Pravci ruske umjetnosti 20. stoljeća ukratko. Glavni pravci likovne umjetnosti XX. stoljeća - SkillsUp - prikladan katalog lekcija o dizajnu, računalne grafike, lekcija Photoshopa, lekcija Photoshopa

Doba Petra I. od temeljne je važnosti za svu rusku umjetnost modernog doba.Rusija je u svim područjima, pa tako i u području kulturne izgradnje, morala stati u rang sa zapadnoeuropskim zemljama. Petar je shvaćao veliku važnost za Rusiju ovladavanja naprednim umjetničkim iskustvom Zapada. Otkupljivana su djela zapadnoeuropskih majstora, organizirana su putovanja umirovljenika o državnom trošku ruskih majstora na studij u Europi, strani su umjetnici pozivani da rade i obučavaju ruske majstore u Rusiji.

I. N. Nikitin. Portret vanjskog hetmana. 1720-ih godina Platno, ulje.

Uočavajući promjene u ruskoj umjetnosti, ne smijemo zaboraviti da su one utemeljene na velikom povijesnom naslijeđu, pripremljene prethodnim tijekom razvoja umjetničke kulture. U umjetnosti XVII stoljeća. javljaju se nove značajke, npr. gradnja palača, počinje se određivati ​​portretni žanr u slikarstvu, ali najpotpunije se otkrivaju početkom XVIII. Nacionalne tradicije također su presudno utjecale na prirodu rada mnogih stranih majstora koji su radili u Rusiji.

A. M. MATVEEV Automatski odgovor sa suprugom. Platno, ulje.

Bit Petrovih preobrazbi na polju kulture je njezina "sekularizacija". To znači da umjetnost postaje svjetovna, prestaje služiti interesima samo religioznog kulta. Preobražava se i sama kompozicija umjetnosti, pojavljuju se nove vrste umjetničke djelatnosti, žanrovi, a konačno i likovni jezik. Osnova slikarstva je promatranje, proučavanje oblika zemaljske prirode i čovjeka, a ne slijeđenje kanoniziranih obrazaca, kao u srednjem vijeku.

Među žanrovima slikarstva, počevši od vremena Petra Velikog pa kroz cijelo 18.st. glavni dio postaje portret. Djelo dvojice ruskih portretista - I. N. Nikitina i A. M. Matveeva označava rođenje samog psihološkog portreta.

V. L. Borovikovskog. Portret A. G. i V. G. Gagarina. 1802. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva

Građanska i palača petrovskog doba svijetlo je novo razdoblje u povijesti ruske arhitekture.

Podređena zadaćama praktičnog uređenja života, umjetnost se u Petrovo doba shvaćala kao visok stupanj umijeća – “umjetnosti” u bilo kojem poslu, bilo da se radi o slikarstvu, kiparstvu ili izradi modela broda ili satnih mehanizama. Spoj umjetnosti s tehnologijom, znanošću i obrtom određuje poseban umjetnički i inženjerski karakter kulture petrovskog doba. Ne samo državna, nego i najveća kulturna akcija Petra I. bilo je utemeljenje Petrograda – nove prijestolnice mladog Ruskog Carstva, koja postaje središte nove umjetnosti.

A. G. Venetsianov. U žetvi. Ljeto. 1820-ih Platno, ulje. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Umjetnost počinje služiti zadaćama ukrašavanja života i svakodnevice, poprima, uz monumentalni opseg, svečani, veličanstveni i dekorativni karakter. Te su se značajke najživlje i najsavršenije izrazile u djelu velikog arhitekta VV Rastrellija - graditelja Velike palače u Carskom selu i Zimske palače u Petrogradu - sjajnih primjera baroknog stila.

Druga polovica 18. stoljeća - vrijeme snažnog briljantnog procvata ruske umjetnosti modernog doba. Vrijeme naukovanja s Europom je prošlo. Osnovana 1757. godine, peterburška Akademija umjetnosti postaje kovačnica nacionalnog umjetničkog kadra. Ustrojio se sustav umjetničkog obrazovanja, usredotočili su se kontakti s europskim kulturnim svijetom. Početak djelovanja Umjetničke akademije koincidira s uspostavom klasicizma - stila koji se dekorativnoj kićenosti i ekstravaganciji baroka suprotstavlja strogom logikom, razumnom jasnoćom i proporcijom, koji se ponovno otkrivaju u klasičnim djelima antičke umjetnosti i renesanse. . U arhitekturi, ovo je vrijeme aktivnosti tako izvanrednih arhitekata kao što su V. I. Bazhenov - autor kuće Pashkov u Moskvi, M. F. koji je izgradio palaču Tauride u Sankt Peterburgu, C. Cameron - tvorac veličanstvene palače i krajolika vrtlarski ansambl u Pavlovsku kraj St. Uspon domaće skulpture u radu F. G. Gordejeva, I. P. Martosa, M. I. Kozlovskog, F. F. Ščedrina također je povezan s dobom klasicizma. Portretna skulptura F. I. Shubina odlikuje se iznimnom psihološkom pronicljivošću, hrabrošću i fleksibilnošću umjetničkih tehnika, stranih bilo kakvim konvencionalnim shemama. Dokaz zrelosti ruske umjetnosti, postignute u drugoj polovici 18. stoljeća, je raznolikost kreativnih pojedinaca, koja se ogleda, primjerice, u različitosti umjetničkog stila dvojice najvećih majstora slikovnog portreta - F. S. Rokotova. i D. G. Levitsky. Slikarstvo Levitskog puno je sjaja, opijenosti vidljivom ljepotom materijalnog svijeta, plijeni punoćom života, nevjerojatnom raznolikošću rekreiranih ljudskih tipova, bogatstvom emocionalnih intonacija - svečanosti, gracioznosti, lukavosti, ponosa, koketerije itd. Rokotov u najboljim portretima 1770-ih. javlja se kao majstor intimnih karakteristika, koje se očituju u nijansama i nijansama izraza lica, tajanstveno trepereći iz sumraka slikovitih pozadina. Rad V. L. Borovikovskog, koji je dovršio briljantan procvat portretne umjetnosti u 18. stoljeću, obilježen je utjecajem ideja i raspoloženja sentimentalizma.

F. S. Rokotov. Portret A. P. Strujske (detalj). 1772. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

S početkom 19.st u ruskoj umjetnosti dolazi do značajnih promjena. Početak stoljeća obilježen je rađanjem novog umjetničkog pravca - romantizma, čiji je prvi glasnogovornik O. A. Kiprenski. S. F. Ščedrinu rusko slikarstvo duguje otkriće plenerističkog pisanja u pejzažu. A. G. Venetsianov postaje utemeljitelj ruskog svakodnevnog žanra. Prvi put se okrećući slici seljačkog života, prikazao ga je kao svijet pun sklada, veličine i ljepote. Nasuprot suprotnosti između “jednostavne prirode” i “elegantne prirode” koja je postojala u akademskoj estetici, elegantno je otkriveno u području djelovanja koje se prije smatralo nedostojnim umjetnosti. U slikarstvu Venetsianova prvi su put zazvučali prodorni tekstovi ruske ruralne prirode. Izvrstan pedagog, odgojio je plejadu umjetnika, poput A. V. Tyranova, G. V. Soroka i drugih. Jedan od vodećih žanrova u njihovom radu, uz pejzaž i portret, je interijer. Obogaćen je žanrovski sastav ruske umjetnosti. Prikazujući život u njegovom jednostavnom, neobrednom ruhu, u mirnom tijeku svakodnevice, u slikama zavičajne prirode, oni su ljepotu u umjetnosti učinili primjerenom osjećajima običnih ljudi koji ljepotu i poeziju doživljavaju kao trenutke odmora i tišine, pobijedio od svakodnevnih briga i truda. Istodobno nastaje slikovni sustav koji je suprotstavljen akademskoj školi, sustav koji se ne temelji na tradicijskim obrascima prošlosti, nego na traganju za harmonijskim obrascima i poezijom u svakodnevnoj, svakodnevnoj stvarnosti. Stvarnost moćno napada umjetnost i vodi u 40-e. do procvata svakodnevne i satirične grafike (V. F. Timm, A. A. Agin), što je analogija “prirodnoj školi” u književnosti. Ovaj umjetnički pravac kulminira u djelu P. A. Fedotova, koji u svakodnevnu sliku unosi sukob, razvijenu dramsku radnju sa satiričnom socijalnom pozadinom, prisiljavajući vanjsku okolinu da služi ciljevima društvenih, moralnih, a kasnije i psiholoških obilježja likovi. Ponovno promišljanje tradicionalnih oblika akademske škole rađa tako monumentalne kreacije u povijesnom slikarstvu kao što su "Posljednji dan Pompeja" K. P. Bryullova, s jedne strane, i "Prikaz Krista narodu" A. A. Ivanova, na drugoj. Ivanov je slikarstvo obogatio dubinskim psihološkim razvojem, otkrićem nove, etidne metode rada na velikom platnu. Mudro usvajanje klasičnog nasljeđa, provjera njegovih zapovijedi vlastitim iskustvom slikanja na otvorenom, razmjeri stvaralačkih koncepcija, odnos prema stvaralačkom daru kao velikoj odgovornosti za odgoj naroda i unapređenje njegove duhovne kulture – sve je to učinilo Ivanovljev rad ne samo školom vještine, nego i velikom lekcijom humanizma u umjetnosti.

O. A. Kiprenskog. Portret dječaka A. A. Chelishcheva. U REDU. 1809. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Prva trećina 19. stoljeća - najviša faza u razvoju klasicizma u ruskoj arhitekturi, koja se obično naziva Empire. Arhitektonsko stvaralaštvo ovog razdoblja nije toliko savršeno oblikovanje pojedinačnih zgrada koliko umijeće arhitektonske organizacije velikih prostora ulica i trgova. Takvi su urbanistički ansambli Sankt Peterburga - Admiralitet (arhitekt A. D. Zakharov), Burza na ražnju Vasiljevskog otoka (arhitekt J. Thomas de Thomon), Kazanska katedrala (arhitekt A. N. Voronikhin). Ansambli K. I. Rossija, autora Zgrade Glavnog stožera, koja je upotpunila kompoziciju Dvorskog trga, i kompleksa zgrada, ulica i trgova oko Aleksandrinskog kazališta u Sankt Peterburgu, koji je projektirao, obilježeni su grandioznim dometom. urbanističkog planiranja.

V. A. Tropinin. Portret sina Arsenija Tropinina. 1818. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Od početka 1860-ih, od ukidanja kmetstva, ruska umjetnost dobiva oštri kritički fokus i time govori o potrebi temeljnih društvenih preobrazbi. Umjetnost je to izjavila, prikazujući zlo društvene nepravde, razotkrivajući poroke i čireve društva (većina djela V. G. Perova 1860-ih). Stagnaciju suvremenog života suprotstavila je preobrazbenoj snazi ​​kritičnih povijesnih epoha (slike V.I. Surikova iz 1880-ih).

S. F. Ščedrina. Noć obasjana mjesečinom u Napulju. 1828-1829 (prikaz, stručni). Platno, ulje. Državni ruski muzej.

Spoj istinitosti likova i okolnosti s istinitim prikazom života u oblicima u kojima se on opaža u običnom, svakodnevnom iskustvu, obilježje je kritičkog, odnosno demokratskog realizma, u skladu s kojim se razvijala progresivna ruska umjetnost. od ranih 1860-ih. Hranjivi medij i glavna publika ove nove umjetnosti bila je raznočinska inteligencija. Procvat demokratskog realizma u drugoj polovici XIX. povezan s djelovanjem Društva putujućih umjetničkih izložbi utemeljenog 1870. (v. Lutalice). Idejni vođa i organizator Lutalica bio je I. N. Kramskoj, jedan od najdubljih umjetnika, talentirani teoretičar, kritičar i učitelj. Pod njegovim rukovodećim utjecajem TPES je pridonio konsolidaciji naprednih umjetničkih snaga, širenju i demokratizaciji publike zahvaljujući dostupnosti umjetničkog jezika, cjelovitom pokrivanju pojava narodnog života, sposobnosti da umjetnost učini društveno osjetljivom, sposobnom postavljanja tema i pitanja koja se tiču ​​društva u određenom povijesnom trenutku.

A. I. Kuindžija. Večer u Ukrajini. 1878. Ulje na platnu. Državni ruski muzej. Lenjingrad.

1860-ih godina dominira žanrovsko slikarstvo, 70-ih godina uloga portreta (V. G. Perov, I. N. Kramskoj, N. A. Jarošenko) i pejzaža (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I (I. Šiškin, A. I. Kuindži, V. D. Polenov). Veliku ulogu u promicanju umjetnosti lutalica imao je istaknuti likovni kritičar i povjesničar umjetnosti V. V. Stasov. Istodobno se razvija sakupljačka djelatnost P. M. Tretjakova. Njegova galerija (vidi Tretjakovsku galeriju) postaje uporište nove, realističke škole, profil njegove zbirke određen je djelima lutalica.

Sljedeće razdoblje ruske umjetnosti je kraj 19. - početak 20. stoljeća. Osamdesete su bile prijelazno desetljeće, kada je lutajući realizam dosegao svoj vrhunac u djelima I. E. Repina i V. I. Surikova. Tijekom tih godina nastala su remek-djela ruskog slikarstva kao što su “Jutro streljačkog smaknuća”, “Bojarica Morozova” V. I. Surikova, “Vjerska procesija u Kurskoj guberniji”, “Uhićenje propagande”, “Nisu čekali” od I. E. Repina. Uz njih su umjetnici nove generacije s drugačijim stvaralačkim programom - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Proturječja kasnoburžoaskog kapitalističkog razvoja utječu na duhovni život društva. U svijesti umjetnika stvarni je svijet obilježen stigmom buržoaske pohlepe i sitničavosti interesa. Sklad i ljepotu počinju tražiti izvan naizgled prozaične stvarnosti – u carstvu umjetničke fantazije. Na toj osnovi oživljava interes za bajkovite, alegorijske i mitološke zaplete (V. M. Vasnjecov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubelj), što dovodi do potrage za takvom umjetničkom formom koja je sposobna prevesti gledateljevu maštu u sferu folklornih prikaza, sjećanja na prošlost ili nejasne slutnje budućnosti. Prevlast slika i oblika koji neizravno izražavaju sadržaj moderne nad oblicima njezine neposredne refleksije jedno je od obilježja umjetnosti kraja 19. i početka 20. stoljeća. Složenost umjetničkog jezika karakterizira rad predstavnika "Svijeta umjetnosti" - umjetničke skupine koja se oblikovala na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće.

V. M. Vasnecov. Aljonuška. 1881. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

U ovom razdoblju odlučujući postaje secesijski stil. Uz slikarstvo, aktivno se razvija arhitektura, u kojoj dominiraju secesijski stil, umjetnost i obrt, knjižna grafika, kiparstvo, te kazališna i dekorativna umjetnost. Područja primjene likovnog stvaralaštva enormno se šire, ali je interakcija i međusobni utjecaj svih ovih područja sve značajniji. U tim se uvjetima formira tip univerzalnog umjetnika koji može "sve" - ​​naslikati sliku i ukrasni pano, izvesti vinjetu za knjigu i monumentalnu sliku, isklesati skulpturu i izraditi skicu kazališnog kostima. U različitim stupnjevima značajke takvog univerzalizma obilježene su, na primjer, radom M. A. Vrubela i vodećeg arhitekta secesije u Rusiji F. O. Shekhtela, kao i umjetnika svijeta umjetnosti.

Najvažnije prekretnice u evoluciji ruskog slikarstva na prijelazu stoljeća obilježene su djelima V. A. Serova, čije je stvaralaštvo prožeto željom da se, koristeći se novim stilskim oblicima, izbjegnu formalističke krajnosti, postigne klasična jasnoća i jednostavnost, ostajući pritom vjeran zapovijedima realističke škole, njezinu humanizmu, u kojemu se trezveno-kritički pogled na svijet spaja s idejom o visokoj svrsi čovjeka.

A. K. Savrasov. Topovi su stigli. 1871. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Umjetnički život na početku 20. stoljeća. je neviđenog intenziteta. Revolucionarni događaji 1905-1907 potaknuo razvoj društveno aktivne umjetnosti. Djela N. A. Kasatkina, S. V. Ivanova i drugih utjelovila su najvažnije društvene i društvene događaje ovih godina, sliku radnika kao glavne snage revolucije. Mnogi majstori rade na području satirične političke grafike i časopisnih karikatura.

Raspon umjetničkih tradicija na koje se umjetnost 20. stoljeća poziva neobično je širok. Uz nastavak života lutalica, postoji varijanta impresionističkog slikarstva među majstorima Saveza ruskih umjetnika, simbolizam, predstavljen radom V. E. Borisova-Musatova i umjetnika udruge Plava ruža.

K. A. Korovin. Zimi. 1894. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Želja za aktualizacijom umjetničkog jezika pozivajući se na stil gradskog rukotvorstva i narodne umjetnosti, igračke, popularne grafike, znakove, dječje crteže, uzimajući u obzir iskustvo najnovijeg francuskog slikarstva, karakterizira djelovanje umjetnika " Jack of Diamonds" - društvo organizirano 1910. U radu majstora ovog smjera - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - uloga mrtve prirode značajno raste. Tradicije drevnog ruskog slikarstva dobivaju novi prelom u umjetnosti K. S. Petrov-Vodkina.

F. A. Vasiljev. Prije kiše 1869. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Doseže značajan uspon na prijelazu iz XIX u XX stoljeće. skulptura. P. P. Trubetskoy u njega unosi impresionistička obilježja. Njegove portretne kompozicije odlikuju se oštrinom uhvaćenog trenutka života, bogatstvom suptilnih nijansi. Radeći u mekim materijalima, Trubetskoy je skulpturi vratio izgubljeni osjećaj za materijal, razumijevanje njegovih izražajnih svojstava. Spomenik Aleksandru III, koji je izradio Trubetskoy 1909., jedinstven je primjer grotesknog rješenja slike u povijesti spomenika. Spomenik N. V. Gogolju, koji je izradio N. A. Andreev (1909), pripada izuzetnim dostignućima monumentalne skulpture.

U skulpturi iz 1912. "Sjedeći čovjek" A. S. Golubkina pojavljuje se slika koja sintetizira ideje o sudbini modernog proletera - ovo je simbol privremeno okovanog, ali pun buntovnog duha snage. Kreativnost S. T. Konenkova odlikuje se raznolikošću žanrovskih i stilskih oblika. Stvarne dojmove revolucionarnih bitaka kipar je utjelovio u portretu "Radnik-borac 1905. Ivan Čurkin". Ne samo crte lica, već i čvrstoća kamenog bloka, naglašena škrtošću obrade, rađaju sliku neuništive volje, prekaljene u vatri klasnih borbi. U djelu A. T. Matvejeva oživljavaju se tradicije klasičnog kiparstva.

S. A. Korovin. Na svijetu. 1893. Ulje na platnu. Državna Tretjakovska galerija. Moskva.

Želja za promišljanjem i uskrsnućem u novi život gotovo svih slika i oblika koje je čovječanstvo izmislilo tijekom stoljeća povijesti, a istovremeno i formalni eksperimenti, koji ponekad dosežu poricanje svih tradicija - to su ekstremne manifestacije umjetničke situacije u ruskoj umjetnosti ranog 20. stoljeća. Međutim, same te krajnosti bile su pokazatelj dubokog unutarnjeg sukoba u ruskom životu uoči revolucije i na svoj su način odražavale složenost vremena koje je, prema A. Bloku, donijelo "nečuvene promjene, neviđene pobune". ." U tim se uvjetima odgajala ona osjetljivost na pojave vremena koju su, zajedno s visokom kulturom zanatstva, u sovjetsku umjetnost donijeli najbolji umjetnici predrevolucionarnog razdoblja (vidi.

Početak 20. stoljeća bila prekretnica za slikarstvo koje je munjevitom brzinom, ne samo sustižući, nego i umnogome ispred glavnih europskih umjetničkih škola, izvršilo prijelaz od starih načela analitičkog realizma do najnovijih sustava umjetničkog mišljenja. Započeo modernizam dekadencija (fr. dekadencija (od lat. dekadencija) - propadanje, propadanje) i simbolizam. Kultura modernizam (od fr. moderne - najnoviji, moderni), filozofsko-estetički pokret u književnosti i umjetnosti 20. stoljeća, odražavao je krizu prijašnjeg tipa svjetonazora, krizu estetike, koja je u usporedbi s najnovijom postala poznata kao klasična. U likovnim se umjetnostima secesija očituje kao simbolizam slika, sklonost alegorijama (u slikarstvu), fluidnost oblika, dinamične kompozicije i posebna izražajnost siluete (u kiparstvu).

U Rusiji je simbolistički trend bio živopisan i raznolik ne samo od umjetnika, već i od pjesnika, čisto ruski trend pojavio se u poeziji simbolizma - akmeizam. Po analogiji s Puškinovim "zlatnim dobom", ovo razdoblje procvata ruske poezije i umjetnosti nazvano je "srebrnim vijekom".

Predstavnici ovog smjera u umjetnosti svoju su pozornost usmjerili na umjetnički izraz "stvari po sebi" i ideja kroz likovi, štoviše, te stvari i ideje bile su zamišljene kao nešto izvan granica ljudskog osjetilnog opažanja. Pomoću simbola nastojali su probiti vidljivu stvarnost do "skrivenih stvarnosti", nadvremenske idealne biti svijeta, njegove "neprolazne ljepote". Svojom umjetnošću izrazili su čežnju za duhovnom slobodom, tragični predosjećaj svjetskih društveno-povijesnih pomaka, nepovjerenje prema vjekovnim kulturnim i duhovnim vrijednostima kao ujedinjujućem principu svih ljudi na Zemlji.

Važna uloga kulturnog središta početkom XX. stoljeća. igra kreativno udruženje simbolističkih pjesnika i umjetnika "Svijet umjetnosti" (1898.-1924.), koju je u St. Petersburgu stvorio A.N. Benois i SP. Djagiljev. Djelovanje ove udruge pod sloganom "umjetnost za umjetnost" dalo je poticaj daljnjem razvoju likovne publicistike, izložbene djelatnosti, štafelajnog slikarstva, dekorativne i primijenjene umjetnosti te likovne kritike. Slike i crteže "Svijeta umjetnosti" odlikuju istančana dekorativnost, stilizacija i elegantna ornamentika. Zasluga "Svijeta umjetnosti" bila je i stvaranje novih knjižnih grafika, grafika, kazališnih kulisa. Namjerno objektivno, praktično slikarstvo Lutalica, gdje je svaka gesta, korak, okret socijalno usmjeren, usmjeren protiv nečega iu obranu nečega, zamjenjuje se nepredmetnim slikanjem svijeta umjetnosti, usmjerenim na rješavanje unutarnjeg slikovnog. , a ne vanjskih društvenih problema.

Članovi udruge bili su rado viđeni sudionici vodećih europskih izložbi. U izložbenim aktivnostima udruge "Svijet umjetnosti" aktivno su sudjelovali istaknuti umjetnici 20. stoljeća: A.P. Ostroumova-Lebedeva, M.V. Dobuzhinsky, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov, I.Ya. Bilibin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, Z.E. Serebryakova, St. Čehonjin, D.I. Mitrohin i drugi. Filozofi surađivali s uredništvom časopisa "Svijet umjetnosti" D.M. Merezhkovsky, V.V. Rozanov, L.I. Šestov. Mnogi poznati pjesnici s početka 20. stoljeća bili su u prijateljskim i poslovnim odnosima sa Svijetom umjetnosti. - A.A. Blok, Andrey Bely (B.N. Bugaev), M.A. Kuzmin, F.K. Sologub, V.Ya. Brjusov, K.D. Balmont. Održavani su kontakti s kazališnim djelatnicima, skladateljima, koreografima K.S. Stanislavsky, M.F. Stravinski, M.M. Fokin, V.F. Nižinski.

Orijentacija na tradiciju nacionalne umjetničke kulture 18. - početka 19. stoljeća. trebao je, prema Svijetu umjetnosti, pridonijeti oživljavanju ruske umjetnosti. Umjetnici udruge bili su skloni njemačkoj romantičnoj književnosti, modernističkom slikarstvu Britanaca i impresionizmu Francuza.

Inspirator i organizator "Svijeta umjetnosti", umjetnik, povjesničar umjetnosti i kritičar A.N. Benoit (1870-1960) stvorio je stil romantičnog historicizma, prenoseći duh prošlih razdoblja u ilustracijama časopisa i knjiga. Benois je u svojim radovima o kritici umjetnosti prvi potkrijepio izvorne značajke ruske nacionalne umjetničke tradicije na pozadini drugih europskih škola. Monumentalan doprinos svjetskoj povijesti umjetnosti bila su njegova četiri sveska "Povijest slikarstva svih vremena i naroda" (1917.). Znanstvenik i umjetnik, aktivno se borio protiv neukusa i barbarskog odnosa prema spomenicima povijesti i umjetnosti, suprotstavio se ruskoj avangardi, sudjelovao u muzejskom radu (1918. vodio je umjetničku galeriju Ermitaž). Godine 1926., razočaran revolucijom, Benois se nastanio u Parizu.

Jedan od najsjajnijih predstavnika "Svijeta umjetnosti" L.S. Bakst (1866-1924) proslavio se kao dekorater slavnih "Ruske sezone" u Parizu. U svojim je djelima stilizirao antičke i orijentalne motive stvarajući sofisticirani i dekorativni fantastični spektakl. Bakstovoj ruci pripadalo je oblikovanje "antičkih" predstava u Aleksandrijskom kazalištu. Godine 1909.-1914. Bakst je osmislio dvanaest predstava "Ruski baleti" SP. Djagiljev.

Nakon 1915. Moskva je postala prijestolnica inovativne umjetnosti. Od 1916. do 1921. godine ovdje se formiraju avangardne tendencije u slikarstvu. Snaga Udruge "Jack of Diamonds" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin, P.P. Falk, A.V. Lentulov, N.A. Udaltsova i drugi) i krug "Supremus" (K.V. Malevich, O.V. Rozanova, I.V. Klyun, L.S. Popova). U Moskvi i Sankt Peterburgu tu i tamo se pojavljuju novi pravci, krugovi i društva, pojavljuju se nova imena, koncepti i pristupi. Revolucija 1917. natjerala je slikare da svoje inovativne eksperimente iz zatvorenog prostora radionica prenesu na otvorene prostore gradskih ulica. Otvorena su umjetnička sveučilišta, u Moskvi su stvoreni Institut umjetničke kulture (Inkhuk) i Više umjetničke i tehničke radionice (Vkhutemas).

Na prijelazu iz XIX-XX stoljeća. Ruska umjetnost, koju su do tada poučavali studenti, stapa se s općom strujom zapadnoeuropskih umjetničkih traganja. Izložbene dvorane u Rusiji otvaraju svoja vrata novim kreacijama europske umjetnosti: impresionizam, simbolizam, fovizam, kubizam. Početkom XX. stoljeća. U Moskvi se otvaraju goleme galerije i privatne zbirke suvremene umjetnosti. Sada, da bi se upoznao s radom Picassa i Matissea, mora se otići u Rusiju, a ne samo u London, Pariz ili Madrid.

Rusi se još razvijaju francuski fovizam, a ovdje je njemački ekspresionizam, u kojima je ruska komponenta (V.V. Kandinski, A.G. Javlenski, M.V. Verevkina – jezgra minhenske grupe Plavi jahač) imala vodeću ulogu, ništa ih ne može iznenaditi. Postupno su dva europska umjetnička trenda počela postavljati modu u Rusiji - francuski kubizam i Talijanski futurizam. No kubizam je kod nas dobio specifičan "apstraktni" prizvuk.

Konkretno, dosljedan kubo-futurist bio je jedan od osnivača udruge "Jack of Diamonds" A.B. Lentulov (1882-1943). Umjetnik je razvio originalan tip futurističkog panela koji tumači svijet kao kaleidoskop dinamičnih boja i oblika ("Pobjednička bitka", 1914.). Njegove očaravajuće svečane, kao da se raspadaju ili, naprotiv, izranjaju iz šarenih elemenata, slike drevne moskovske crkvene arhitekture ("Vasilije Blaženi", 1913.; "Zvonjenje" ("Zvonik Ivana Velikog"), 1915. itd. .) stvaraju dojam - optimističnog zvuka.

Podjednako entuzijastično primljen je u Rusiji talijanski futurizam, koji je s prijezirom odbijen u Parizu i Münchenu. Pokret koji je u Rusiji dobio naziv "futurizam" (od lat. futurum - budućnost), bila je bogatija i raznovrsnija od onoga što je predstavljao talijanski futurizam. Neopterećeni tradicijama kubizma i futurizma, poput Francuske i Italije, Rusi su nesputano eksperimentirali, postižući sintezu kakvu si ni Parižani nisu mogli priuštiti. Ruska sinteza bila je prvenstveno konceptualna. Bio je to rezultat stvaralaštva brojnih skupina umjetnika ujedinjenih u petrogradsku udrugu "Unija mladih".

Polarizacija umjetničkih snaga početkom 20. stoljeća, kontroverza mnogih umjetničkih skupina intenzivirali su izlagačku i izdavačku (u području umjetnosti) djelatnost.

Prvi eksperimenti ruskih umjetnika u apstraktnoj umjetnosti datiraju iz 90-ih. XIX stoljeća, čiji je jedan od prvih manifesta bila knjiga M.F. Larionova "lučizam" (1913), a pravi teoretičari i praktičari bili su V.V. Kandinski (1866-1944) i K.S. Maljeviča (1878-1935). Istovremeno, rad K.S. Petrov-Vodkin, koji je proglasio sukcesivnu vezu s drevnim ruskim ikonopisom, svjedoči o vitalnosti tradicije ("Kupanje crvenog konja", 1912.).

Izuzetno važno mjesto u razvoju apstraktnog slikarstva pripada briljantnom ruskom umjetniku, pjesniku i teoretičaru umjetnosti V.V. Kandinski (1866-1944). Kandinski je potjecao iz bogate obitelji nerčinskih trgovaca, potomaka kažnjenika. Kao što je to bio običaj među krupnom moskovskom buržoazijom, Kandinski je studirao pravo i ekonomiju na Moskovskom sveučilištu, ali mu se pravna karijera nije sviđala. Godine 1889. odlazi na etnografsku ekspediciju u Vologodsku guberniju, gdje se upoznaje sa staroruskim ikonopisom i narodnom umjetnošću. Drugi važan događaj u njegovom umjetničkom razvoju bila je slika "Stog sijena" Claudea Moneta, gledajući koju je Kandinski, student tih godina Pravni fakultet Moskovsko sveučilište smatra da "nema predmeta na ovoj slici." Od tog trenutka tema je za Kandinskog izgubila nekadašnji značaj. Postupno je slikarstvo istisnulo jurisprudenciju: 1896. dao je ostavku na mjesto profesora na Sveučilištu Derpt (Tartu).

Početkom 1900-ih Kandinski je mnogo putovao Europom i Sjevernom Afrikom, ali je za stalno prebivalište izabrao München (1902.-1908.). Godine 1910. stvorio je prvo apstraktno djelo - kaotičan raspored šarenih mrlja i linija koje ništa ne prikazuju i ne označavaju, te je napisao raspravu pod naslovom "O duhovnom u umjetnosti". Od tog trenutka počinje se razvijati novi pravac u umjetnosti 20. stoljeća, tzv sažetak. Kandinski je vjerovao da nastaje nova era u razvoju čovječanstva, nastaje rasa ljudi budućnosti. Za njih će svijet unutarnjeg i duhovnog biti vrijedan. Godine 1911., zajedno s Franzom Marcom Kandinskim, stvorio je slavnu udrugu Plavi jahač. Umjetnici organiziraju izložbe, organiziraju izdavanje zbornika. Razdoblje od 1909. do 1914. bilo je najintenzivnije: Kandinski je naslikao dvjestotinjak slika, koje su grupirane u tri ciklusa: "improvizacije", "kompozicije", "impresije", često s rednim brojevima i podnaslovima.

Izbijanjem rata 1914. Kandinski, ruski podanik, bio je prisiljen napustiti Njemačku. Vrativši se u Moskvu, aktivno se uključuje u umjetnički život: sudjeluje u stvaranju Muzeja slikarske kulture (ukupno je sudjelovao u stvaranju 22 pokrajinska muzeja), predaje na sveučilištu i Vkhutemasu. Godine 1920. Kandinski je bio pokretač Inkhuka.

Jedna od središnjih figura ruske avangarde bila je V.E. Tatlin (1885-1953), koji se smatra utemeljiteljem konstruktivizam, pokreta, koji je do 1921. službeno priznat od vlasti kao vodeći pravac revolucionarne umjetnosti. Živio je zanimljiv život pun događaja. Krajem 1900-ih - početkom 1910-ih. umjetnica se zbližila s domaćim avangardnim umjetnicima, prvenstveno s M.F. Larionov i N.S. Gončarova, pjesnici Velimir Khlebnikov, A.E. Kruchenykh, među kojima se brzo preselio na jedno od prvih mjesta. Nakon Oktobarske revolucije Tatlin je bio energično uključen u društveni i umjetnički život: 1917. bio je predsjednik "mlade frakcije" u profesionalnom sindikatu slikara, od 1918. - predsjednik Moskovske umjetničke škole Narodnog komesarijata za obrazovanje, inicijator stvaranja nove vrste muzeja ("muzeji umjetničke kulture"), predsjednik Udruge lijevih umjetničkih pokreta (1921.-1925.), voditelj Odsjeka za materijalnu kulturu Ginhuka (1923.-1925.) u Petrogradu.

Bit konstruktivizma bila je ideja praktične, utilitarne uporabe apstraktne umjetnosti. Tatlin i konstruktivisti postali su poznati po jednoj od najgrandioznijih građevina s početka 20. stoljeća. - spomenik III Komunističkoj internacionali (1919.-1920.). Spiralni toranj visok 400 metara sadržavao je kocku, piramidu i cilindar, namijenjen za smještaj kongresnih dvorana, raznih institucija i radio postaje koja je trebala razglasom distribuirati informativne poruke. "Tatlinov toranj", jedan i pol puta viši od Eiffelovog tornja, zamišljen je kao administrativno i agitacijsko-propagandno središte Kominterne - organizacije koja je pripremala čovječanstvo za svjetsku revoluciju. Konstrukcija od metalnih greda i četiri prozirna volumena koji se okreću različitim brzinama trebala je primiti izvršne, zakonodavne i propagandne institucije Kominterne. Korištenje tehnološki novih materijala i apstraktnih oblika, potpuno lišenih bilo kakvog prizvuka tradicije, jasno je odražavalo duh revolucije. Sam Tatlin smatrao je svoju kreaciju najvišom točkom sinteze različitih umjetnosti.

Još jedna izuzetna figura konstruktivizma bila je El Lissitzky (pseudonim L.M. Lissitzky) (1890.-1941.), poznat kao talentirani ruski grafičar, ilustrator, tipograf, arhitekt, fotograf, teoretičar i arhitektonski kritičar, jedan od tvoraca nove umjetničke forme - dizajna. Najzanimljivije razdoblje njegova stvaralaštva vezano je uz Vitebsk, koji je 1919.-1921. bila gotovo umjetnička meka cijele Rusije. Dovoljno je reći da su Marc Chagall, koji je vodio Narodnu umjetničku školu, Kazimir Malevich, koji je osnovao grupu UNOVIS, i El Lissitzky, koji je vodio Chagallovu radionicu i zajedno s Malevichem osmislio proslavu obljetnice Vitebskog odbora za borbu protiv nezaposlenosti. (1919), ovdje živio i radio. U Vitebsku, Lissitzky je izumio i razvio vlastitu verziju trodimenzionalnih suprematističkih kompozicija, koje je nazvao "prouni" (projekti za suglasnost na nov). Prounovi su, prema autoru, sintetizirali metode suprematizma i konstruktivizma, posluživši kao "transferna stanica iz slikarstva u arhitekturu". Igrali su ulogu dizajnerske pozornice za stvaranje dizajnerskih razvoja: poznati projekti "horizontalnih nebodera", kazališne makete, dekorativne i prostorne instalacije, projekti paviljona i izložbenih interijera, nova načela fotografije i fotomontaže, plakat, knjiga, a dizajn namještaja naknadno je izrastao iz proun.

Lissitzky je sudjelovao u paneuropskom pokretu konstruktivizma, ostvarivši svoje stavove o komunikacijskoj ulozi dizajna kao međunarodnog jezika, razumljivog izvan oblika verbalne komunikacije.

Konstruktivizam se pokazao iznimno plodnim ne toliko u temeljnoj koliko u primijenjenoj sferi umjetnosti. Od njega potječu dva kulturna pothvata 20. stoljeća. - oblikovati i proizvodna umjetnost, koji se smatra granom ili smjerom dizajna. Prvi je dobio svjetsko priznanje, drugi je ostao na razini "domaće izrade".

Jedna od ključnih figura umjetnosti XX. stoljeća. je briljantan ruski slikar, grafičar, ilustrator knjiga, teoretičar umjetnosti P.N. Filonov (1881. -1941.), tvorac samostalnog pravca ruske avangarde - tzv. analitička umjetnost. Ulazak u Savez mladih 1910. i zbližavanje s članovima grupe Gilea (V.V. Khlebnikov, V.V. Majakovski, V.V. Kamenski, A.E. Kruchenykh, braća Burliuk i dr.) utječu na formiranje Filonova, koji ubrzo postaje jedan od najistaknutijih slikari ruske avangarde. Godine 1916.-1918. borio se na fronti, a 1920. god. stvorio niz radova posvećenih građanskom ratu, revoluciji, petrogradskom proletarijatu, postao organizator Ginkhuka u Petrogradu.

Filonov je sebe nazivao umjetnikom-istraživačem, shvaćajući proces stvaranja slike kao proces istraživanja svakog mikroelementa njezine strukture. Osnovom svoje analitičke metode proglasio je "načelo gotovosti": mukotrpna razrada svakog kvadratnog milimetra slikovne površine bila je uvjet za stvaranje čak i velike slike. Velika platna slikana su malim kistom. Svaki potez značio je "jedinicu akcije", koja je zahtijevala krajnji kreativni napor. Metoda Filonov pretpostavljala je da gledatelj treba prihvatiti ne samo ono što umjetnik vidi u svijetu, već i ono što o njemu zna. Filonov je tvrdio da umjetnička slika treba izražavati, osim oblika i boje, Cijeli svijet vidljive i nevidljive pojave, poznata i tajna svojstva koja imaju bezbroj predikata. Djela Filonova ("Formula svjetskog blagostanja", 1916.; "Formula prostora", 1919.; "Zapad i istok", 1913. i dr.) njegova sestra poklonila je Državnom ruskom muzeju.

Jedan od najvećih predstavnika nadrealizma bio je M.Z. Chagall (1887-1985). Rođen je u Vitebsku, ali je 1922. emigrirao u inozemstvo. U predrevolucionarno vrijeme Vitebska i Petrograda nastaju epske slike iz ciklusa Ljubavnici, žanrovske, portretne i pejzažne kompozicije. U 1920-1930-im godinama. Chagall je proputovao mnoge zemlje svijeta, sprijateljio se s P. Picassom, A. Matisseom, J. Rouaultom, P. Bonnardom, P. Eluardom i dr. Francuska mu je postala drugi dom.

Do kraja svojih dana Chagall je sebe nazivao "ruskim umjetnikom", naglašavajući svoju obiteljsku povezanost s ruskom tradicijom, koja je uključivala ikonopis, Vrubelov rad i radove bezimenih znakova, te slikarstvo ekstremne ljevice. Radnja na neobičnim Chagallovim platnima odvijala se po posebnim zakonitostima, u kojima su se stapali prošlost i budućnost, fantazmagorija i svakodnevica, mistika i stvarnost. Vizionarska (sanjarska) bit djela, zajedno s figurativnim početkom, s dubokom "ljudskom dimenzijom", učinila je Chagalla pretečom takvih trendova kao što su ekspresionizam i nadrealizam. Svakodnevnu stvarnost na njegovim platnima posvetili su i produhovili vječno živi mitovi, velike teme ciklusa života - rođenja, vjenčanja, smrti.

U postrevolucionarnom razdoblju u Rusiji je došlo do podjele na tzv. lijeve i desne umjetnike. To se objašnjava činjenicom da je pobjedom Oktobarske revolucije sovjetska vlast odmah počela provoditi novu kulturnu politiku. To je značilo stvaranje tipa kulture bez presedana u povijesti – proleterske – utemeljene na najrevolucionarnijoj i najnaprednijoj, kako se tada vjerovalo, ideologiji marksizma, odgajanje novog tipa osobe, širenje univerzalne pismenosti i prosvjetiteljstvo, stvaranje monumentalnih umjetničkih djela koja veličaju radni podvig običnih ljudi i dr. Kako se mislilo, proleterska kultura je trebala zamijeniti plemićku i buržoasku kulturu. Avangardni umjetnici (Kandinski, Malevič, Chagall, Tatlin i dr.), koji su još u predrevolucionarno doba deklarirali nova načela u umjetnosti, s oduševljenjem su prihvatili preobrazbe i počeli svoj rad nazivati ​​"ljevičarskom umjetnošću". Međutim, s vremenom su oni i drugi umjetnici, uključujući tako svijetle umjetnike poput M.F. Larionov, N.S. Goncharova, M.V. Dobuzhinsky, V.M. Kustodiev, Z.E. Serebryakova, razočarana sovjetskim režimom, napustila je Rusiju. Iseljavanjem kreativne inteligencije završilo je "srebrno doba" ruske umjetnosti i ruske književnosti.

Drugi tabor, koji se može nazvati "desnim", bila je zajednica politički angažiranih umjetnika koji su stajali na čvrstim načelima socrealizma. „Desni“ tabor bio je heterogen i u njemu se mogu uočiti najmanje dva pravca. Prvi smjer uskrsnuo je tradiciju lutalica iz 19. stoljeća. i bio je okupljen oko "Udruge umjetnika revolucionarne Rusije" (AHRR) stvorene 1922., čiji su članovi (I.I. Brodski, A.M. Gerasimov, M.B. Grekov, B.V. Ioganson, E.A. Katsman, G.G. Ryazhsky) svoju zadaću vidjeli u prikazivanju u umjetnički oblik trijumfalna povorka kroz zemlju sovjetske vlasti. Teme postaju svakodnevni veseli život seljaka i radnika, podvizi vojnika Crvene armije, briga partije i vlasti za obične ljude. "herojski realizam". Jedan od najvećih umjetnika AHRR-a I.I. Brodski (1883.-1939.) stvara galeriju Lenjinovih portreta i ciklus povijesnih i revolucionarnih slika, uključujući poznatu sliku "Pogubljenje 26 bakuskih komesara" (1925.). Ostali Ahrrovci specijalizirali su se za herojske portrete: A.M. Gerasimov ("Lenjin na podiju", 1930), SV. Maljutin (portret Furmanova, 1922.), H.A. Andreev (portret Staljina, 1922), B.V. Jogaison ("Ispitivanje komunista", 1933.). Skupne slike heroja revolucije stvaraju M.B. Grekov ("Tačanka", 1925), K.S. Petrov-Vodkin ("Smrt komesara", 1928), A.A. Deineka ("Obrana Petrograda", 1928.). Drugi pravac socijalističkog realizma povezan je s veličanjem ljepote domovine. Na primjer, K.F. Yuon je stvorio vesele plenerske krajolike, I.I. Mashkov, u prošlosti jedan od tvoraca "Jack of Diamonds", slika ekspresivne šarene pejzaže i mrtve prirode, A.E. Arkhipov se specijalizirao za lirske krajolike i slike veselih seljanki.

Radovi 1930-ih posvećen veličanju ili sretnog sela nakon kolektivizacije (SV. Gerasimov "Praznik kolektivne farme", 1937.) i hrabrosti i snage vojske (S.A. Čujkov "Na granici", 1938.), ili partijskih vođa, među kojima je Staljin zauzima vodeće mjesto.

AHRR je, uz podršku vlasti, vodio nemilosrdnu borbu protiv brojnih avangardnih pokreta, a mnogi su umjetnici na kraju morali otići u ilegalu, emigrirati i suditi. Nakon filozofa i stranačkih dužnosnika u ideološki obračun počeli su se uvlačiti i kulturnjaci. Tako udruga NOZH (Novo društvo slikara), na čelu s G. G. Ryazhskyjem, proglašava stvaranje novog slikarstva utemeljenog na tradiciji. Društvo umjetnika "Genesis" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin i dr.) naglašava materijalističku viziju svijeta i važnost zapleta.

Eliminacija avangardnih trendova s ​​umjetničke scene završila je 23. travnja 1932., kada je Centralni komitet Svesavezne komunističke partije boljševika izdao dekret "O preustroju književnih i umjetničkih organizacija", koji je doveo do stvaranja jedinstvenih kreativnih sindikata. Od sada službena uporaba pojma "socijalistički realizam" i teorijska formulacija njegovih odredbi, koju je razvio M. Gorky, otvaraju novo razdoblje: umjetnici ne bi trebali služiti idejama "čiste umjetnosti", već idealima komunističke partije i pridonose izgradnji socijalizma.

Pogoršanje umjetničke atmosfere u zemlji počelo se osjećati odmah nakon Lenjinove smrti 1924., tijekom tih godina pojačana je partijska kontrola, novine Pravda posvetile su svoje stranice govorima protiv "apstraktnih izmišljotina inspiriranih sitnom buržoazijom". Centralni komitet Boljševičke partije poziva umjetnike da stvaraju realističnu umjetnost revolucionarne propagande pristupačnu masama.

Rad K. Malevicha oštro je kritiziran, a sam umjetnik više puta uhićen. Kao rezultat toga, nakon teške bolesti, izvanredni inovator 20. stoljeća. umire. U istim 1920-ima. P. Filonov i skupina njegovih učenika "Majstori analitičke umjetnosti" (MAI) bili su podvrgnuti ideološkom progonu. Do 1924. Muzej slikarske kulture Inkhuk prestao je postojati. Udarci na sovjetski avangardizam slijede jedan za drugim. V. Kandinski i El Lissitzky bili su prisiljeni napustiti Rusiju i nastaniti se u Njemačkoj. Tridesetih godina prošlog stoljeća počinju ocrnjivati ​​kao »formalistički« rad V. Tatlina. Izgubivši tlo za postojanje u Rusiji, neobjektivna umjetnost privlači zapadnu publiku. Njegovu tradiciju već baštine europski umjetnici.

S početkom Velikog domovinskog rata likovna umjetnost se suočava s novom zadaćom - iskoristiti moć umjetnosti kao oružje protiv neprijatelja. Stoga je u grafici (kao u godinama revolucije) plakat došao do izražaja. U prve dvije godine rata dominirao je dramatičan zvuk. Već 22. lipnja pojavio se plakat Kukryniksyja "Nemilosrdno ćemo poraziti i uništiti neprijatelja!" Svima je poznat plakat I. Tondze "Majka domovina zove" (1941). Nakon prekretnice u ratu dolazi do promjene raspoloženja i figurativnog sklopa: plakat L. Golovanova »Dođimo do Berlina!« prožet je optimizmom i pučkim humorom. (1944).

Tijekom ratnih godina pojavljuju se značajna djela štafelajne grafike: brze, dokumentaristički točne crte s bojišnice, portretni crteži boraca, partizana, mornara, bolničarki, ratni krajolici, kao i niz grafičkih listova na jednu temu (npr. , ciklus grafika D. Šmarinova "Da se ne zaboravi, ne oprosti!", 1942.).

Nakon rata glavna tema bila je miran rad. Vesele boje, zvučne slike A. Plastova "Kosidba sijena" (1945), T.N. Yablonskaya "Kruh" (1949), A.A. Mylnikov "Na mirnim poljima" (1953), "Večera vozača traktora" (1951). U pejzažnom žanru, slika zemlje iskrivljene ratom zamijenjena je slikom prirode u skladu s čovjekom (S.A. Chuikov "Jutro", 1947.). Epski početak tipičan je za djelo M. Saryana. Portret se također razvija. U ovom žanru rade P. Korin, I. Grabar, M. Saryan.

U 1940-1950-im godinama. u vezi s obnovom porušenih gradova i novom izgradnjom intenzivno se razvija monumentalna i dekorativna umjetnost. Monumentalno slikarstvo pronalazi primjenu u ukrašavanju javnih zgrada, postupno prodire u male prostorije kafića, klubova, dječjih vrtića. Vodeći majstori u ovom području likovne umjetnosti bili su A. Deineka, V. Favorsky, P. Korin. P. Korin izradio je i mozaike za moskovski metro.

Pedesetih godina prošlog stoljeća aktivno se razvija grafika - tiskana štafelajna grafika u raznim tehnikama: drvorezi, linorezi, litografije, bakropisi. Grafika ovog razdoblja raznolika je po temama - to su svakodnevni rad, portret, pejzaž, mrtva priroda, domaći, žanrovske scene.

Na prijelazu iz 1950-1960-ih. aktivira se umjetnički život. Godine 1957. održan je Prvi svesavezni kongres sovjetskih umjetnika na kojem su sumirani rezultati prošlosti i određeni načini daljnji razvoj Sovjetska umjetnost. Iste godine održana je Svesavezna umjetnička izložba, čija je izložba izgrađena u republikama.

U svakoj vrsti likovne umjetnosti traga se za novim izražajnim sredstvima. Umjetnici razvijaju novi, takozvani strogi stil (A. Kamensky) - za ponovno stvaranje stvarnosti bez uobičajenog za 1940-1950-e. sjaj i nekonfliktnost. Umjetnici N. Andronov, P. Nikonov, V. Popkov i drugi okrenuli su se suzdržanoj, generaliziranoj formi, kompozicija njihovih slika je lapidarna, crtež je surov i lakonski, boja je uvjetna.

U 1970-1980-im godinama. javlja se novi naraštaj umjetnika - O. Bulgakov, T. Nazarenko, N. Nesterova, A. Sitnikov i dr. Mnogo razmišljaju o tradiciji, povijesti, ljepoti. Njihov slikarski stil bogat je kazališnim spektaklom, umjetničkim, virtuoznim. Raste uloga monumentalne i dekorativne umjetnosti.

Domaća umjetnost posljednjih desetljeća izuzetno je raznolika. S početkom perestrojke legalizirane su razne neformalne i "podzemne" udruge.

Moderna ruska umjetnost razvija se u raznolikim, slobodnim oblicima, tako da je u današnje vrijeme prijelaz iz monostilizma u polistilizam.

Ovaj članak sadrži kratak opis glavnih umjetničkih stilova 20. stoljeća. Bit će korisno poznavati i umjetnike i dizajnere.

Modernizam (od francuskog moderne moderne)

u umjetnosti kumulativni naziv umjetničkih pravaca koji su se u drugoj polovici 19. st. afirmirali u obliku novih oblika stvaralaštva, gdje nije prevladavala toliko privrženost duhu prirode i tradicije, koliko slobodan pogled majstora. , slobodan mijenjati vidljivi svijet prema vlastitom nahođenju, slijedeći osobni dojam, unutarnju ideju ili mistični san (ovi su trendovi uvelike nastavili smjer romantizma). Impresionizam, simbolizam i modernizam bili su njegovi najznačajniji pravci, često aktivno međusobno povezani.U sovjetskoj kritici pojam “modernizma” antipovijesno je primijenjen na sve umjetničke pokrete 20. stoljeća koji nisu odgovarali kanonima socrealizma. .

Apstrakcionizam(umjetnost pod znakom "nulte forme", nepredmetna umjetnost) - umjetnički pravac koji se formirao u umjetnosti prve polovice 20. stoljeća, potpuno odbijajući reproducirati oblike stvarnog vidljivog svijeta. Utemeljiteljima apstrakcionizma smatraju se V. Kandinski, P. Mondriana i K. Maljeviča. W. Kandinsky stvorio je vlastitu vrstu apstraktnog slikarstva, oslobađajući impresionističke i "divlje" mrlje od bilo kakvih znakova objektivnosti. Piet Mondrian je do svoje bespredmetnosti došao geometrijskom stilizacijom prirode koju su započeli Cezanne i kubisti. Modernistički trendovi 20. stoljeća, usmjereni na apstrakcionizam, potpuno odstupaju od tradicionalnih načela, negirajući realizam, ali istovremeno ostaju u okvirima umjetnosti. Povijest umjetnosti s pojavom apstrakcionizma doživjela je revoluciju. Ali ova revolucija nije nastala slučajno, već sasvim prirodno, a predvidio ju je Platon! U svom kasnijem djelu Fileb pisao je o ljepoti linija, ploha i prostornih oblika u sebi, neovisno o oponašanju vidljivih predmeta, o bilo kakvoj mimezi. Ovakva geometrijska ljepota, za razliku od ljepote prirodnih “nepravilnih” oblika, po Platonu nije relativna, već bezuvjetna, apsolutna.

Futurizam- književni i umjetnički pravac u umjetnosti 1910-ih. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Važna umjetnička ideja futurizma bila je potraga za plastičnim izrazom brzine kretanja kao glavnog znaka tempa suvremenog života. Ruska inačica futurizma nazvana je kibofuturizam i temeljila se na spoju plastičnih načela francuskog kubizma i europskih općeestetskih instalacija futurizma. Sjecištima, pomacima, sudaranjima i naletima oblika umjetnici su nastojali izraziti poraznu pluralnost dojmova suvremenog čovjeka, gradskog stanovnika.

Kubizam- "najpotpunija i najradikalnija umjetnička revolucija od renesanse" (J. Golding). Slikari: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizam - (franc. cubisme, od cube - kocka) pravac u umjetnosti prve četvrtine 20. stoljeća. Plastični jezik kubizma temeljio se na deformaciji i raščlanjivanju predmeta u geometrijske ravnine, plastičnom pomicanju oblika. Mnogi ruski umjetnici prošli su kroz fascinaciju kubizmom, često kombinirajući njegova načela s tehnikama drugih modernih umjetničkih pravaca - futurizma i primitivizma. Kubofuturizam je postao posebna varijanta interpretacije kubizma na ruskom tlu.

Purizam- (franc. purisme, od lat. purus - čist) trend u francuskom slikarstvu kasnih 1910-ih i 20-ih godina. Glavni predstavnici su umjetnik A. Ozanfan i arhitektica C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Odbacujući dekorativne tendencije kubizma i drugih avangardnih pokreta 1910-ih, deformaciju prirode koju su usvojili, puristi su težili racionalistički uređenom prijenosu stabilnih i jezgrovitih oblika predmeta, kao “očišćenih” od detalja, na sliku “primarni” elementi. Radove purista karakterizira plošnost, glatki ritam svjetlosnih silueta i kontura predmeta iste vrste (vrčevi, čaše itd.). Budući da nisu dobili razvoj u štafelajnim oblicima, bitno promišljena umjetnička načela purizma djelomično su se odrazila u modernoj arhitekturi, uglavnom u zgradama Le Corbusiera.

Serrealizam- kozmopolitski pokret u književnosti, slikarstvu i kinematografiji nastao 1924. u Francuskoj, a službeno prestao s postojanjem 1969. Uvelike je pridonio formiranju svijesti modernog čovjeka. Glavne figure pokreta Andre Breton- književnik, vođa i idejni inspirator pokreta, Louis Aragon- jedan od utemeljitelja nadrealizma, koji se kasnije na bizaran način transformirao u pjevača komunizma, Salvador Dali- umjetnik, teoretičar, pjesnik, scenarist, koji je bit pokreta definirao riječima: "Nadrealizam sam ja!", u najviši stupanj nadrealni kinematograf Luis Buñuel, slikar Juan Miro- "najljepše pero na šeširu nadrealizma", kako ga je nazvao Breton, ali i mnogi drugi umjetnici diljem svijeta.

fovizam(od francuskog les fauves - divlje (životinje)) Lokalni smjer u slikarstvu rano. 20. stoljeće Ime F. dano je iz ruganja skupini mladih pariških umjetnika ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), koji su zajedno sudjelovali na nizu izložbi 1905.-1907., nakon prve izložbe 1905. Naziv je prihvatila sama grupa i iza njega se čvrsto ustalila. Pravac nije imao jasno formuliran program, manifest ili vlastitu teoriju i nije dugo trajao, ali je ostavio zamjetan trag u povijesti umjetnosti. Njegove je sudionike tih godina ujedinila želja za stvaranjem umjetničke slike isključivo uz pomoć izrazito svijetle otvorene boje. Razvijanje umjetničkih dostignuća postimpresionista ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), oslanjajući se na neke formalne tehnike srednjovjekovne umjetnosti (vitraj, romanika) i japansku gravuru, popularnu u umjetničkim krugovima Francuske još od vremena impresionista, fovisti su nastojali maksimalno iskoristiti kolorističke mogućnosti slikarstva.

Ekspresionizam(od francuskog izraza - ekspresivnost) - modernistički trend u zapadnoeuropskoj umjetnosti, uglavnom u Njemačkoj, prva trećina 20. stoljeća, koji se razvio u određenom povijesnom razdoblju - uoči Prvog svjetskog rata. Idejna osnova ekspresionizma bio je individualistički protest protiv ružnog svijeta, sve većeg otuđenja čovjeka od svijeta, osjećaja beskućništva, urušavanja i raspada onih načela na kojima se činilo da europska kultura tako čvrsto počiva. Ekspresionisti teže ka misticizmu i pesimizmu. Likovne tehnike karakteristične za ekspresionizam: odbacivanje iluzornog prostora, želja za plošnom interpretacijom predmeta, deformacija predmeta, ljubav prema oštrim koloritnim disonancama, poseban kolorit koji utjelovljuje apokaliptičnu dramu. Umjetnici su kreativnost doživljavali kao način izražavanja emocija.

Suprematizam(od lat. supremus - najviši, najviši; prvi; posljednji, krajnji, po svemu sudeći, preko poljskog supremacja - nadmoć, nadmoć) Pravac avangardne umjetnosti prve trećine 20. stoljeća, stvaratelj, glavni predstavnik i teoretičar od kojih je bio ruski umjetnik Kazimir Malevič. Sam pojam ne odražava bit suprematizma. Zapravo, u razumijevanju Malevicha, ovo je procijenjena karakteristika. Suprematizam je najviši stupanj u razvoju umjetnosti na putu oslobađanja od svega neumjetničkog, na putu konačnog razotkrivanja nepredmetnosti kao biti svake umjetnosti. U tom smislu i Malevič je primitivnu ornamentalnu umjetnost smatrao suprematističkom (ili "vrhovnopodobnom"). Prvo je primijenio ovaj izraz na veliku skupinu svojih slika (39 ili više) koje su prikazivale geometrijske apstrakcije, uključujući poznati "Crni kvadrat" na bijeloj pozadini, "Crni križ" itd., izložene na petrogradskoj futurističkoj izložbi "nulti- deset" 1915. Iza ovih i sličnih geometrijskih apstrakcija vezan je naziv suprematizam, iako je sam Malevič njime nazivao mnoga svoja djela iz 20-ih godina, koja su izvana sadržavala neke oblike konkretnih predmeta, osobito figure ljudi, ali su zadržala “Suprematistički duh”. I zapravo, kasniji Maljevičevi teorijski razvoji ne daju temelja za svođenje suprematizma (barem samog Maljeviča) samo na geometrijske apstrakcije, iako one, naravno, čine njegovu srž, bit, pa čak i (crno-bijelo i bijelo-bijelo Suprematizam) dovode slikarstvo uopće do granice postojanja kao umjetnosti, tj. do pikturalne nule, iza koje više nema vlastitog slikarstva. Tim su putem u drugoj polovici stoljeća nastavili brojni pravci u umjetničkom djelovanju koji su napuštali kistove, boje i platno.

ruski avangarda 1910-e predstavljaju prilično složenu sliku. Karakterizira ga brza promjena stilova i trendova, obilje grupa i udruženja umjetnika, od kojih je svaki proklamirao vlastiti koncept kreativnosti. Nešto slično dogodilo se u europskom slikarstvu početkom stoljeća. No, miješanje stilova, "zbrka" struja i pravaca bili su nepoznati Zapadu, gdje je kretanje prema novim oblicima bilo dosljednije. Mnogi su majstori mlađe generacije iznimnom brzinom prelazili iz stila u stil, iz pozornice u pozornicu, od impresionizma do moderne, zatim do primitivizma, kubizma ili ekspresionizma, prolazeći kroz mnoge korake, što je bilo posve netipično za majstore francuskog ili njemačkog slikarstva. . Situacija koja se razvila u ruskom slikarstvu bila je uvelike posljedica predrevolucionarne atmosfere u zemlji. Pogoršala je mnoge kontradikcije koje su bile svojstvene cijeloj europskoj umjetnosti u cjelini, jer. Ruski umjetnici učili su po europskim uzorima, dobro su poznavali razne škole i slikarske trendove. Svojevrsna ruska "eksplozija" u umjetničkom životu odigrala je tako povijesnu ulogu. Do 1913. ruska je umjetnost dosegla nove granice i horizonte. Pojavio se sasvim novi fenomen neobjektivnosti - crta preko koje se francuski kubisti nisu usuđivali prijeći. Jedan po jedan prelaze ovu liniju: Kandinski V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturizam Lokalni pravac u ruskoj avangardi (u slikarstvu i poeziji) s početka 20. stoljeća. U likovnoj umjetnosti kubofuturizam je nastao na temelju promišljanja slikovnih nalaza, kubizma, futurizma i ruskog neoprimitivizma. Glavna djela nastala su u razdoblju 1911.-1915. Najkarakterističnije slike kubo-futurizma izašle su ispod kista K. Malevicha, a napisali su ih i Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Prva kubo-futuristička djela Maljeviča bila su izložena na poznatoj izložbi 1913. "Target", na kojemu je debitirao i Larionovljev lučizam. Kubo-futuristička djela svojim izgledom imaju nešto zajedničko s kompozicijama koje je u isto vrijeme stvarao F. Leger te su poluobjektivne kompozicije sastavljene od cilindričnih, stožastih, bočica, školjkastih šupljih volumetrijskih obojenih formi, često s metalnim sjajem. Već u prvim takvim Maljevičevim djelima primjetna je težnja prijelaza od prirodnog ritma prema čisto mehaničkim ritmovima strojnog svijeta (Plotnik, 1912., Brusilica, 1912., Kljunov portret, 1913.).

neoplasticizam- jedna od najranijih vrsta apstraktne umjetnosti. Nastao je do 1917. nizozemski slikar P. Mondrian i drugi umjetnici koji su bili dio udruge Style. Neoplasticizam karakterizira, prema njegovim tvorcima, želja za "univerzalnim skladom", izražena u strogo uravnoteženim kombinacijama velikih pravokutnih figura, jasno odvojenih okomitim crnim linijama i obojenih lokalnim bojama glavnog spektra (s dodatkom bijele i sivi tonovi). Neoplasticizam (Nouvelle plastique) Ovaj termin pojavio se u Nizozemskoj u 20. stoljeću. Piet Mondrian definirao je svoje plastičke koncepte koje je sistematizirala i branila grupa i časopis »Stil« (»De Stiji«) osnovan u Leidenu 1917. Glavno obilježje neoplasticizma bila je stroga uporaba izražajnih sredstava. Neoplasticizam dopušta samo vodoravne i okomite linije za izgradnju forme. Križanje linija pod pravim kutom prvi je princip. Oko 1920. dodan mu je drugi, koji, uklanjajući potez i naglašavajući ravninu, ograničava boje na crvenu, plavu i žutu, t j . tri čiste osnovne boje kojima se mogu dodati samo bijela i crna. Pomoću te strogosti neoplasticizam je namjeravao nadilaziti individualnost kako bi postigao univerzalizam i tako stvorio novu sliku svijeta.

Službeno "krštenje" orfizam dogodilo se na Salonu neovisnih 1913. Tako je kritičar Roger Allard napisao u svom izvješću o Salonu: "... za buduće povjesničare bilježimo da je 1913. rođena nova škola orfizma ..." ("La Cote" Pariz 19. ožujka 1913.). Ponovio ga je drugi kritičar Andre Varno: "Salon 1913. obilježen je rođenjem nove škole orfičke škole" ("Comoedia" Pariz, 18. ožujka 1913.). Konačno Guillaume Apollinaire pojačao ovu izjavu uzviknuvši, ne bez ponosa: “Ovo je orfizam. Ovdje se prvi put pojavio ovaj trend, koji sam predvidio” (“Montjoie!” Pariški dodatak do 18. ožujka 1913.). Doista, izraz je izmišljen Apollinaire(Orfizam kao kult Orfeja) i prvi put je javno objavljen tijekom predavanja o modernom slikarstvu i pročitan u listopadu 1912. Što je mislio? Čini se da ni sam to ne zna. Štoviše, nije znao definirati granice tog novog smjera. Zapravo, zabuna koja vlada do danas nastala je zbog činjenice da je Apollinaire nesvjesno pobrkao dva problema koji su, naravno, međusobno povezani, ali prije nego što ih pokuša povezati, trebao je naglasiti njihove razlike. S jedne strane stvaranje Delaunaya slikovna izražajna sredstva u potpunosti temeljena na boji i, s druge strane, ekspanzija kubizma kroz pojavu nekoliko različitih pravaca. Nakon prekida s Marie Laurencin krajem ljeta 1912., Apollinaire je potražio utočište kod obitelji Delaunay, koja ga je s prijateljskim razumijevanjem primila u svoju radionicu u Rue Grand-Augustin. Upravo ovog ljeta, Robert Delaunay i njegova supruga doživjeli su duboku estetsku evoluciju koja je dovela do onoga što je kasnije nazvao "destruktivnim razdobljem" slikarstva koje se temelji samo na konstruktivnim i prostorno-vremenskim kvalitetama kontrasta boja.

Postmodernizam (postmoderna, postavangarda) -

(od lat. post "nakon" i modernizam), skupni naziv za umjetničke pravce koji su se posebno jasno iskazali 1960-ih godina, a karakterizira ih radikalna revizija pozicija modernizma i avangarde.

apstraktni ekspresionizam poslijeratna (kasnih 40-ih - 50-ih godina XX. stoljeća) faza u razvoju apstraktne umjetnosti. Sam pojam uveo je 1920-ih njemački likovni kritičar E. von Sydow (E. von Sydow) za upućivanje na određene aspekte ekspresionističke umjetnosti. Njime je 1929. Amerikanac Barr okarakterizirao rana djela Kandinskog, a 1947. djela je nazvao "apstraktno-ekspresionističkim" Willem de Kooning i Pollock. Otada se pojam apstraktnog ekspresionizma učvrstio iza prilično širokog, stilski i tehnički raznolikog polja apstraktnog slikarstva (a kasnije i kiparstva), koje se naglo razvilo 50-ih godina. u SAD-u, Europi, a potom i diljem svijeta. Izravni preci apstraktnog ekspresionizma smatraju se ranim Kandinski, ekspresionisti, orfisti, dijelom dadaisti i nadrealisti sa svojim principom mentalnog automatizma. Filozofsko-estetička osnova apstraktnog ekspresionizma uvelike je bila filozofija egzistencijalizma, popularna u poslijeratnom razdoblju.

Gotova(engleski ready-made - spreman) Pojam je u leksikon povijesti umjetnosti prvi uveo umjetnik Marcel Duchamp svoja djela, koja su predmeti utilitarne uporabe, izuzeta iz okruženja normalnog funkcioniranja i bez promjena izložena na umjetničkoj izložbi, označiti umjetničkim djelima. Ready-Made je tražio novi pogled na stvar i stvarnost. Predmet koji je prestao ispunjavati svoje utilitarne funkcije i uključio se u kontekst prostora umjetnosti, odnosno postao predmetom neutilitarne kontemplacije, počeo je otkrivati ​​neka nova značenja i asocijativne poteze, nepoznate ni tradicionalnoj umjetnosti ni svakodnevno-utilitarna sfera bivstvovanja. Oštro se pojavio problem relativnosti estetskog i utilitarnog. Prvi Ready-Made Duchamp izložen u New Yorku 1913. Najzloglasniji njegov Ready-Made. čelik "Kotač s bicikla" (1913), "Sušilo za boce" (1914), "Fontana" (1917) - tako je označen obični pisoar.

Pop umjetnost. Nakon Drugog svjetskog rata u Americi se stvorio veliki društveni sloj ljudi koji su zarađivali dovoljno novca za kupnju robe koja im nije bila osobito važna. Na primjer, potrošnja dobara: Coca cola ili Levi's traperice postaju važan atribut ovog društva. Osoba koja koristi ovaj ili onaj proizvod pokazuje svoju pripadnost određenom društvenom sloju. Formirana je sadašnja masovna kultura. Stvari su postale simboli, stereotipi. Pop art nužno koristi stereotipe i simbole. pop-art(Pop Art) utjelovio je stvaralačku potragu novih Amerikanaca, koja se oslanjala na kreativna načela Duchampa. To: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, i drugi. Pop art poprima važnost masovne kulture pa ne čudi što se u Americi oblikovao i postao umjetnički pokret. Njihovi saveznici: Hamelton R, Ton Kina izabran kao autoritet Kurt Schwieters. Pop art karakterizira djelo – iluzija igre koja objašnjava bit predmeta. Primjer: pita K. Oldenburg prikazan na razne načine. Umjetnik možda neće prikazati tortu, ali rastjerati iluzije, pokazati da osoba vidi stvarno. Originalan je i R. Rauschenberg: na platno je lijepio razne fotografije, ocrtavao ih i na djelo pričvršćivao poneku plišanu životinju. Jedno od njegovih poznatih djela je plišani jež. Poznato je i njegovo slikarstvo, gdje je koristio fotografije Kenedyja.

primitivizam (naivna umjetnost). Ovaj se pojam koristi u nekoliko značenja i zapravo je identičan pojmu "primitivna umjetnost". U različitim jezicima i od strane različitih znanstvenika, ti se pojmovi najčešće koriste za označavanje istog niza pojava u umjetničkoj kulturi. U ruskom (kao iu nekim drugim) pojam "primitivan" ima donekle negativno značenje. Stoga je prikladnije usredotočiti se na koncept naivna umjetnost. U najširem smislu to znači umjetnost, koji se odlikuje jednostavnošću (ili simplificiranošću), jasnoćom i formalnom neposrednošću slikovnog i izražajnog jezika, uz pomoć kojeg se izražava osebujna vizija svijeta neopterećena civilizacijskim konvencijama. Koncept se pojavio u novoj europskoj kulturi posljednjih stoljeća, stoga odražava profesionalna stajališta i ideje ove kulture, koja je sebe smatrala najvišim stupnjem razvoja. S tih pozicija naivna umjetnost označava i arhaičnu umjetnost starih naroda (predegipatske ili predgrčke civilizacije), npr. primitivnu umjetnost; umjetnost naroda koji su zaostali u kulturnom i civilizacijskom razvoju (autohtono stanovništvo Afrike, Oceanije, Indijanci Amerike); amaterska i neprofesionalna umjetnost najširih razmjera (primjerice, poznate srednjovjekovne freske Katalonije ili neprofesionalna umjetnost prvih američkih useljenika iz Europe); mnoga djela takozvane "međunarodne gotike"; narodna umjetnost; i konačno, umjetnost nadarenih umjetnika primitivista 20. stoljeća, koji nisu stekli stručno likovno obrazovanje, ali su u sebi osjetili dar umjetničkog stvaralaštva i posvetili se njegovu samostalnom likovnom ostvarenju. Neki od njih (francuski A. Russo, K. Bombois, gruzijski N. Pirosmanishvili, Hrvatski I. Generalich, američki prije podne Robertson i dr.) stvorili su istinska umjetnička remek-djela koja su postala dio riznice svjetske umjetnosti.Naivna umjetnost je po svom viđenju svijeta i načinima likovnog prikazivanja donekle bliska dječjoj umjetnosti, s jedne strane. ruku, a s druge strane na rad duševnih bolesnika. Međutim, u biti se razlikuje od oba. Svjetonazorski najbliža dječjoj umjetnosti je naivna umjetnost arhaičnih naroda i starosjedilaca Oceanije i Afrike. Njegova temeljna razlika od dječje umjetnosti leži u dubokoj sakralnosti, tradicionalnosti i kanoničnosti.

nema umjetnosti(Net Art - od engleskog net - mreža, art - umjetnost) Najnoviji oblik umjetnosti, moderne umjetničke prakse, koje se razvijaju u računalnim mrežama, posebice na Internetu. Njezini istraživači u Rusiji, koji su pridonijeli njezinu razvoju, O. Lyalina, A. Shulgin, smatraju da se bit Net-arta svodi na stvaranje komunikacijskih i kreativnih prostora na webu, pružajući svima potpunu slobodu mrežnog bivstvovanja. Dakle, bit Net-arta. ne reprezentacija, nego komunikacija, a njezina izvorna likovna jedinica je elektronička poruka. Postoje najmanje tri faze u razvoju Net-arta, koji je nastao 80-ih i 90-ih godina. 20. stoljeće Prvi je bio kada su ambiciozni web umjetnici stvarali slike od slova i ikona na tipkovnici računala. Drugi je počeo kada su na internet došli underground umjetnici i jednostavno svi koji su htjeli pokazati nešto od svog rada.

OP-ART(eng. Op-art - skraćena verzija optičke umjetnosti - optička umjetnost) - umjetnički pokret druge polovice 20. stoljeća, koristeći različite vizualne iluzije temeljene na značajkama percepcije ravnih i prostornih figura. Struja nastavlja racionalističku liniju tehnicizma (modernizma). Ona seže do takozvanog "geometrijskog" apstrakcionizma, čiji je predstavnik bio V. Vasarely(od 1930. do 1997. djelovao u Francuskoj) - utemeljitelj op arta. Mogućnosti Op-arta pronašle su primjenu u industrijskoj grafici, plakatima i dizajnu. Smjer op art (optička umjetnost) nastao je 50-ih godina prošlog stoljeća u okviru apstrakcionizma, ali ovaj put je bio druge sorte - geometrijske apstrakcije. Njegova distribucija kao struja datira iz 60-ih godina. 20. stoljeće

Grafiti(grafiti - u arheologiji, bilo koji crteži ili slova izgrebani na bilo kojoj površini, od talijanskog graffiare - ogrebotina) drugačija vrsta pištolji za prskanje, aerosol limenke s bojom. Otuda drugi naziv "spray art" - Spray-art. Njegov nastanak povezuje se s masovnom pojavom grafita. u 70-ima. na vagonima njujorške podzemne željeznice, a potom i na zidovima javnih zgrada, roletama trgovina. Prvi autori grafita. bilo je uglavnom mladih nezaposlenih umjetnika etničkih manjina, prvenstveno Portorikanaca, pa su se u prvim Grafitima pojavile neke stilske značajke latinoameričke narodne umjetnosti, a samim pojavljivanjem na površinama koje nisu za to namijenjene, njihovi su se autori bunili protiv njihove nemoćni položaj. Do početka 80-ih. formiran je cijeli trend gotovo profesionalnih majstora G. Njihova prava imena, prethodno skrivena pod pseudonimima, postala su poznata ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Neki od njih svoju su tehniku ​​prenijeli na platno i počeli izlagati u galerijama u New Yorku, a ubrzo su se grafiti pojavili iu Europi.

HIPERREALIZAM(hiperrealizam - engl.), odnosno fotorealizam (photorealism - engl.) - umjetnik. pokret u slikarstvu i kiparstvu, na temelju fotografije, reprodukcija stvarnosti. I po svojoj praksi i po svojim estetskim usmjerenjima prema naturalizmu i pragmatizmu, hiperrealizam je blizak pop artu. prvenstveno ih spaja povratak figurativnosti. Djeluje kao antiteza konceptualizmu koji ne samo da je raskinuo s reprezentacijom, nego je doveo u pitanje i samo načelo materijalnog ostvarenja umjetnosti. koncept.

land art(od engleske land art - zemljana umjetnost), pravac u umjetnosti posljednje trećineXXst., temeljen na korištenju stvarnog krajolika kao glavnog umjetničkog materijala i objekta. Umjetnici kopaju rovove, stvaraju bizarne gomile kamenja, slikaju stijene, birajući za svoje akcije obično napuštena mjesta - netaknute i divlje krajolike, čime, takoreći, nastoje vratiti umjetnost prirodi. Zahvaljujući njegovom<первобытному>Izgledom su mnoge radnje i predmeti ove vrste bliski arheologiji, kao i fotoumjetnosti, budući da ih većina javnosti može promatrati samo u nizu fotografija. Čini se da ćemo se morati pomiriti s još jednim barbarizmom u ruskom jeziku. Ne znam je li slučajno termin<лэнд-арт>pojavio na kraju 60-ih godina u vrijeme kada je u razvijenim društvima buntovni duh studentskog tijela usmjerio svoje snage na rušenje ustaljenih vrijednosti.

MINIMALIZAM(minimalna umjetnost - engleski: minimal art) - umjetnik. tok proizašao iz minimalne transformacije materijala korištenih u procesu kreativnosti, jednostavnosti i ujednačenosti oblika, jednobojan, kreativan. umjetnikovo samoobuzdavanje. Minimalizam karakterizira odbacivanje subjektivnosti, reprezentacije, iluzionizma. Odbacivanje klasike kreativnost i tradicija. umjetnički materijala, minimalisti koriste industrijske i prirodne materijale jednostavne geometrije. oblika i neutralnih boja (crna, siva), koriste se male količine, serijske, pokretne metode industrijske proizvodnje. Artefakt je u minimalističkom konceptu kreativnosti unaprijed zadani rezultat procesa njegove proizvodnje. Dobivši najpotpuniji razvoj u slikarstvu i kiparstvu, minimalizam, tumačen u širokom smislu kao ekonomija umjetnika. sredstava, našla je primjenu i u drugim oblicima umjetnosti, prvenstveno kazalištu i kinu.

Minimalizam je nastao u Sjedinjenim Državama u trans. kat. 60-ih godina Porijeklo mu je u konstruktivizmu, suprematizmu, dadaizmu, apstrakcionizmu, formalističkom amer. slikarstvo 1950-ih, pop art. Direktno preteča minimalizma. je amer. slikar F. Stella, koji je 1959-60 predstavio seriju "Crne slike", gdje su prevladavale uredne ravne linije. Prva minimalistička djela pojavljuju se 1962.-63. Izraz "minimalizam". pripada R. Walheimu, koji ga uvodi u odnosu na analizu kreativnosti M. Duchamp i pop umjetnika, minimizirajući intervenciju umjetnika u okoliš. Sinonimi su joj "cool art", "ABC art", "serial art", "primarne strukture", "umjetnost kao proces", "sustavna umjetnost". slika". Među najreprezentativnijim minimalistima su − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Spaja ih želja da se artefakt uklopi u okoliš, da se pobijedi prirodna tekstura materijala. D. Žad definira kao "specifičan". objekt”, drugačiji od klasičnog. plastični radovi. umjetnosti. Neovisna, rasvjeta igra ulogu kao način stvaranja minimalističke umjetnosti. situacije, originalna prostorna rješenja; koriste se računalne metode izrade radova.

Danas se dizajneri ne smatraju zanatlijama, ali u prošlosti su eminentni majstori s prezirom gledali na umjetnike koji su djelovali na ovim prostorima. Ilya Repin je napisao: "Izrađivati ​​tepihe koji miluju oko, tkati čipku, baviti se modom - jednom riječju, na svaki način ometati Božji dar s kajganom." S vremenom se promijenio odnos prema modnim dizajnerima - Kultura.RF govori kako su ruski umjetnici postali trendseterice.

Orijentalni motivi

Leon Bakst. Kostimografija za balet "Narcis" za ulogu Bakhe. 1911. Fotografija: porusski.me

Leon Bakst. Kostimografija za balet Kleopatra. 1910. Fotografija: artchive.ru

Leon Bakst. Kostimografija za balet "Karneval" za ulogu Estrelle. 1910. Fotografija: artchive.ru

Leon Bakst najpoznatiji je kao slikar i kazališni dizajner. No, upravo je on prvi dokazao da je posao kostimografa vrijedan pažnje i divljenja.

Predstave Baletne trupe Sergeja Djagiljeva u Parizu kasnih 1900-ih i ranih 1910-ih bile su nevjerojatno uspješne i popularne. Egzotična scenografija i kostimi koje je izradio Bakst djelovali su "hipnotički" na publiku. A s kazališne pozornice njegove su ideje prešle u gledalište. Umjetnik Mstislav Dobuzhinsky napisao je: "pročišćavanje svijetle boje, raskoš turbana s perjem i zlatom protkanih tkanina, bujno obilje ukrasa i ukrasa - sve je to bilo tako nevjerojatno, bilo je tako u skladu sa žeđu za novim da ga je prihvatio život. [Charles Frederic] Worth i [Jeanne] Paquin - trendseteri pariške mode - počeli su propagirati Baksta".

Čarape u boji, cipele ukrašene kamenčićima, šalovi, šalovi, upečatljiva bižuterija (dugi nizovi imitacije bisera, nakit s velikim kamenjem, brojne narukvice na rukama i nogama), turbani, šarene perike, svijetla dekorativna kozmetika i još mnogo toga - moda 1910-ih formirana pod velikim utjecajem Baksta i njegovih "istočnjačkih" djela.

Ubrzo je Leon Bakst počeo utjecati na europsku modu unutar industrije: stvarao je skice kostima za modne kuće, crtao uzorke za tkanine i, kako se prisjetio slikar Kuzma Petrov-Vodkin, "odjenuo je Pariz mesoždernom orijentalnom svilom". Paul Poiret, jedan od najistaknutijih couturiera tog doba, negirao je da je bio inspiriran Bakstovim djelima, ali je prvi ponudio suradnju ruskom umjetniku. U tom je razdoblju Poiretova shema boja postala neočekivano svijetla - iu tome se vidi Bakstov utjecaj. U budućnosti su Bakst i Poiret radili u sličnim smjerovima, a obojici su pripisivani mnogi modni noviteti: na primjer, harem hlače kao ženska večernja odjeća, izuzetno uske "lame suknje" i višeslojna odjeća.

Leon Bakst učinio je mnogo za svjetsku modu i nije je smatrao nedostojnom umjetnika. Neposredno prije smrti, u intervjuu je rekao: “U umjetnosti nema velikog i malog. Sve je umjetnost".

avangardna moda

Natalija Gončarova. Kostimografija za balet Leonida Myasina "Liturgija" - Serafim. 1915. Fotografija: avangardism.ru

Natalia Goncharova radi na skici kostima. 1916. Fotografija: theartnewspaper.ru

Natalija Gončarova. Kostimografija za balet "Na Borisfenu" na glazbu Sergeja Prokofjeva. 1932. Fotografija: theartnewspaper.ru

Radovi Natalije Gončarove danas se smatraju najskupljim među svim umjetnicama, a ona sama postala je najpoznatija ruska umjetnica u inozemstvu. Pranećakinja supruge Aleksandra Puškina, Gončarova, isprva je namjeravala postati kiparica. Međutim, umjetnik Mihail Larionov, za kojeg se kasnije udala, savjetovao ju je da počne slikati - i Goncharova se ubrzo okrenula umjetnosti i obrtu.

Godine 1913. Alexandre Benois, slikar, kritičar i likovni kritičar, zapisao je u svoj dnevnik: “Modni niz Gončarove je šarmantan. Boje ovih haljina su umjetničke, a ne dosadne. Zašto tek sada doznajem da je umjetnica posvetila svoju energiju osvježavanju ženske odjeće, zašto poznate moskovske fashionistice ne odlaze k njoj i uče od nje? Fashionisti su kasnili: Sergej Diaghilev pozvao je Goncharova u Pariz da zajedno rade na scenografiji Ruskih sezona, a umjetnica se nikada nije vratila u svoju domovinu. Vjeruje se da je prije odlaska u Francusku Goncharova prodala skice odjeće poznatoj majstorici Nadeždi Lamanovoj, čiji se atelje nalazio nedaleko od salona, ​​gdje je održana prva izložba umjetnice iste 1913. godine.

U egzilu, Natalia Goncharova nastavila je surađivati ​​s časopisima i modnim kućama - sačuvane su mnoge skice. Pariški muzej mode također pohranjuje odjeću iz Gončarove. Nažalost, ni imena modnih kreatora ni imena naručitelja ovih radova danas nisu poznata, ali očito je da svijetla dekorativna djela jednog od utemeljitelja ruske avangarde nisu mogla ne privući pozornost 1910-ih. Čak je i izgled same Natalije Gončarove i njezin stil - naizgled nemarno i jednostavno - bili avangardni i donekle ispred svog vremena.

Pristupačnost i originalnost

Vera Mukhina. Kostimografija, časopis Atelier, 1923. Foto: fashionblog.com

Vera Mukhina i Natalia Lamanova. Skica kućne haljine od marame. Fotografija: nlamanova.ru

Vera Mukhina. Skica pupoljak haljine. Naslovnica časopisa Atelier, 1923. Fotografija: casual-info.ru

Autorica legendarne statue "Radnica i kolhoznica" Vera Mukhina bavila se ne samo monumentalnom umjetnošću. Puno je crtala, a i prije revolucije izradila je niz skica za kazališne kostime i za dizajn predstava Kamernog teatra, koje se, nažalost, nisu održale. A 1920-ih posvetila je puno vremena primijenjenoj umjetnosti, uključujući i stvaranje odjeće.

Prvi u SSSR-u centar za modeliranje svakodnevne nošnje, "Radionice modernih nošnji", odjel za kostime Državne akademije umjetničkih znanosti - Mukhina je posvuda aktivno sudjelovao. Godine 1923. izlazi časopis Atelier - prvi sovjetski modni časopis. Jedan od njegovih najupečatljivijih modela bila je manekenka Mukhina, odjevena u lepršavu pupoljastu suknju i crveni šešir širokog oboda. Crteži umjetnika također su objavljeni u časopisu Krasnaya Niva.

Ubrzo je Vera Mukhina upoznala Nadeždu Lamanovu. Godine 1925. zajednički su objavili "Umjetnost u svakodnevnom životu" - album sa spektakularnim, ali praktičnim modelima koje je svaka sovjetska žena mogla ponoviti kod kuće. Lamanova je djelovala kao teoretičarka u ovoj suradnji, a Mukhina je utjelovila svoje ideje na papiru. Zatim su sudjelovali na Međunarodnoj izložbi dekorativne umjetnosti i umjetničke industrije u Parizu. Skromni modeli iz većine jednostavnih materijala s ukrasima u narodnom stilu natjecale su se s luksuznom odjećom europskih modnih dizajnera - i to vrlo uspješno: Mukhina i Lamanova dobile su Grand Prix "za nacionalni identitet u kombinaciji s modernim modnim trendom".

Godine 1933. otvorena je Moskovska kuća manekena, a Vera Mukhina postala je članica njezinog umjetničkog vijeća. Kao što je svojedobno primijetio Leon Bakst, "umjetnici su ispred modnih ljubitelja."

Novi koncept odjeće i unisex

Aleksandar Rodčenko. Varvara Stepanova u haljini izrađenoj od tkanine prema vlastitoj skici, proizvedenoj u Prvoj tvornici pamučne tiskare. Fotografija: jewish-museum.ru

Aleksandar Rodčenko. Lilya Brik u šalu s printom Varvare Stepanove. 1924. Fotografija: jewish-museum.ru

Aleksandar Rodčenko i Varvara Stepanova. 1920-ih godina Fotografija: jewish-museum.ru

Umjetnica Varvara Stepanova obično se pamti zajedno sa svojim suprugom Aleksandrom Rodčenkom, izvanrednim umjetnikom i fotografom. No, "nasilna Stepanova", kako ju je nazvao Vladimir Majakovski, nije bila samo supruga i saveznica slavnog pisca. "Amazonka ruske avangarde", svijetli predstavnik konstruktivizma, bila je u stanju, kako zahtijeva ovaj smjer, napustiti umjetnost radi umjetnosti. Ili bolje rečeno, prisilio ga da služi običnim ljudima.

Godine 1922. u Moskvi je otvorena Prva tvornica tiska pamuka. Radnicima u proizvodnji priskočili su u pomoć umjetnici. Varvara Stepanova i njezina prijateljica Lyubov Popova postale su dizajnerice tekstila i počele dizajnirati printove za tkanine. Stapleri, chintze, flanelettes, crepe de chines krasili su crteže jasno definiranih kontura, apstraktne forme, nepredmetne suprematističke ornamentike. U samo dvije godine rada u tvornici, Stepanova je razvila 150 skica, od kojih je 20 tiskano.

Aleksandar Rodčenko. Studenti u sportskoj odjeći koju je dizajnirala Stepanova. 1924. Fotografija: avangardism.ru

Varvara Stepanova. Skica trenirke. 1923. Fotografija: avangardism.ru

Aleksandar Rodčenko. Evgenia Sokolova (Zhemchuzhnaya) demonstrira trenirku koju je dizajnirala Varvara Stepanova. 1924. Fotografija: casual-info.ru

Istodobno je umjetnik predavao na tekstilnom odjelu Visokih umjetničko-tehničkih radionica. Stepanova se također pokazala kao briljantna modna teoretičarka, koja je razvila novi pristup odijevanju. U članku "Današnje odijelo je kombinezon" napisala je: „Moda, koja psihološki odražava život, navike, estetski ukus, ustupa mjesto odjeći organiziranoj za rad u raznim granama rada,<...>odjeću koja se može pokazati samo u procesu rada u njoj, vani stvaran život ne predstavlja samostalnu vrijednost, posebna vrsta "umjetničkog djela". Stepanova je predložila zamjenu dekorativnosti i ukrašavanja praktičnošću i ekspeditivnošću. Novi sovjetski čovjek trebala nova prikladna odjeća. Trenirke koje je dizajnirala s geometrijskim uzorcima bile su udobne i podjednako su pristajale i muškarcima i ženama.

Magazin LEF je čak pisao o Popovoj: „Provodila je dane i noći nad crtežima za kaliko, pokušavajući u jednom kreativnom činu spojiti zahtjeve ekonomije, zakone vanjskog dizajna i tajanstveni ukus tulske seljanke. Nikakvi komplimenti ili laskave ponude nisu je mogle zavesti. Kategorički je odbijala bilo kakav rad za izložbu, za muzej. “Pogađanje” kalca bilo joj je neusporedivo privlačnije od “ugađanja” estetskoj gospodi iz čiste umjetnosti..

Geometrijski ornamenti Popove, iscrtani šestarom i ravnalom, isprva su se činili neobičnim, a mnogi su ih smatrali neprikladnima za žensku odjeću. Međutim, tkanine s novim uzorcima imale su toliki uspjeh da su u ljeto 1924., tijekom "Kongresa naroda" u Moskvi, uzorci bili rasprodani "do aršina".

A 1925. održana je međunarodna izložba u Parizu, ista ona na kojoj su radovi Vere Mukhine i Nadežde Lamanove dobili Grand Prix. U tome je sudjelovala i Lyubov Popova. Dizajner sovjetskog paviljona Aleksandar Rodčenko pisao je svojoj supruzi Varvari Stepanovoj: Tekstilni crteži Lyubov Popova 60, a tvoji 4". Istina, sama Popova za to nikada nije saznala - umrla je godinu dana prije izložbe.

Umjetnost ranog 19. stoljeća povezana je s dobom društvenog uspona izazvanog Domovinskim ratom 1812. i antikmetskim pokretom, koji je doveo do ustanka dekabrista 1825. godine.

U području umjetničke kulture zadano razdoblje došlo je do relativno brze promjene smjera: klasicizam popušta romantizam, a romantizam na putu svoga razvoja susreće sve veći realizam u umjetnosti. Doista, ovo je bilo uglavnom u slikarstvu. Ako su umjetnici 18. stoljeća težili realizmu u prenošenju individualne jedinstvenosti pojedinca, onda su u 19. stoljeću počeli prikazivati ​​ono što je vrijedno, što ih je zabrinjavalo u javnom životu.

U drugoj četvrtini 19. stoljeća kapitalizam se već ustalio u većini zemalja Europe, dok je u Rusiji još uvijek trajao raspad feudalno-kmetovskog sustava. Međutim, kako u Europi tako iu Rusiji, ovo razdoblje karakterizira uspon burnog društvenog života - u Europi je to prvenstveno Francuska revolucija i njegove posljedice, a u Rusiji sve veće borba protiv kmetstva, osobito nakon neuspjeha ustanka dekabrista.

U tom razdoblju, klasicizam, koji je dominirao zidovima Akademija umjetnosti, iscrpio je svoj progresivni značaj. 1829. podvrgnuta je Akademija odjelu carskog dvora, pa je postala dirigent službenih stavova. Nastojeći učvrstiti svoju poziciju u umjetnosti, profesori Akademije nastojali su ovladati određenim tehnikama karakterističnim za romantizam. Tako se formirala metoda akademskog romantizma, koja je bila osmišljena za stvaranje idealne, uzvišene ljepote, daleko od stvarne svakodnevice.

Za razliku od akademske umjetnosti, u prvoj polovici 19. stoljeća u Rusiji se počela oblikovati druga umjetnost, koja se počela nazivati kritično realizam. Umjetnici su počeli otvoreno, bez pribjegavanja uvjetovanoj formi evanđeoskih priča, razotkrivati ​​poroke svog suvremenog društva, s pravom se smatra utemeljiteljem ruskog kritičkog realizma u slikarstvu Pavel Fedotov.

Druga polovica 19. stoljeća u Rusiji obilježena je novim uzletom oslobodilačke borbe za bolji život. Vodeće mjesto u društvenom pokretu zauzela je inteligencija. Kmetstvo je ukinuto, ali život od toga nije postao lakši.

U tom razdoblju raste važnost umjetnosti, posebice slikarstva koje se smatralo moćnim sredstvom obrazovanja ljudi. Krajem prve polovice 19. stoljeća počinje s radom Moskovska škola slikarstva, kiparstva i arhitekture, koji je sada počeo igrati ogromnu ulogu u društvu, kao sprovodnik demokratskih putova. Ovdje se odmah ukorijenio mletački pedagoški sustav, zasnovan na pomnom proučavanju okolnog života. Svoju ulogu odigrala je i činjenica da je Škola bila smještena daleko od glavnoga grada, kao usred narodnog života. Najistaknutiji od učenika Škole bio je V.G. Perov

Umjetnost u razdoblju 2. pol. odlikuje se visokim ideološkim sadržajem, strastvenim zanimanjem za rješavanje gorućih društvenih pitanja i narodnim karakterom. Služenje narodu postalo je jedan od glavnih ciljeva progresivnih ruskih umjetnika. Prvi put u povijesti ruske umjetnosti život radnog naroda postao je glavna tema djela demokratskih umjetnika. Ljudi nisu prikazani izvana, već kao iznutra. O njegovoj potlačenosti, teškom životu i bespravnosti govorili su umjetnici koji su postali branitelji naroda, od kojih su mnogi i sami potekli iz naroda. Ta su društveno kritična raspoloženja prodrla i u razrede Umjetničke akademije: 1861. njezin diplomirani V. Jacobi izvršio slikanje "Zaustavljanje zatvorenika". A 1864. slika je imala veliki uspjeh. K. Flavitsky "Princeza Tarakanova“, koja je posvećena misterioznoj zatvorenici tvrđave Petra i Pavla, koja se smatrala kćerkom Elizabete Petrovne.

Princeza Tarakanova (1864.)

Unatoč svim tim promjenama u javnom životu Rusije, Akademija umjetnosti u Sankt Peterburgu nastavila je braniti akademsku umjetnost, daleko od života, apstraktnu. I dalje se smatralo najvišom vrstom slikarstva povijesno slikarstvo uglavnom o mitološkim i religijskim temama. Zbog toga su napredni umjetnici, nespremni prihvatiti nazadna načela Akademije, došli u sukob sa starim sustavom nastave, što je rezultiralo otvorenim "pobuna 14. umjetnici. Maturanti, predvođeni umjetnikom Kramskoyem, odbili su nastupiti diplomski rad na zadanu mitološku temu. Tražili su slobodu u izboru teme. Vijeće Akademije diplomantima je odbilo njihov zahtjev, a zatim su oni u znak protesta napustili Akademiju, odbivši diplomu.

Po izlasku s Akademije 9. studenoga 1863. protestanti su se organizirali Artel umjetnika. Inicijator cijele afere bio je Ivan Nikolajevič Kramskoj. Članovi Artela iznajmili su stan i nastanili se zajedno. Kućanstvo je vodila Kramskojeva žena. Artel je ubrzo stekao priznanje. Često su je zvali "Akademija Kramskoj". Svakog četvrtka u večernjim satima u artelskoj radionici okupljali su se slikari i književnici. Na tim su se večerima raspravljalo o uzbudljivim pitanjima politike, društvenog života, umjetnosti - sve je to pridonosilo odgoju umjetničke mladeži, okupljanju umjetničkih snaga.

Artel je postojao oko 7 godina i raspao se 1870. Artel je zamijenjen novom umjetničkom udrugom - Udruga putujućih likovnih izložbi.

Vrlo važno mjesto u umjetnosti 19. stoljeća je aktivnosti P. M. Tretjakova, koji se pokazao pravim građaninom Rusije, pokrenuvši zbirku ruskog slikarstva i kiparstva, počevši od antike. Sav je novac trošio na kupnju slika, a često je novcem potpomagao siromašne talentirane umjetnike.

Glavno područje ruskog slikarstva druge polovice 19. stoljeća bilo je kućanski žanr. Vođa je bio miran seljačka tema. Lutalice prikazane narodni život, prikazujući društveni sukob između vladajućih i potlačenih klasa ruskog društva.Tradicija optuživanja nastavila se u slikarstvu. odlično mjesto uzima dječja tema.

U drugoj polovici 19. stoljeća u ruskoj je likovnoj umjetnosti došlo do reforme prema kojoj su mitološke, vjerske teme počele ustupati mjesto prikazu stvarnih povijesnih događaja. Početak ove reforme postavio je ruski umjetnik Ge N.N.

U ruskom pejzažu druge polovice 19. stoljeća odvija se oštra borba za uspostavljanje nacionalne teme. Izvanredni umjetnici Savrasov, Šiškin, Levitan i drugi ovih godina prekidaju s tradicijama "idealiziranog", "izglađenog", dalekog od života, uglavnom talijanskog i francuskog, akademskog krajolika i okreću se slici prirode svoje domovine. Izjava Černiševskog "Lijepo je život" naišla je na toplu reakciju među majstorima pejzažnog slikarstva. Predstavljajući prirodu u njenom svakodnevnom, prirodnom izgledu, Lutalice su u njoj pokazale široku poeziju i ljepotu.

U 2. polovici 20. stoljeća u ruskom se slikarstvu istaknulo nekoliko posebno bistrih, moćnih, talentiranih slikara, majstora povijesnog slikarstva - to su I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

Ruska umjetnost na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće oblikovala se u revolucionarnom raspoloženju. Dekadentni pogledi i pesimizam prodrli su u okruženje kreativne inteligencije. Estetske vrijednosti su se promijenile u društvu. U potrazi za vlastitim putem u umjetnosti mnogi su se umjetnici počeli udruživati ​​u razne umjetničke organizacije – udruge.

Godine 1903. mnogi su se realistički umjetnici ujedinili u "Savez ruskih umjetnika", gdje su nastavili tradiciju lutalica, pisali istinita, realistična djela. Izvanredni umjetnici ovog razdoblja bili su Serov, Vrubel, Nesterov, Rjabuškin itd.