resmi "vaftiz" orfizm 1913'te Salon des Indépendants'da oldu. Eleştirmen Roger Allard, Salon hakkındaki raporunda şöyle yazdı: "... geleceğin tarihçileri için 1913'te yeni bir Orfizm okulunun doğduğunu not ediyoruz ..." ("La Cote" Paris 19 Mart 1913). Başka bir eleştirmen Andre Varno tarafından tekrarlandı: "1913 Salonu, Orphic okulunun yeni bir okulunun doğuşuyla kutlandı" ("Comoedia" Paris 18 Mart 1913). Nihayet Guillaume Apollinaire gururla haykırarak bu ifadeyi pekiştirdi: “Bu Orfizm. Burada, ilk kez, tahmin ettiğim bu eğilim ortaya çıktı” (“Montjoie!” Paris Eki, 18 Mart 1913). Gerçekten de, terim icat edildi Apollinaire(Orpheus kültü olarak Orfizm) ve ilk olarak modern resim üzerine bir konferans sırasında halka duyuruldu ve Ekim 1912'de okundu. Ne demek istedi? Bunu kendisi bilmiyor gibi görünüyor. Üstelik bu yeni yönün sınırlarını nasıl belirleyeceğini bilmiyordu. Aslında bugüne kadar hakim olan kafa karışıklığı, Apollinaire'in birbiriyle bağlantılı iki sorunu bilinçsizce birbirine karıştırmış olmasından kaynaklanıyordu elbette ama onları birleştirmeye çalışmadan önce, aralarındaki farklılıkları vurgulaması gerekirdi. Bir yandan yaratılış Delaunay resimsel anlatım, tamamen renge dayalıdır ve diğer yandan, kübizmin birkaç farklı yönün ortaya çıkmasıyla genişlemesidir. 1912 yazının sonunda Marie Laurencin ile ara verdikten sonra Apollinaire, onu Rue Grand-Augustin'deki atölyelerinde dostane bir anlayışla karşılayan Delaunay ailesinden sığındı. Daha bu yaz, Robert Delaunay ve eşi, daha sonra resmin “yıkıcı dönemi” olarak adlandırdığı, yalnızca renk kontrastlarının yapıcı ve uzamsal-zamansal niteliklerine dayanan derin bir estetik evrim yaşadı.

Postmodernizm (postmodern, postavangard) -

(Latince post "sonra" ve modernizmden), özellikle 1960'larda belirginleşen ve modernizmin ve avangardın konumunun radikal bir revizyonu ile karakterize edilen sanatsal eğilimlerin ortak adı.

soyut dışavurumculuk soyut sanatın gelişiminde savaş sonrası (40'ların sonu - XX yüzyılın 50'leri) aşaması. Terimin kendisi 1920'lerde bir Alman sanat eleştirmeni tarafından tanıtıldı. E. von Sydow (E. von Sydow) Ekspresyonist sanatın belirli yönlerine atıfta bulunmak için. 1929'da Amerikan Barr bunu Kandinsky'nin ilk eserlerini karakterize etmek için kullandı ve 1947'de eserleri "soyut dışavurumcu" olarak adlandırdı. Willem de Kooning ve Pollock. O zamandan beri, soyut dışavurumculuk kavramı, 50'lerde hızla gelişen, oldukça geniş, stilistik ve teknik olarak alacalı bir soyut resim (ve daha sonra heykel) alanının arkasında konsolide olmuştur. ABD'de, Avrupa'da ve daha sonra tüm dünyada. Soyut dışavurumculuğun doğrudan ataları, erken dönem olarak kabul edilir. Kandinsky, dışavurumcular, orfistler, zihinsel otomatizm ilkeleriyle kısmen dadaistler ve sürrealistler. Soyut dışavurumculuğun felsefi ve estetik temeli, büyük ölçüde savaş sonrası dönemde popüler olan varoluşçuluk felsefesiydi.

Hazır(İngilizce hazır - hazır) Terim, sanat tarihi sözlüğüne ilk kez sanatçı tarafından girmiştir. Marcel Duchamp faydacı kullanım nesnesi olan, normal işleyiş ortamından uzaklaştırılan ve bir sanat sergisinde hiçbir değişiklik yapılmadan sergilenen eserlerini sanat eseri olarak adlandırmak. Ready-Made, şeye ve şeye yeni bir bakış attı. Faydacı işlevlerini yerine getirmeyi bırakan ve sanat alanı bağlamına dahil olan, yani faydacı olmayan bir tefekkür nesnesi haline gelen bir nesne, hem geleneksel sanatta hem de sanatta bilinmeyen bazı yeni anlamlar ve çağrışımsal hareketler ortaya çıkarmaya başladı. gündelik-faydacı varlık alanı. Estetik ve faydacının göreliliği sorunu keskin bir şekilde ortaya çıktı. İlk Hazır Duchamp 1913'te New York'ta sergilendi. Hazır-Made'sinin en meşhuru. çelik "Bisikletten tekerlek" (1913), "Şişe kurutucu" (1914), "Çeşme" (1917) - sıradan bir pisuar bu şekilde belirlendi.

Pop sanat.İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, Amerika'da kendileri için özellikle önemli olmayan malları satın almak için yeterli para kazanan geniş bir sosyal tabaka oluştu. Örneğin, mal tüketimi: Coca cola veya Levi's jeans bu toplumun önemli bir özelliği haline geliyor. Bunu veya bu ürünü kullanan bir kişi, belirli bir sosyal tabakaya ait olduğunu gösterir. Güncel kitle kültürü oluştu. Şeyler semboller, klişeler haline geldi. Pop art mutlaka stereotipler ve semboller kullanır. Pop sanat(Pop Art), Duchamp'ın yaratıcı ilkelerine dayanan yeni Amerikalıların yaratıcı arayışını somutlaştırdı. BT: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, ve diğerleri. Pop art, kitle kültürünün önemini üstleniyor, bu nedenle Amerika'da şekillenmesi ve bir sanat hareketi haline gelmesi şaşırtıcı değil. Müttefikleri: Hamelton R, Ton Çin otorite olarak seçilen Kurt Schwieters. Pop art, bir çalışma ile karakterize edilir - nesnenin özünü açıklayan bir oyun yanılsaması. Örnek: pasta K. Oldenburgçeşitli şekillerde tasvir edilmiştir. Bir sanatçı bir pastayı tasvir etmeyebilir, ancak illüzyonları ortadan kaldırabilir, bir kişinin gerçekten gördüğünü gösterir. R. Rauschenberg de özgün: tuvale çeşitli fotoğraflar yapıştırdı, ana hatlarını çizdi ve işe doldurulmuş bir hayvan ekledi. Ünlü eserlerinden biri içi doldurulmuş bir kirpidir. Kenedy'nin fotoğraflarını kullandığı tablosu da iyi bilinmektedir.

Primitivizm (Naif Sanat). Bu kavram birkaç anlamda kullanılmaktadır ve aslında kavramla özdeştir. "ilkel sanat". Farklı dillerde ve farklı bilim adamları tarafından, bu kavramlar en sık sanatsal kültürde aynı fenomen yelpazesine atıfta bulunmak için kullanılır. Rusça'da (bazılarında olduğu gibi), "ilkel" teriminin biraz olumsuz bir anlamı vardır. Bu nedenle, konsepte odaklanmak daha uygundur. saf sanat. En geniş anlamda, bu, resimsel ve ifade edici dilin sadeliği (veya basitleştirilmesi), netliği ve resmi dolaysızlığı ile ayırt edilen güzel sanatlara atıfta bulunur; bu sayede, medeniyet gelenekleri tarafından yüklenmeyen özel bir dünya vizyonunu ifade eder. . Konsept, son yüzyılların yeni Avrupa kültüründe ortaya çıktı, bu nedenle kendisini gelişimin en yüksek aşaması olarak gören bu kültürün profesyonel konumlarını ve fikirlerini yansıtıyor. Bu konumlardan, saf sanatın, eski halkların (Mısır'dan veya eski Yunan uygarlıklarından önce) arkaik sanatı, örneğin ilkel sanat; kültürel ve uygarlık gelişmelerinde geciken halkların sanatı (Afrika'nın yerli nüfusu, Okyanusya, Amerika Kızılderilileri); en geniş ölçekte amatör ve profesyonel olmayan sanat (örneğin, Katalonya'nın ünlü ortaçağ freskleri veya Avrupa'dan ilk Amerikalı göçmenlerin profesyonel olmayan sanatı); sözde "uluslararası Gotik"in birçok eseri; Halk sanatı; son olarak, profesyonel bir sanat eğitimi almamış, ancak sanatsal yaratıcılığın armağanını kendilerinde hisseden ve kendilerini sanatta bağımsız olarak gerçekleştirmeye adayan 20. yüzyılın yetenekli ilkel sanatçılarının sanatı. Bazıları (Fransızca A. Russo, K. Bombois, Gürcü N. Pirosmanishvili, Hırvatça I. Generalich, Amerikan AM Robertson vb.) dünya sanatının hazinesinin bir parçası haline gelen gerçek sanatsal şaheserler yarattılar.Dünyanın vizyonu ve sanatsal sunum yöntemleri açısından naif sanat, bir yandan çocukların sanatına biraz yakındır. yandan, diğer yandan akıl hastasının işine. Ancak özünde her ikisinden de farklıdır. Dünya görüşü açısından çocuk sanatına en yakın şey, Okyanusya ve Afrika'nın arkaik halklarının ve yerlilerinin Naif sanatıdır. Çocuk sanatından temel farkı, derin kutsallığı, gelenekçiliği ve kanonikliğinde yatmaktadır.

sanat yok(Net Art - İngiliz ağından - ağ, sanat - sanat) Bilgisayar ağlarında, özellikle internette gelişen en yeni sanat biçimi, modern sanat uygulamaları. Rusya'daki araştırmacıları, gelişimine katkıda bulunan O. Lyalina, A. Shulgin, Net-art'ın özünün, Web'de iletişim ve yaratıcı alanların yaratılmasına bağlı olduğuna ve herkese tam bir ağ varlığı özgürlüğü sağladığına inanıyor. Bu nedenle, Net-art'ın özü. temsil değil, iletişimdir ve özgün sanat birimi elektronik bir mesajdır. 80'li ve 90'lı yıllarda ortaya çıkan Net-art'ın gelişiminde en az üç aşama var. 20. yüzyıl İlki, hevesli web sanatçılarının bilgisayar klavyesinde bulunan harflerden ve simgelerden resimler oluşturmasıydı. İkincisi, yeraltı sanatçıları ve çalışmalarından bir şeyler göstermek isteyen herkesin internete gelmesiyle başladı.

OPART(İng. Op-art - optik sanatın kısaltılmış bir versiyonu - optik sanat) - 20. yüzyılın ikinci yarısının, düz ve mekansal figürlerin algı özelliklerine dayanan çeşitli görsel yanılsamalar kullanan sanatsal bir hareket. Akım, teknikçiliğin (modernizm) rasyonalist çizgisini sürdürüyor. Temsili olan sözde "geometrik" soyutlamacılığa geri döner. V. Vasarely(1930'dan 1997'ye kadar Fransa'da çalıştı) - op art'ın kurucusu. Op-art'ın olanakları endüstriyel grafiklerde, posterlerde ve tasarım sanatında bir miktar uygulama bulmuştur. Op sanatının (optik sanat) yönü, bu sefer farklı bir çeşitlilikte - geometrik soyutlama olmasına rağmen, soyutlamacılık içinde 50'li yıllarda ortaya çıktı. Güncel olarak dağılımı 60'lı yıllara dayanmaktadır. 20. yüzyıl

Duvar yazısı(grafiti - arkeolojide, herhangi bir yüzeyde çizilen herhangi bir çizim veya harf, İtalyan grafisinden - çizik) Bu, çeşitli kullanılarak yapılan kamu binalarının, yapıların, ulaşımın duvarlarında ağırlıklı olarak geniş formatlı görüntüler olan alt kültür eserlerinin belirlenmesidir. sprey tabanca çeşitleri, aerosol boya kutuları. Bu nedenle diğer adı "sprey sanatı" - Sprey sanatı. Kökeni, grafitinin kitlesel görünümü ile ilişkilidir. 70'lerde. New York metro arabalarında ve ardından kamu binalarının duvarlarında panjurları saklayın. Grafitinin ilk yazarları. çoğunlukla Porto Rikolular başta olmak üzere etnik azınlıkların genç işsiz sanatçıları vardı, bu nedenle, ilk Graffiti'de Latin Amerika halk sanatının bazı stilistik özellikleri ortaya çıktı ve bunun için amaçlanmayan yüzeylerde görünmeleri gerçeği, yazarları protestolarına karşı çıktılar. güçsüz pozisyon 80'lerin başında. neredeyse profesyonel ustalar G.'nin bütün bir eğilimi oluştu, daha önce takma adlar altında gizlenmiş gerçek isimleri biliniyordu ( KAZA, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, GÖRÜLDÜ, DAZE). Bazıları tekniğini tuvale aktardı ve New York'taki galerilerde sergilemeye başladı ve kısa süre sonra grafiti Avrupa'da ortaya çıktı.

HİPERREALİZM(hiperrealizm - İngilizce) veya fotogerçekçilik (fotogerçekçilik - İngilizce) - sanatçı. resim ve heykelde fotoğrafa dayalı hareket, gerçeğin yeniden üretimi. Hem pratiğinde hem de natüralizme ve pragmatizme yönelik estetik yönelimlerinde hiperrealizm pop art'a yakındır. öncelikle figüratifliğe dönüşle birleşirler. Sadece temsilden kopmakla kalmayıp aynı zamanda sanatın maddi gerçekleşmesi ilkesini sorgulayan kavramsalcılığın bir antitezi olarak hareket eder. kavram.

arazi sanatı(İngiliz kara sanatından - toprak sanatından), son üçte bir sanatta bir yönXXYüzyıl, gerçek bir peyzajın ana sanatsal malzeme ve nesne olarak kullanılmasına dayanmaktadır. Sanatçılar siperler kazar, tuhaf taş yığınları yaratır, kayaları boyar, eylemleri için genellikle ıssız yerleri seçer - bozulmamış ve vahşi manzaralar, böylece sanatı doğaya döndürmeye çalışırlar. onun sayesinde<первобытному>Görünüşte, bu tür birçok eylem ve nesne, fotoğraf sanatına olduğu kadar arkeolojiye de yakındır, çünkü halkın çoğunluğu onları yalnızca bir dizi fotoğrafta düşünebilir. Görünüşe göre Rus dilinde bir başka barbarlıkla daha uzlaşmamız gerekecek. Bu terimin tesadüf olup olmadığını bilmiyorum.<лэнд-арт>sonunda ortaya çıktı 60'lar gelişmiş toplumlarda öğrenci topluluğunun asi ruhunun güçlerini yerleşik değerleri devirmeye yönlendirdiği bir zamanda.

MİNİMALİZM(minimal sanat - İngilizce: minimal sanat) - sanatçı. yaratıcılık sürecinde kullanılan malzemelerin minimal dönüşümünden kaynaklanan akış, formların sadeliği ve tekdüzeliği, monokrom, yaratıcı. sanatçının kendini kısıtlaması. Minimalizm, öznelliğin, temsilin, illüzyonizmin reddi ile karakterizedir. klasiği reddetmek yaratıcılık ve gelenek. sanatsal malzemeler, minimalistler, basit geometrik endüstriyel ve doğal malzemeleri kullanır. endüstriyel üretimde şekiller ve nötr renkler (siyah, gri), küçük hacimli, seri, konveyör yöntemleri kullanılmaktadır. Minimalist yaratıcılık kavramındaki bir eser, üretim sürecinin önceden belirlenmiş bir sonucudur. Resim ve heykelde en eksiksiz gelişmeyi alan minimalizm, geniş anlamda sanatçının ekonomisi olarak yorumlanır. fonlar, başta tiyatro ve sinema olmak üzere diğer sanat dallarında uygulama buldu.

Minimalizm, Amerika Birleşik Devletleri'nde trans olarak ortaya çıktı. zemin. 60'lar Kökenleri yapılandırmacılık, üstünlükçülük, dadaizm, soyutlamacılık, biçimci Amer'dedir. 1950'lerin resmi, pop art. doğrudan minimalizmin öncüsü. bir Amer'dir. ressam F. Stella 1959-60 yıllarında düzenli düz çizgilerin hakim olduğu bir dizi "Siyah Tablolar" sundu. İlk minimalist eserler 1962-63'te ortaya çıktı "Minimalizm" terimi. yaratıcılığın analizi ile ilgili olarak tanıtan R. Walheim'a aittir. M. Duchamp ve pop sanatçıları, sanatçının çevreye müdahalesini en aza indirir. Eş anlamlıları "havalı sanat", "ABC sanatı", "seri sanat", "birincil yapılar", "süreç olarak sanat", "sistematik sanat"tır. tablo". En temsili minimalistler arasında - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Eseri çevreye uydurma, malzemelerin doğal dokusunu yenme arzusuyla birleşirler. D. Yeşim"spesifik" olarak tanımlar. nesne”, klasik olandan farklıdır. plastik işler. sanat. Bağımsız, aydınlatma, minimalist sanat yaratmanın bir yolu olarak rol oynar. durumlar, özgün mekansal çözümler; eserlerin yaratılması için bilgisayar yöntemleri kullanılır.

Günümüzde tasarımcılar zanaatkar olarak görülmüyor, ancak geçmişte seçkin ustalar bu alanda çalışan sanatçılara tepeden bakıyorlardı. İlya Repin şöyle yazdı: "Gözleri okşayan, dantel dokuyan, modaya karışan halılar yapmak - tek kelimeyle, her şekilde Tanrı'nın sahanda yumurta armağanına müdahale eder." Zamanla moda tasarımcılarına karşı tutum değişti - Kultura.RF, Rus sanatçıların nasıl trend belirleyici olduğunu anlatıyor.

oryantal motifler

Leon Bakst. Bacchae rolü için "Nergis" balesi için kostüm tasarımı. 1911. Fotoğraf: porusski.me

Leon Bakst. Bale Kleopatra için kostüm tasarımı. 1910. Fotoğraf: artchive.ru

Leon Bakst. Estrella rolü için bale "Karnaval" için kostüm tasarımı. 1910. Fotoğraf: artchive.ru

Leon Bakst en iyi ressam ve tiyatro sanatçısı olarak bilinir. Bununla birlikte, bir kostüm tasarımcısının çalışmasının dikkat ve hayranlık duymaya değer olduğunu ilk kanıtlayan oydu.

1900'lerin sonlarında ve 1910'ların başlarında Paris'teki Sergei Diaghilev Bale Topluluğunun performansları ezici bir şekilde başarılı ve popülerdi. Bakst'ın yarattığı egzotik manzara ve kostümler, seyirciler üzerinde "hipnotik bir etki" yarattı. Ve tiyatro sahnesinden fikirleri oditoryuma taşındı. Sanatçı Mstislav Dobuzhinsky şunları yazdı: "iyileştirme parlak renkler, tüylü türbanların lüksü ve altınla dokunan kumaşlar, süs ve süslemelerin bereketli bolluğu - tüm bunlar o kadar şaşırtıcıydı ki, yeni bir şeyin susuzluğuna o kadar çok cevap verdi ki, yaşam tarafından algılandı. [Charles Frederic] Worth ve [Jeanne] Paquin - Paris modasında trend belirleyiciler - Bakst'ı yaymaya başladılar".

Renkli çoraplar, yapay elmaslarla süslenmiş ayakkabılar, şallar, eşarplar, göz alıcı takılar (uzun imitasyon inci dizileri, büyük taşlı takılar, kol ve bacaklarda çok sayıda bilezik), türbanlar, renkli peruklar, parlak dekoratif kozmetikler ve çok daha fazlası - moda Bakst ve "Doğu" eserlerinin büyük etkisi altında kurulan 1910'ların.

Yakında, Leon Bakst Avrupa modasını endüstri içinden etkilemeye başladı: moda evleri için kostüm eskizleri yarattı, kumaşlar için desenler çizdi ve ressam Kuzma Petrov-Vodkin'in hatırladığı gibi "Paris'i etobur oryantal ipeklerle giydirdi". O dönemin önde gelen modacılarından Paul Poiret, Bakst'ın eserlerinden ilham aldığını inkar etti, ancak Rus sanatçıya işbirliği teklif eden ilk kişi oldu. Bu dönemde Poiret'in renk şeması beklenmedik bir şekilde parlak hale geldi - ve Bakst'ın bu konudaki etkisi görülebilir. Gelecekte, Bakst ve Poiret benzer yönlerde çalıştı ve her ikisine de birçok moda yenilik atfedildi: örneğin, kadın gece kıyafetleri olarak harem pantolonları, son derece dar "topal etekler" ve çok katmanlı kıyafetler.

Leon Bakst dünya modası için çok şey yaptı ve onu bir sanatçıya layık görmedi. Ölümünden kısa bir süre önce bir röportajda şunları söyledi: “Sanatta büyük ve küçük yoktur. Her şey sanat".

avangard moda

Natalia Goncharova. Leonid Myasin'in "Liturgy" balesi için kostüm tasarımı - Seraphim. 1915. Fotoğraf: avangardism.ru

Natalia Goncharova bir kostüm taslağı üzerinde iş başında. 1916. Fotoğraf: theartnewspaper.ru

Natalia Goncharova. Sergei Prokofiev'in müziğine "Borisfen Üzerine" balesi için kostüm tasarımı. 1932. Fotoğraf: theartnewspaper.ru

Natalia Goncharova'nın eserleri bugün tüm kadın sanatçılar arasında en pahalı olarak kabul ediliyor ve kendisi yurtdışındaki en ünlü Rus sanatçı haline geldi. Alexander Puşkin'in karısı Goncharova'nın büyük torunu, başlangıçta bir heykeltıraş olmayı amaçlıyordu. Ancak daha sonra evleneceği sanatçı Mikhail Larionov ona resim yapmasını tavsiye etti ve Goncharova kısa süre sonra sanat ve el sanatlarına yöneldi.

1913'te ressam, eleştirmen ve sanat eleştirmeni Alexandre Benois günlüğüne şunları yazdı: “Goncharova'nın moda serisi büyüleyici. Bu elbiselerin renkleri sanatsal, sıkıcı değil. Neden sanatçının enerjisini kadın kıyafetlerini güncellemeye adadığını şimdi anlıyorum, neden Moskova'nın ünlü modacıları ona gidip ondan öğrenmiyor? Moda tutkunları geç kaldı: Sergei Diaghilev, Goncharova'yı Rus Mevsimlerinin manzarası üzerinde birlikte çalışmak için Paris'e davet etti ve sanatçı bir daha anavatanına dönmedi. Fransa'ya gitmeden önce Goncharova'nın, aynı 1913'te sanatçının ilk sergisinin düzenlendiği salondan çok uzakta olmayan atölyesi olan ünlü zanaatkar Nadezhda Lamanova'ya kıyafet eskizleri sattığına inanılıyor.

Sürgünde, Natalia Goncharova dergiler ve moda evleriyle işbirliği yapmaya devam etti - birçok eskiz korundu. Paris Moda Müzesi de Goncharova'nın kıyafetlerini saklar. Ne yazık ki bugün ne modacıların isimleri ne de bu eserleri sipariş edenlerin isimleri bilinmiyor, ancak Rus avangardının kurucularından birinin parlak dekoratif eserlerinin 1910'larda dikkat çekmediği aşikar. Natalia Goncharova'nın görünüşü ve tarzı - dikkatsiz ve basit görünen - bile avangard ve zamanlarının biraz ötesindeydi.

Erişilebilirlik ve özgünlük

Vera Muhina. Kostüm tasarımı, Atelier dergisi, 1923. Fotoğraf: fashionblog.com

Vera Mukhina ve Natalia Lamanova. Bir başörtüsünden bir ev elbisesinin taslağı. Fotoğraf: nlamanova.ru

Vera Muhina. Bir tomurcuk elbise taslağını. Atelier dergisinin kapağı, 1923. Fotoğraf: casual-info.ru

Efsanevi "İşçi ve Kolektif Çiftlik Kadını" heykelinin yazarı Vera Mukhina sadece anıtsal sanatla uğraşmadı. Çok şey çizdi ve devrimden önce bile tiyatro kostümleri ve Oda Tiyatrosu prodüksiyonlarının tasarımı için ne yazık ki gerçekleşmeyen bir dizi eskiz yarattı. Ve 1920'lerde, kıyafetlerin yaratılması da dahil olmak üzere uygulamalı sanata çok zaman ayırdı.

SSCB'de günlük kostümlerin modellenmesi için ilk merkez olan "Modern Kostüm Atölyeleri", Devlet Sanat Bilimleri Akademisi'nin kostüm bölümü - Mukhina her şeyde aktif rol aldı. 1923'te Atelier dergisi yayınlandı - ilk Sovyet moda dergisi. En çarpıcı modellerinden biri, kabarık tomurcuk etek ve geniş kenarlı kırmızı bir şapka giymiş Mukhina modeliydi. Sanatçının eskizleri Krasnaya Niva dergisinde de yayınlandı.

Yakında Vera Mukhina, Nadezhda Lamanova ile bir araya geldi. 1925'te ortaklaşa, her Sovyet kadınının evde tekrarlayabileceği muhteşem ama pratik modellere sahip bir albüm olan "Günlük yaşamda sanat" yayınladılar. Lamanova bu işbirliğinde bir teorisyen olarak hareket etti ve Mukhina fikirlerini kağıt üzerinde somutlaştırdı. Ardından Paris'te düzenlenen Uluslararası Dekoratif Sanatlar ve Sanat Endüstrisi Sergisi'ne katıldılar. En mütevazı modeller basit malzemeler Avrupa moda tasarımcılarının lüks kıyafetleriyle halk tarzı süslemeler yarıştı - ve çok başarılı bir şekilde: Mukhina ve Lamanova Grand Prix'yi "modern bir moda trendi ile birleştirilmiş ulusal kimlik için" aldı.

1933'te Moskova Moda Modelleri Evi açıldı ve Vera Mukhina sanat konseyine üye oldu. Leon Bakst'ın zamanında belirttiği gibi, "sanatçılar moda tutkunlarının önündedir."

Yeni giyim konsepti ve unisex

Alexander Rodchenko. Varvara Stepanova, Birinci Pamuk Baskı Fabrikasında üretilen kendi çizimine göre kumaştan yapılmış bir elbise içinde. Fotoğraf: yahudi müzesi.ru

Alexander Rodchenko. Lilya Brik, Varvara Stepanova'nın baskılı bir eşarp içinde. 1924. Fotoğraf: yahudi-museum.ru

Alexander Rodchenko ve Varvara Stepanova. 1920'ler Fotoğraf: yahudi müzesi.ru

Sanatçı Varvara Stepanova, genellikle seçkin bir sanatçı ve fotoğrafçı olan kocası Alexander Rodchenko ile birlikte hatırlanır. Bununla birlikte, Vladimir Mayakovsky'nin dediği gibi "şiddetli Stepanova", ünlü yazarın sadece karısı ve müttefiki değildi. Yapılandırmacılığın parlak bir temsilcisi olan "Rus avangardının Amazon'u", bu yönün gerektirdiği gibi, sanat uğruna sanatı terk etmeyi başardı. Daha doğrusu, onu sıradan insanlara hizmet etmeye zorladı.

1922'de Moskova'da İlk Pamuk Baskı Fabrikası açıldı. Sanatçılar, üretim işçilerinin yardımına geldi. Varvara Stepanova ve arkadaşı Lyubov Popova tekstil tasarımcıları oldular ve kumaşlar için baskılar tasarlamaya başladılar. Zımbalar, baskılar, pazenler, krep de chines, açıkça tanımlanmış konturlar, soyut formlar, nesnel olmayan Süprematist süslemelerle süslenmiş çizimler. Stepanova, fabrikada sadece iki yıllık bir çalışma içinde, 20'si basılmış 150 eskiz geliştirdi.

Alexander Rodchenko. Stepanova tarafından tasarlanan spor giyimli öğrenciler. 1924. Fotoğraf: avangardism.ru

Varvara Stepanova. Bir eşofman taslağı. 1923. Fotoğraf: avangardism.ru

Alexander Rodchenko. Evgenia Sokolova (Zhemchuzhnaya), Varvara Stepanova tarafından tasarlanan bir eşofmanı sergiliyor. 1924. Fotoğraf: casual-info.ru

Aynı zamanda sanatçı, Yüksek Sanatsal ve Teknik Atölyelerin tekstil bölümünde ders verdi. Stepanova ayrıca, giyime yeni bir yaklaşım geliştiren parlak bir moda teorisyeni olduğu ortaya çıktı. "Bugünün kıyafeti genel" makalesinde şunları yazdı: “Moda, psikolojik olarak yaşamı, alışkanlıkları, estetik zevki yansıtan, yerini emeğin çeşitli kollarında iş için düzenlenen giysilere bırakır,<...>sadece içinde çalışma sürecinde gösterilebilen kıyafetler, dışarıda gerçek hayat kendine yeten bir değeri temsil etmeyen, özel bir tür "sanat eseri". Stepanova, dekoratifliği ve süslemeyi kolaylık ve uygunluk ile değiştirmeyi önerdi. Yeni Sovyet erkeğinin yeni uygun giysilere ihtiyacı vardı. Geometrik desenlerle tasarladığı eşofmanlar rahattı ve hem erkeğe hem de kadına eşit derecede yakışıyordu.

LEF dergisi Popova hakkında bile yazdı: “Günler ve geceler, patiska için çizimler üzerinde oturdu, tek bir yaratıcı eylemde ekonominin gerekliliklerini, dış tasarım yasalarını ve Tula köylü kadınının gizemli zevkini birleştirmeye çalıştı. Hiçbir iltifat ya da pohpohlayıcı teklif onu baştan çıkaramazdı. Sergi için, müze için herhangi bir çalışmayı kategorik olarak reddetti. Bir patiska "tahmin etmek" onun için estetik beyleri saf sanattan "hoşnut etmek" ile kıyaslanamayacak kadar çekiciydi..

Popova'nın pergel ve cetvelle çizilen geometrik süslemeleri ilk başta alışılmadık görünüyordu ve çoğu kadın kıyafetleri için uygun olmadığını düşündü. Bununla birlikte, yeni desenlere sahip kumaşlar o kadar büyük bir başarıydı ki, 1924 yazında Moskova'daki "Halklar Kongresi" sırasında numuneler "arşına kadar" satıldı.

Ve 1925'te Paris'te, Vera Mukhina ve Nadezhda Lamanova'nın eserlerinin Grand Prix'yi aldığı uluslararası bir sergi düzenlendi. Lyubov Popova da katıldı. Sovyet pavyonunun tasarımcısı Alexander Rodchenko, karısı Varvara Stepanova'ya şunları yazdı: Lyubov Popova 60'ın tekstil çizimleri ve sizinki 4 ". Doğru, Popova'nın kendisi bunu asla öğrenmedi - sergiden bir yıl önce öldü.

19. yüzyılın başlarındaki sanat, 1812 Vatanseverlik Savaşı'nın neden olduğu toplumsal yükseliş dönemi ve 1825'te Decembrist ayaklanmasına yol açan serflik karşıtı hareketle ilişkilidir.

Sanat kültürü alanında verilen periyot nispeten hızlı bir yön değişikliği oldu: klasisizm yol verir romantizm ve gelişme yolundaki romantizm, giderek artan gerçekçilik sanatta. Nitekim bu esas olarak resimde. 18. yüzyılın sanatçıları, bireyin bireysel benzersizliğini aktarmada gerçekçilik için çabaladılarsa, 19. yüzyılda neyin değerli olduğunu, onları kamusal hayatta neyin endişelendirdiğini tasvir etmeye başladılar.

19. yüzyılın ikinci çeyreğinde, kapitalizm Avrupa'daki çoğu ülkede kendini çoktan kurmuştu, Rusya'da ise feodal-serf sisteminin çözülüşü hâlâ devam ediyordu. Bununla birlikte, hem Avrupa'da hem de Rusya'da, bu dönem fırtınalı bir sosyal yaşamın yükselişi ile karakterize edilir - Avrupa'da öncelikle Fransız devrimi ve sonuçları ve Rusya'da büyüyen serfliğe karşı mücadele, özellikle Decembrist ayaklanmasının başarısızlığından sonra.

Bu dönemde duvarlara hakim olan klasisizm Sanat Akademisi, ilerici önemini tüketmiştir. 1829'da Akademi, imparatorluk mahkemesinin departmanına bağlıydı, bu yüzden oldu. resmi görüş şefi. Sanattaki konumlarını güçlendirmek için Akademi profesörleri, romantizmin belirli tekniklerinde ustalaşmaya çalıştılar. Böylece, gerçek günlük yaşamdan uzak, ideal, yüce bir güzellik yaratmak için tasarlanmış akademik romantizm yöntemi oluşturuldu.

Akademik sanatın aksine, 19. yüzyılın ilk yarısında Rusya'da başka bir sanat olarak adlandırılmaya başlanan başka bir sanat şekillenmeye başladı. kritik gerçekçilik. Sanatçılar, çağdaş toplumlarının kusurlarını ortaya çıkarmak için koşullu müjde öyküleri biçimine başvurmadan açıkça başladı, resimdeki Rus eleştirel gerçekçiliğinin kurucusu haklı olarak kabul edilir. Pavel Fedotov.

Rusya'da 19. yüzyılın ikinci yarısına daha iyi bir yaşam için kurtuluş mücadelesinde yeni bir yükseliş damgasını vurdu. Entelijansiya, toplumsal harekette önde gelen yeri aldı. Serflik kaldırıldı, ancak hayat bundan daha kolay olmadı.

Bu dönemde sanatın, özellikle de insanları yetiştirmenin güçlü bir aracı olarak görülen resim sanatının önemi artmıştır. 19. yüzyılın ilk yarısının sonunda çalışmaya başladı Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu demokratik yolların öncüsü olarak toplumda büyük bir rol oynamaya başlamıştır. Burada, çevredeki yaşamın yakından incelenmesine dayanan Venedik pedagojik sistemi hemen kök saldı. Okulun başkentten uzakta, sanki insan yaşamının ortasında olması da rol oynadı. Okulun öğrencilerinin en seçkini VG Perov

2. yarı döneminde sanat, yüksek ideolojik içerik, acil sosyal sorunları çözme konusundaki tutkulu ilgi ve halk karakteri ile ayırt edilir. İnsanlara hizmet etmek, ilerici Rus sanatçıların ana hedeflerinden biri haline geldi. Rus sanat tarihinde ilk kez, emekçilerin yaşamı, demokratik sanatçıların eserlerinin ana teması haline geldi. İnsanlar dışarıdan değil, içeriden sanki tasvir edilmiştir. Birçoğu halktan gelen halkın savunucusu olan sanatçılar, onun baskısını, zor yaşamını ve hak mahrumiyetlerini anlattılar. Bu sosyal açıdan eleştirel ruh halleri Sanat Akademisi'nin sınıflarına da nüfuz etti: 1861'de mezun oldu. V. Jacobi boyama yaptı "Tutukluların durdurulması". Ve 1864'te resim büyük bir başarı elde etti. K. Flavitsky "Prenses Tarakanova Elizabeth Petrovna'nın kızı olarak kabul edilen Peter ve Paul Kalesi'nin gizemli mahkumuna adanmıştır.

Prenses Tarakanova (1864)

Rusya'nın kamusal yaşamındaki tüm bu değişikliklere rağmen, St. Petersburg Sanat Akademisi, yaşamdan uzak, soyut olan akademik sanatı savunmaya devam etti. En yüksek resim türü hala kabul edildi tarih boyama ağırlıklı olarak mitolojik ve dini konularda. Sonuç olarak, Akademi'nin geri ilkelerini kabul etmeye isteksiz olan ileri sanatçılar, eski öğretim sistemiyle çatıştı ve bu da açık öğretimle sonuçlandı. "14'ün isyanı" sanatçılar. Sanatçı Kramskoy liderliğindeki mezunlar performans göstermeyi reddetti tez Belirli bir mitolojik tema üzerine Konu seçiminde özgürlük talep ettiler. Akademi Konseyi, mezunların taleplerini reddetti, ardından protesto için Akademi'den ayrıldılar ve diplomalarını reddettiler.

9 Kasım 1863'te Akademi'den ayrıldıktan sonra Protestanlar, Artel sanatçılar. Bütün olayın başlatıcısı Ivan Nikolaevich Kramskoy'du. Artel üyeleri bir daire kiraladı ve birlikte yerleşti. Ev, Kramskoy'un karısı tarafından yönetildi. Artel kısa sürede tanınmaya başladı. Sık sık çağrıldı "Kramskoy Akademisi". Her perşembe akşamları ressamlar ve yazarlar artel atölyesinde toplanırdı. Bu akşamlarda politika, sosyal yaşam, sanatın heyecan verici konuları tartışıldı - tüm bunlar sanatsal gençliğin eğitimine, sanatsal güçlerin toplanmasına katkıda bulundu.

Artel yaklaşık 7 yıl varlığını sürdürdü ve 1870'de dağıldı. Artel'in yerini yeni bir sanat derneği aldı - Gezici Sanat Sergileri Derneği.

19. yüzyıl sanatında çok önemli bir yer P. M. Tretyakov'un faaliyetleri, kendini gerçek bir Rusya vatandaşı olarak kanıtlayan, antik çağlardan başlayarak Rus resim ve heykel koleksiyonuna başlayan. Tüm parasını resim satın almak için harcadı ve genellikle fakir yetenekli sanatçıları parayla destekledi.

19. yüzyılın ikinci yarısının Rus resminin ana alanı, ev tipi. Lider yine de köylü teması Gezginler tasvir edildi halk hayatı, Rus toplumunun egemen ve ezilen sınıfları arasındaki sosyal çatışmayı gösteren, resimde suçlayıcı gelenekler devam etti. büyük yer kaplar çocuk teması.

19. yüzyılın 2. yarısında, Rus güzel sanatlarında mitolojik, dini temaların gerçek tarihi olayların tasvirine yol açmaya başladığı bir reform gerçekleşti. Bu reformun başlangıcı Rus sanatçı Ge N.N.

19. yüzyılın ikinci yarısının Rus manzarasında, ulusal bir temanın kurulması için keskin bir mücadele yaşanıyor. Bu yıllarda dikkat çekici sanatçılar Savrasov, Shishkin, Levitan ve diğerleri, hayattan uzak, özellikle İtalyan ve Fransız, akademik manzara "idealize", "pürüzsüz" geleneklerinden kopuyor ve kendi ülkelerinin doğasının imajına dönüyorlar. Chernyshevsky'nin "Güzel olan hayattır" sözü, manzara resminin ustaları arasında sıcak bir karşılık buldu. Doğayı günlük, doğal görünümüyle temsil eden Gezginler, onda geniş şiir ve güzellik sergilediler.

20. yüzyılın 2. yarısında, Rus resminde özellikle parlak, güçlü, yetenekli ressamlar, tarihi resim ustaları göze çarpıyordu - bunlar I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

19. - 20. yüzyılların başında Rus sanatı, devrimci bir ruh hali içinde şekillendi. Çökmekte olan görüşler ve karamsarlık, yaratıcı entelijansiyanın çevresine nüfuz etti. Toplumda estetik değerler değişti. Sanatta kendi yolunu arayan birçok sanatçı, çeşitli sanatsal organizasyonlarda - derneklerde birleşmeye başladı.

1903 yılında birçok realist sanatçı bir araya geldi. "Rus Sanatçılar Birliği", Gezginlerin geleneklerini sürdürdükleri yerde doğru, gerçekçi eserler yazdılar. Bu dönemin dikkat çekici sanatçıları Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin vb.