Lühidalt 20. sajandi vene kunsti suunad. XX sajandi kaunite kunstide põhisuunad - SkillsUp - mugav disainitundide kataloog, arvutigraafika, Photoshopi õppetunnid, Photoshopi õppetunnid

Peeter I ajastu on kogu Venemaa uusaegse kunsti jaoks põhimõttelise tähtsusega.Venemaa pidi kõigis valdkondades, ka kultuuriehituse vallas, olema samal tasemel Lääne-Euroopa riikidega. Peeter mõistis lääne arenenud kunstikogemuse omandamise suurt tähtsust Venemaa jaoks. Osteti Lääne-Euroopa meistrite töid, korraldati Vene meistrite riigi kulul pensionärireise Euroopasse õppima, väliskunstnikke kutsuti tööle ja Venemaale vene meistreid koolitama.

I. N. Nikitin. Õue-hetmani portree. 1720. aastad Lõuend, õli.

Märkides muutusi vene kunstis, ei tohi unustada, et need põhinesid suurel ajaloolisel pärandil, valmistati ette kunstikultuuri varasema arengu käigus. XVII sajandi kunstis. ilmusid uued jooned, näiteks paleede ehitamine, hakati maalis portreežanri määrama, kuid kõige täielikumalt ilmnesid need 18. sajandi alguses. Rahvuslikud traditsioonid mõjutasid otsustavalt ka paljude Venemaal töötanud välismaiste meistrite töö iseloomu.

A. M. MATVEEV Automaatne vastamine naisega. Lõuend, õli.

Peetri transformatsioonide olemus kultuuriväljal on selle "ilmalikustumine". See tähendab, et kunst muutub ilmalikuks, see lakkab teenimast ainult religioosse kultuse huve. Kunsti kompositsioon muutub, ilmuvad uued kunstitegevuse liigid, žanrid ja lõpuks muutub ka pildikeel. Maali aluseks on vaatlus, maise looduse ja inimese vormide uurimine, mitte kanoniseeritud mustrite järgimine nagu keskajal.

Maaližanridest alates Peeter Suure ajast ja läbi 18. sajandi. esiosa muutub portreeks. Kahe vene portreemaalija - I. N. Nikitini ja A. M. Matvejevi looming tähistab psühholoogilise portree enda sündi.

V. L. Borovikovski. A. G. ja V. G. Gagarini portree. 1802. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva

Petrine'i ajastu tsiviil- ja paleeehitus on uus särav periood Venemaa arhitektuuri ajaloos.

Praktilise elukorralduse ülesannetele allutatuna mõisteti Peetri ajal kunsti kui kõrget oskust - "kunsti" igas äris, olgu see siis maalimine, skulptuur või laevamudeli või kellamehhanismide valmistamine. Kunsti sulandumine tehnoloogia, teaduse ja käsitööga määrab Petrine'i ajastu kultuuri erilise kunstilise ja insenerliku iseloomu. Mitte ainult riik, vaid ka Peeter I suurim kultuuriaktsioon oli Peterburi asutamine - noore Vene impeeriumi uus pealinn, millest on saamas uue kunsti keskus.

A. G. Venetsianov. Lõikusel. Suvi. 1820. aastad Lõuend, õli. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Kunst hakkab täitma elu ja igapäevaelu kaunistamise ülesandeid, omandab koos monumentaalse ulatusega piduliku, suurejoonelise ja dekoratiivse iseloomu. Need jooned väljendusid kõige eredamalt ja täiuslikumalt suure arhitekti VV Rastrelli – Tsarskoje Selo suure palee ja Peterburi Talvepalee ehitaja – loomingus – barokkstiili hiilgavates näidetes.

18. sajandi teine ​​pool - kaasaegse vene kunsti võimsa hiilgava õitsemise aeg. Õpipoisiõppe aeg Euroopaga on möödas. 1757. aastal asutatud Peterburi kunstiakadeemiast saab riikliku kunstipersonali sepikoda. Kunstihariduse süsteem korrastus, kontaktid Euroopa kultuurimaailmaga muutusid fokuseeritumaks. Kunstiakadeemia tegevuse algus langes kokku klassitsismi kehtestamisega – stiiliga, mis vastandas baroki dekoratiivsele pompsusele ja ekstravagantsusele range loogika, mõistliku selguse ja proportsiooniga, mida taasavastatakse antiikkunsti ja renessansi klassikalistes teostes. . Arhitektuuris tegutsevad sellised silmapaistvad arhitektid nagu V. I. Bazhenov - Moskvas asuva Paškovi maja autor, Peterburi Tauride palee ehitanud M. F., C. Cameron - suurejoonelise palee ja maastiku looja. aiandusansambel Pavlovskis Peterburi lähedal. Klassitsismi ajastuga seostub ka kodumaise skulptuuri tõus F. G. Gordejevi, I. P. Martose, M. I. Kozlovski, F. F. Štšedrini loomingus. F. I. Shubini portreeskulptuuri iseloomustab erakordne psühholoogiline läbinägelikkus, julgus ja kunstitehnikate paindlikkus, mis on võõrad tavapärastele skeemidele. 18. sajandi teisel poolel saavutatud vene kunsti küpsuse tunnistuseks on loominguliste indiviidide mitmekesisus, mis väljendub näiteks kahe suurima pildiportreekunstniku F. S. Rokotovi kunstilise stiili erinevuses. ja D. G. Levitsky. Levitski maal on täis sära, joovastust materiaalse maailma nähtavast ilust, köidab elu täiust, taasloodud inimtüüpide hämmastavat mitmekesisust, emotsionaalsete intonatsioonide rikkust – pidulikkust, graatsilisust, kelmikust, uhkust, koketeeritust jne. Rokotov 1770. aastate parimatel portreedel. ilmub intiimsete omaduste meistrina, mis avaldub näoilmete nüanssides ja varjundites, salapäraselt väreledes maaliliste taustade hämarusest. 18. sajandil portreekunsti hiilgava õitsengu lõpetanud V. L. Borovikovski loomingut iseloomustas sentimentalismi ideede ja meeleolude mõju.

F. S. Rokotov. A. P. Struiskaja portree (detail). 1772. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

19. sajandi algusega Vene kunstis toimuvad olulised muutused. Sajandi algust tähistas uue kunstivoolu – romantismi – sünd, mille esimene eestkõneleja oli O. A. Kiprensky. Vene maalikunst võlgneb plein-air-kirjanduse avastamise maastikul S. F. Shchedrinile. A. G. Venetsianovist saab vene argižanri rajaja. Pöördudes esimest korda talupojaelu kuvandi poole, näitas ta seda maailmana, mis on täis harmooniat, suursugusust ja ilu. Vastupidiselt akadeemilises esteetikas eksisteerinud vastandusele “lihtsa looduse” ja “elegantse looduse” vahel, avastati elegantne tegevusvaldkonnas, mida varem peeti kunsti vääriliseks. Venetsjanovi maalil kõlasid esmakordselt läbitungivad laulusõnad vene maaelu loodusest. Suurepärane õpetaja, ta kasvatab kunstnike galaktika, nagu A. V. Tyranov, G. V. Soroka jt. Nende töö üks juhtivaid žanre koos maastiku ja portreega on interjöör. Vene kunsti žanriline kompositsioon on rikastatud. Kujutades elu selle lihtsas, mittetseremoniaalses vormis, igapäevaelu rahulikus kulgemises, piltides oma sünnipärasest loodusest, muutsid nad kunstis ilu vastavusse tavaliste inimeste tunnetega, kes tajuvad ilu ja luulet kui puhkehetke ja vaikust, võitis igapäevamuredest ja -tööst. Samas tekib akadeemilisele koolkonnale vastandav pildisüsteem, süsteem, mis ei põhine mitte traditsioonilistel minevikumustritel, vaid harmooniliste mustrite ja luule otsingutel igapäevases, argireaalsuses. Reaalsus tungib tungivalt kunsti ja viib 40ndatesse. argi- ja satiirilise graafika õitsengule (V. F. Timm, A. A. Agin), mis on analoogia “loomuliku koolkonnaga” kirjanduses. See kunstiliin kulmineerub P. A. Fedotovi loominguga, mis toob igapäevapilti konflikti, arenenud dramaatilise tegevuse, millel on satiiriline sotsiaalne taust, sundides väliskeskkonda teenima ühiskonna sotsiaalsete, moraalsete ja hiljem psühholoogiliste omaduste eesmärke. tegelased. Akadeemilise koolkonna traditsiooniliste vormide ümbermõtestamisel tekivad ajaloolises maalikunstis sellised monumentaalsed loomingud nagu ühelt poolt K. P. Brjullovi "Pompei viimane päev" ja A. A. Ivanovi "Kristuse ilmumine rahvale", teiselt poolt. Ivanov rikastas maalikunsti süvendatud psühholoogilise arenguga, avastas uue, etüüdi meetodi suurel lõuendil töötamiseks. Klassikapärandi tark assimileerimine, selle ettekirjutuste kontrollimine oma vabas õhus maalimise kogemusega, loominguliste kontseptsioonide ulatus, suhtumine loomingulisesse kingitusse kui suuresse vastutusse rahva harimise ja vaimse kultuuri parandamise eest - kõik see tegi Ivanovi loomingust mitte ainult oskuskooli, vaid ka suureks õpetuseks kunstis humanismi alal.

O. A. Kiprensky. Poisi A. A. Tšelištševi portree. OKEI. 1809. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

19. sajandi esimene kolmandik - Vene arhitektuuri klassitsismi arengu kõrgeim etapp, mida tavaliselt nimetatakse impeeriumiks. Selle perioodi arhitektuuriline loovus ei seisne mitte niivõrd üksikute hoonete täiuslikus kujundamises, kuivõrd suurte tänavate ja väljakute arhitektuurse korralduse kunstis. Sellised on Peterburi linnaplaneerimisansamblid - Admiraliteedi (arhitekt A. D. Zahharov), Vassiljevski saare säärtel asuv Börs (arhitekt J. Thomas de Thomon), Kaasani katedraal (arhitekt A. N. Voronihhin). Paleeväljaku kompositsiooni valminud kindralstaabihoone autori K. I. Rossi ansamblid ning tema projekteeritud hoonete, tänavate ja väljakute kompleks Peterburis Aleksandrinski teatri ümbruses on suurejoonelise ulatusega. linnaplaneerimisest.

V. A. Tropinin. Arseni Tropinini poja portree. 1818. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Alates 1860. aastate algusest, pärisorjuse kaotamisest, on vene kunst saanud terava kriitilise fookuse ja kõneleb seega põhjapanevate sotsiaalsete transformatsioonide vajadusest. Kunst deklareeris seda, kujutades sotsiaalse ebaõigluse kurjust, paljastades ühiskonna pahesid ja haavandeid (enamik V. G. Perovi 1860. aastate teoseid). See vastandas tänapäevase elu stagnatsiooni kriitiliste ajalooliste epohhide (1880. aastate V. I. Surikovi maalid) transformeerivale jõule.

S. F. Štšedrin. Kuuvalge öö Napolis. 1828-1829. Lõuend, õli. Riiklik Vene Muuseum.

Tegelaste ja asjaolude tõesuse kombinatsioon elu tõepärase kujutamisega vormides, milles seda tavalistes igapäevakogemustes tajutakse, on kriitilise ehk demokraatliku realismi tunnus, millega kooskõlas on arenenud progressiivne vene kunst. alates 1860. aastate algusest. Selle uue kunsti toitainekeskkond ja peamine publik oli raznochintsy intelligents. Demokraatliku realismi õitseaeg XIX sajandi teisel poolel. seotud 1870. aastal asutatud Rändkunstinäituste Ühingu tegevusega (vt Rändurid). Rändajate ideoloogiline juht ja organisaator oli I. N. Kramskoy, üks sügavamõttelisemaid kunstnikke, andekas teoreetik, kriitik ja õpetaja. Tema suunava mõju all aitas TPES kaasa arenenud kunstijõudude koondamisele, publiku laienemisele ja demokratiseerumisele tänu kunstikeele kättesaadavusele, rahvaelu nähtuste igakülgsele kajastamisele, oskusele muuta kunst sotsiaalselt tundlikuks, võimekaks. teemade ja probleemide esitamine, mis puudutavad ühiskonda antud ajaloolisel hetkel.

A. I. Kuindži. Õhtu Ukrainas. 1878. Õli, lõuend. Riiklik Vene Muuseum. Leningrad.

1860. aastatel domineeris žanrimaal, 70ndatel portree (V. G. Perov, I. N. Kramskoi, N. A. Jarošenko) ja maastiku (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I (I. Šiškin, A. I. Kuindži, V. D. Polenov) roll. Suur roll rändurite kunsti edendamisel oli silmapaistval kunstikriitikul ja kunstiajaloolasel V. V. Stasovil. Samal ajal arenes P. M. Tretjakovi kogumistegevus. Tema galeriist (vt Tretjakovi galerii) saab uue realistliku koolkonna tugipunkt, tema kollektsiooni profiili määravad rändurite teosed.

Vene kunsti järgmine periood on 19. sajandi lõpp – 20. sajandi algus. 1980. aastad olid üleminekukümnend, mil rändrealism saavutas haripunkti I. E. Repini ja V. I. Surikovi loomingus. Nende aastate jooksul loodi vene maalikunsti meistriteoseid nagu "Streltsy hukkamise hommik", V. I. Surikovi "Boyar Morozova", "Usuline rongkäik Kurski kubermangus", "Propaganda arreteerimine", "Nad ei oodanud" autor I. E. Repin. Nende kõrval on uue põlvkonna artistid teistsuguse loomingulise programmiga - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Hiliskodanliku kapitalistliku arengu vastuolud avaldavad oma mõju ühiskonna vaimsele elule. Kunstnike meelest iseloomustab tegelikku maailma kodanliku ahnuse ja huvide väikluse häbimärgistus. Nad hakkavad otsima harmooniat ja ilu väljaspool näilist proosalist reaalsust – kunstilise fantaasia vallas. Selle põhjal elavneb huvi muinasjutu, allegooriliste ja mütoloogiliste süžeede vastu (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), mis viib sellise kunstivormi otsimiseni, mis on võimeline kandma vaataja kujutlusvõimet rahvaluule esitusviiside sfääri, mälestused minevikust või ebamäärased tulevikuaimustused. Modernsuse sisu kaudselt väljendavate kujundite ja vormide ülekaal selle vahetu peegelduse vormide ees on 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse kunsti üks eristavaid tunnuseid. Kunstikeele keerukus iseloomustab "Kunstimaailma" - 19.-20. sajandi vahetusel kujunenud kunstirühma - esindajate loomingut.

V. M. Vasnetsov. Alyonushka. 1881. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Sel perioodil saab määravaks juugendstiil. Koos maalikunstiga areneb aktiivselt arhitektuur, milles domineerivad juugendstiil, kunst ja käsitöö, raamatugraafika, skulptuur ning teatri- ja dekoratiivkunst. Kunstilise loovuse rakendusalad laienevad tohutult, kuid olulisem on kõigi nende valdkondade koostoime ja vastastikune mõju. Nendel tingimustel moodustub universaalse kunstniku tüüp, kes suudab "teha kõike" - maalida pilti ja dekoratiivpannoo, esitada raamatule vinjetti ja monumentaalmaali, skulptuuri skulptuuri ja teatrikostüümi eskiisi luua. Erineval määral märgivad sellise universalismi jooni näiteks M. A. Vrubeli ja Venemaa juugendstiili juhtiva arhitekti F. O. Shekhteli looming, aga ka kunstimaailma kunstnikud.

Vene maalikunsti evolutsiooni olulisimaid verstaposte sajandivahetusel tähistavad V. A. Serovi teosed, kelle looming on läbi imbunud soovist, kasutades uusi stiilivorme, vältida formalistlikke äärmusi, saavutada klassikalist selgust ja lihtsust, jäädes truuks realistliku koolkonna ettekirjutustele, selle humanismile, milles kaine - kriitiline maailmavaade on ühendatud ideega inimese kõrgest eesmärgist.

A. K. Savrasov. Rooks on saabunud. 1871. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Kunstielu 20. sajandi alguses. on enneolematu intensiivsusega. Revolutsioonilised sündmused 1905-1907 stimuleeris ühiskondlikult aktiivse kunsti arengut. N. A. Kasatkini, S. V. Ivanovi jt teosed kehastasid nende aastate tähtsamaid ühiskondlikke ja ühiskondlikke sündmusi, kuvandit töölisest kui revolutsiooni peamisest jõust. Paljud meistrid töötavad satiirilise poliitilise graafika ja ajakirjade koomiksite alal.

Kunstitraditsioonide ring, millele 20. sajandi kunst viitab, on ebatavaliselt lai. Rändurite elu jätkumise kõrval on Vene Kunstnike Liidu meistrite seas ka impressionistliku maali variant, sümbolism, mida esindavad V. E. Borisov-Musatovi looming ja ühingu Blue Rose kunstnikud.

K. A. Korovin. Talvel. 1894. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Soov ajakohastada kunstikeelt, viidates linna käsitöö ja rahvakunsti stiilile, mänguasjadele, populaarsetele trükistele, siltidele, lastejoonistustele, võttes samas arvesse uusima prantsuse maalikunsti kogemust, iseloomustab kunstnike tegevust. Jack of Diamonds" - 1910. aastal loodud selts. Selle suundade meistrite - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulovi - töös suureneb natüürmordi roll oluliselt. Vanavene maalikunsti traditsioonid saavad K. S. Petrov-Vodkini kunstis uue murdumise.

F. A. Vassiljev. Enne vihma 1869. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Märkimisväärse tõusu saavutab XIX-XX sajandi vahetusel. skulptuur. P. P. Trubetskoy toob sellesse impressionistlikke jooni. Tema portreekompositsioone eristab tabatud eluhetke teravus, peente varjundite rikkus. Pehmete materjalidega töötades andis Trubetskoy skulptuuri juurde tagasi materjali kaotatud tunnetuse, arusaamise selle väljenduslikest omadustest. 1909. aastal Trubetskoy loodud Aleksander III monument on kujundi groteskse lahenduse ainulaadne näide monumentide ajaloos. N. A. Andrejevi (1909) loodud monument N. V. Gogolile kuulub monumentaalskulptuuri märkimisväärsete saavutuste hulka.

A. S. Golubkina 1912. aasta skulptuuris "Istuv mees" ilmub pilt, mis sünteesib ideid kaasaegse proletaarlase saatusest - see on ajutiselt aheldatud, kuid täis mässumeelset jõuvaimu sümbol. S. T. Konenkovi loomingulisust eristab žanri- ja stiilivormide mitmekesisus. Revolutsiooniliste lahingute tõelisi muljeid kehastab skulptor portrees "1905. aasta töölissõdur Ivan Tšurkin". Mitte ainult näojooned, vaid ka kiviploki soliidsus, mida rõhutab töötluse ihnus, ei tekita kujutist hävimatust tahtest, mis on karastatud klassilahingu tules. A. T. Matvejevi loomingus on taaselustatud klassikalise skulptuuri traditsioonid.

S. A. Korovin. Maailmas. 1893. Õli, lõuend. Riiklik Tretjakovi galerii. Moskva.

Soov ümber mõelda ja uude ellu äratada peaaegu kõik inimkonna sajandite jooksul leiutatud kujundid ja vormid ning samal ajal formaalsed eksperimendid, mis mõnikord jõuavad kõigi traditsioonide eitamiseni - need on kunstilise olukorra äärmuslikud ilmingud. 20. sajandi alguse vene kunstis. Need äärmused ise olid aga indikaatoriks sügavale sisekonfliktile Venemaa elus revolutsiooni eelõhtul ja peegeldasid omal moel tolleaegset keerukust, mis tõi A. Bloki sõnul kaasa "kuulmatuid muutusi, enneolematuid mässu. ." Nendes tingimustes kasvas välja tundlikkus omaaegsete nähtuste suhtes, mille koos kõrge käsitöökultuuriga tõid Nõukogude kunsti revolutsioonieelse perioodi parimad kunstnikud (vt.

20. sajandi algus osutus pöördepunktiks maalikunstile, mis välkkiirelt, mitte ainult järele jõudes, vaid suuresti edestades peamisi Euroopa kunstikoolkondi, tegi ülemineku vanadelt analüütilise realismi põhimõtetelt kunstilise mõtlemise uusimatele süsteemidele. Algas modernism dekadents (fr. dekadents (alates lat. dekadents) - lagunemine, langus) ja sümboolika. kultuur modernism (alates fr. kaasaegne - uusim, kaasaegne), filosoofiline ja esteetiline liikumine 20. sajandi kirjanduses ja kunstis peegeldas endise maailmavaatetüübi kriisi, esteetika kriisi, mis võrreldes viimasega on saanud tuntuks klassikalisena. Kujutavas kunstis avaldus juugend kujundite sümboolika, allegoorialembus (maal), vormide voolavus, dünaamilised kompositsioonid ja silueti eriline ekspressiivsus (skulptuuris).

Venemaal esindasid sümbolistlikku suundumust elavalt ja mitmekesiselt mitte ainult kunstnikud, vaid ka luuletajad, sümbolismi luules ilmus puhtalt vene suund - akmeism. Analoogiliselt Puškini "kuldajastuga" nimetati seda vene luule ja kunsti õitseaja perioodi "hõbedajaks".

Selle kunstisuuna esindajad koondasid oma tähelepanu "asjade iseeneses" ja ideede kunstilisele väljendusele. tegelased, pealegi olid need asjad ja ideed ette nähtud millekski väljaspool inimese meelelise taju piire. Sümbolite abil püüti läbi murda nähtavast reaalsusest "varjatud reaalsustesse", maailma üliajalikku ideaalsesse olemusse, selle "kadumatusse ilu". Oma kunstiga väljendasid nad igatsust vaimse vabaduse järele, maailma sotsiaal-ajaloolise nihke traagilist aimdust, umbusaldust igivanade kultuuriliste ja vaimsete väärtuste kui kõiki maakera inimesi ühendava printsiibi vastu.

Kultuurikeskuse oluline roll XX sajandi alguses. mängib sümbolistlike luuletajate ja kunstnike loominguline ühendus "Kunstimaailm" (1898-1924), loodud Peterburis A.N. Benois ja SP. Diaghilev. Selle loosungi "kunst kunsti pärast" all kulgeva ühingu tegevus andis tõuke kunstiajakirjanduse, näitusetegevuse, molbertimaali, dekoratiiv- ja tarbekunsti ning kunstikriitika edasisele arengule. "Kunstimaailma" maale ja joonistusi iseloomustab rafineeritud dekoratiivsus, stiliseeritus, elegantne ornamentika. "Kunstimaailma" teene oli ka uue raamatugraafika, trükiste, teatrimaastike loomine. Tahtlikult objektiivne, praktiline Rändajate maal, kus iga žest, samm, pööre on sotsiaalselt suunatud, millegi vastu ja millegi kaitseks, asendub kunstimaailma mitteobjektiivse maaliga, mis on keskendunud sisemise pildilisuse lahendamisele. , mitte väliseid sotsiaalseid probleeme.

Ühingu liikmed olid oodatud osalejad Euroopa juhtivatel näitustel. Ühenduse "Kunstimaailm" näitusetegevusest võtsid aktiivselt osa 20. sajandi silmapaistvad kunstnikud: A.P. Ostroumova-Lebedeva, M.V. Dobužinski, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov, I.Ya. Bilibin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, Z.E. Serebryakova, St. Chekhonin, D.I. Mitrohhin ja teised. Filosoofid tegid koostööd ajakirja "Kunstimaailm" toimetajatega D.M. Merežkovski, V.V. Rozanov, L.I. Šestov. Paljudel 20. sajandi alguse kuulsatel luuletajatel olid kunstimaailmaga sõbralikud ja ärisuhted. - A.A. Blok, Andrey Bely (B.N. Bugaev), M.A. Kuzmin, F.K. Sologub, V.Ya. Brjusov, K.D. Balmont. Sidemeid hoiti teatritöötajate, heliloojate, koreograafidega K.S. Stanislavsky, M.F. Stravinsky, M.M. Fokin, V.F. Nižinski.

Orienteerumine 18. sajandi – 19. sajandi alguse rahvusliku kunstikultuuri traditsioonidele. pidi kunstimaailma hinnangul aitama kaasa vene kunsti taaselustamisele. Ühingu kunstnikele meeldis saksa romantiline kirjandus, brittide modernistlik maalikunst ja prantslaste impressionism.

"Kunstimaailma" inspireerija ja korraldaja, kunstnik, kunstiteadlane ja kriitik A.N. Benoit (1870-1960) lõi romantilise historitsismi stiili, andes ajakirjade ja raamatute illustratsioonides edasi möödunud ajastute hõngu. Benois oli oma kunstikriitikat käsitlevates töödes esimene, kes põhjendas vene rahvusliku kunstitraditsiooni algupäraseid jooni teiste Euroopa koolkondade taustal. Monumentaalne panus maailma kunstiajalukku oli tema neljaköiteline "Kõigi aegade ja rahvaste maalimise ajalugu" (1917). Teadlase ja kunstnikuna võitles ta aktiivselt halva maitse ja barbaarse suhtumise vastu ajaloo- ja kunstimälestistesse, astus vastu vene avangardile, osales muuseumitöös (1918. aastal juhtis Ermitaaži kunstigaleriid). 1926. aastal, olles pettunud revolutsioonist, asus Benois elama Pariisi.

"Kunstimaailma" üks säravamaid esindajaid L.S. Bakst (1866-1924) sai kuulsaks kuulsate dekoraatorina "Vene aastaajad" Pariisis. Ta stiliseeris oma töödes antiikseid ja idamaiseid motiive, luues keeruka ja dekoratiivse fantastilise vaatemängu. Baksti käsi kuulus Aleksandria teatri "iidsete" etenduste kujundusse. Aastatel 1909-1914. Bakst kavandas kaksteist etendust "Vene balletid" SP. Diaghilev.

Pärast 1915. aastat sai Moskvast uuendusliku kunsti pealinn. Aastatel 1916–1921 kujunesid just siin maalikunsti avangardsed tendentsid. Tugevuse kogumine Ühing "Jack of Diamonds" (P.P. Kontšalovski, A.V. Kuprin, P.P. Falk, A.V. Lentulov, N.A. Udaltsova ja teised) ja ring "Supremus" (K.V. Malevitš, O.V. Rozanova, I.V. Klyun, L.S. Popova). Moskvas ja Peterburis tekivad aeg-ajalt uued suunad, ringkonnad ja seltsid, uued nimed, mõisted ja käsitlused. 1917. aasta revolutsioon sundis maalikunstnikke oma uuenduslikud katsetused töökodade suletud ruumist üle kandma linnatänavate avatud aladele. Avati kunstiülikoolid, Moskvas loodi kunstikultuuri instituut (Inkhuk) ja kõrgemad kunsti-tehnilised töökojad (Vkhutemas).

XIX-XX sajandi vahetusel. Vene kunst, mida seni õpetasid üliõpilased, sulandub Lääne-Euroopa kunstiliste otsingute üldisesse peavoolu. Venemaa näitusesaalid avavad oma uksed Euroopa kunsti uuele loomingule: impressionism, sümbolism, fovism, kubism. XX sajandi alguses. Moskvas avatakse tohutud kaasaegse kunsti galeriid ja erakogud. Nüüd tuleb Picasso ja Matisse’i loominguga tutvumiseks minna Venemaale, mitte ainult Londonisse, Pariisi või Madridi.

Venelased alles arenevad prantsuse fovism, ja siin on saksa keel ekspressionism, milles vene komponent (V.V. Kandinsky, A.G. Yavlensky, M.V. Verevkina - Müncheni Blue Rideri grupi tuumik) mängis juhtivat rolli, ei suuda neid miski üllatada. Järk-järgult hakkasid Venemaal moodi seadma kaks Euroopa kunstisuunda - prantsuse kubism ja Itaalia futurism. Kubism on aga omandanud meie riigis spetsiifilise "abstraktse" kõla.

Eelkõige järjekindel kubo-futurist oli ühingu "Jack of Diamonds" üks asutajatest A.B. Lentulov (1882-1943). Kunstnik töötas välja originaalse futuristliku paneelitüübi, mis tõlgendab maailma kui dünaamiliste värvide ja vormide kaleidoskoopi ("Võidulahing", 1914). Tema lummavalt pidulikud, justkui lagunevad või, vastupidi, värvikirevatest elementidest esile kerkivad kujundid Moskva iidsest kirikuarhitektuurist ("Vassili Õnnis", 1913; "Helisev" ("Ivan Suur kellatorn", 1915 jne). .) loovad mulje – optimistlik kõla.

Sama entusiastliku vastuvõtu pälvis Venemaal Itaalia futurism, mis Pariisis ja Münchenis põlgusega tagasi lükati. Liikumine, mis sai Venemaal nime "futurism" (lat. futurum - tulevik), oli rikkam ja mitmekesisem kui see, mida esindas Itaalia futurism. Kubismi ja futurismi traditsioone koormamata, nagu Prantsusmaa ja Itaalia, katsetasid venelased ohjeldamatult, saavutades sünteesi, mida isegi pariislased ei saanud endale lubada. Vene süntees oli peamiselt kontseptuaalne. See oli Peterburi ühingusse "Noorte Liit" ühinenud arvukate kunstnike rühmituste loomingu tulemus.

Kunstijõudude polariseerumine 20. sajandi alguses, paljude kunstigruppide vastuolulisus hoogustas näituse- ja kirjastustegevust (kunstivaldkonnas).

Vene kunstnike esimesed katsetused abstraktse kunsti vallas pärinevad 90ndatest. XIX sajandil, mille üks esimesi manifeste oli raamat M.F. Larionova "Luchism" (1913) ning tegelikud teoreetikud ja praktikud olid V.V. Kandinski (1866-1944) ja K.S. Malevitš (1878-1935). Samal ajal on K.S. Traditsiooni elujõust andis tunnistust Petrov-Vodkin, kes deklareeris järjestikust seost iidse Vene ikoonimaaliga ("Punase hobuse suplemine", 1912).

Erakordselt oluline koht abstraktse maalikunsti arengus kuulub säravale vene kunstnikule, poeedile ja kunstiteoreetikule V.V. Kandinski (1866-1944). Kandinsky pärines jõukast Nerchinski kaupmeeste perekonnast, kes olid süüdimõistetute järeltulijad. Nagu Moskva suurkodanlusele kohane, õppis Kandinski Moskva ülikoolis õigusteadust ja majandust, kuid juristikarjäär teda ei köitnud. 1889. aastal käis ta etnograafilisel ekspeditsioonil Vologda kubermangus, kus tutvus iidse Vene ikoonimaali ja rahvakunstiga. Teine oluline sündmus tema kunstilises arengus oli Claude Monet' maal "Heinakuhjas", mida vaadeldes oli neil aastatel üliõpilane Kandinsky. Õigusteaduskond Moskva ülikool, tundis, et "sellel pildil pole ühtegi objekti". Sellest hetkest alates kaotas teema Kandinsky jaoks oma endise tähtsuse. Tasapisi tõrjus maalikunst õigusteaduse välja: 1896. aastal astus ta tagasi Derpti (Tartu) Ülikooli professori kohalt.

1900. aastate alguses Kandinsky reisis palju Euroopas ja Põhja-Aafrikas, kuid valis oma alaliseks elukohaks Müncheni (1902–1908). 1910. aastal lõi ta esimese abstraktse teose - kaootilise paigutuse värvilistest laikudest ja joontest, mis ei kujuta ega tähista midagi, ning kirjutas traktaadi pealkirjaga "Vaimsusest kunstis". Sellest hetkest hakkas 20. sajandi kunstis arenema uus suund nn abstraktne. Kandinsky uskus, et inimkonna arengus on tekkimas uus ajastu, kujunemas on tulevikuinimeste rass. Nende jaoks on väärtuslik sisemine ja vaimne maailm. 1911. aastal lõi ta koos Franz Marc Kandinskyga kuulsa Blue Rider Associationi. Kunstnikud korraldavad näitusi, korraldavad almanahhi väljaandmist. Ajavahemik 1909–1914 oli kõige intensiivsem: Kandinsky maalis umbes kakssada maali, mis koondati kolme tsüklisse: "improvisatsioonid", "kompositsioonid", "muljed", sageli seerianumbrite ja subtiitritega.

Sõja puhkemisega 1914. aastal oli Vene alama Kandinski sunnitud Saksamaalt lahkuma. Moskvasse naastes osaleb ta aktiivselt kunstielus: osaleb maalikultuuri muuseumi loomises (kokku osales 22 provintsimuuseumi loomises), õpetab ülikoolis ja Vkhutemas. 1920. aastal oli Kandinsky Inkhuki algataja.

Vene avangardi üks keskseid tegelasi oli VE. Tatlin (1885-1953), peetakse asutajaks konstruktivism, liikumist, mis kuni 1921. aastani oli võimude poolt ametlikult tunnustatud revolutsioonilise kunsti juhtiva suunana. Ta elas huvitavat, sündmusterohket elu. 1900. aastate lõpus – 1910. aastate alguses. kunstnik sai lähedaseks kodumaiste avangardkunstnikega, eelkõige M.F. Larionov ja N.S. Gontšarova, luuletajad Velimir Khlebnikov, A.E. Kruchenykh, mille hulgas ta kiiresti ühele esikohale tõusis. Pärast Oktoobrirevolutsiooni oli Tatlin energiliselt kaasatud ühiskonna- ja kunstiellu: 1917. aastal oli ta maalikunstnike kutseliidu "noorte fraktsiooni" esimees, aastast 1918 - Hariduse Rahvakomissariaadi Moskva Kunstikooli esimees, algataja. uut tüüpi muuseumide ("kunstikultuuri muuseumid") loomisest, Vasakpoolsete Kunstiliikumiste Ühenduse esimees (1921-1925), juhtis Ginhuki materiaalse kultuuri osakonda (1923-1925) Petrogradis.

Konstruktivismi olemus oli abstraktse kunsti praktilise ja utilitaarse kasutamise idee. Tatlin ja konstruktivistid said kuulsaks 20. sajandi alguse ühe suurejoonelisema ehitisega. - III Kommunistliku Internatsionaali (1919-1920) monument. 400 m kõrgune spiraaltorn koosnes kuubist, püramiidist ja silindrist, mis oli mõeldud mahutama kongressisaale, erinevaid asutusi ja raadiojaama, mis pidi kõlarite kaudu infoteateid levitama. "Tatlini torn", mis oli poolteist korda kõrgem Eiffeli tornist, oli mõeldud Kominterni administratiivseks ning agitatsiooni- ja propagandakeskuseks – organisatsiooni, mis valmistas inimkonda ette maailmarevolutsiooniks. Metallist taladest ja neljast erineval kiirusel pöörlevast läbipaistvast mahust konstruktsioon pidi mahutama Kominterni täidesaatva, seadusandliku ja propagandainstitutsiooni. Tehnoloogiliselt uute materjalide ja abstraktsete vormide kasutamine, millel puudus igasugune traditsiooniline maitse, peegeldas selgelt revolutsiooni vaimu. Tatlin ise pidas oma loomingut erinevate kunstide sünteesi kõrgeimaks punktiks.

Teine silmapaistev konstruktivismi kuju oli El Lissitzky (pseudonüüm L.M. Lissitzky) (1890-1941), tuntud kui andekas vene graafik, illustraator, tüpograaf, arhitekt, fotograaf, teoreetik ja arhitektuurikriitik, üks uue kunstiliigi – disaini – loojaid. Tema loomingu huvitavaim periood on seotud Vitebskiga, mis 1919.-1921. oli peaaegu kogu Venemaa kunstimeka. Piisab, kui öelda, et Marc Chagall, kes juhtis Rahvakunstikooli, Kazimir Malevitš, kes asutas grupi UNOVIS, ja El Lissitzky, kes juhtis Chagalli töökoda ning kavandas koos Malevitšiga Vitebski tööpuuduse vastu võitlemise komitee aastapäeva pidustused. (1919), elas ja töötas siin. Vitebskis leiutas ja arendas Lissitzky välja oma versiooni kolmemõõtmelistest suprematistlikest kompositsioonidest, mida ta nimetas. "prouns" (projektid uue kinnitamiseks). Autori sõnul sünteesisid prounid suprematismi ja konstruktivismi meetodid, toimides "siirdejaamana maalilt arhitektuurile". Nad mängisid kujundusetapi rolli disainiarenduste loomisel: kuulsad "horisontaalsete pilvelõhkujate" projektid, teatrimudelid, dekoratiivsed ja ruumilised installatsioonid, paviljonide ja näituseinterjööride projektid, uued fotograafia ja fotomontaaži põhimõtted, plakat, raamat, ja mööblidisain kasvas hiljem välja prounidest.

Lissitzky osales üleeuroopalises konstruktivismi liikumises, olles mõistnud oma hoiakuid disaini kui rahvusvahelise keele kommunikatiivsesse rolli, mis on mõistetav väljaspool verbaalse suhtluse vorme.

Konstruktivism osutus äärmiselt viljakaks mitte niivõrd fundamentaalses kui rakenduskunsti sfääris. Temalt pärinevad kaks 20. sajandi kultuurilist ettevõtmist. - disain ja kunsti valmistamine, mida peetakse disaini haruks või suunaks. Esimene pälvis ülemaailmse tunnustuse, teine ​​jäi "kodukootud" tasemele.

Üks XX sajandi kunsti võtmefiguure. on geniaalne vene maalikunstnik, graafik, raamatuillustraator, kunstiteoreetik P.N. Filonov (1881 -1941), vene avangardi iseseisva suuna looja - nn. analüütiline kunst. Noorte Liiduga liitumine 1910. aastal ja lähenemine Gilea rühmituse liikmetega (V. V. Hlebnikov, V. V. Majakovski, V. V. Kamenski, A. E. Krutšenõhh, vennad Burliukid jt) mõjutas Filonovi kujunemist, kellest sai peagi üks silmapaistvamaid. Vene avangardi maalijad. Aastatel 1916-1918. ta võitles rindel ja 1920. a. lõi kodusõjale pühendatud teoste seeria, revolutsioon, Petrogradi proletariaat sai Ginkhuki organiseerijaks Petrogradis.

Filonov nimetas end kunstnikuks-uurijaks, mõistes pildi loomise protsessi kui selle struktuuri iga mikroelemendi uurimise protsessi. Ta kuulutas oma analüüsimeetodi aluseks "valmisoleku printsiibi": pildipinna iga ruutmillimeetri hoolikas läbitöötamine oli tingimuseks isegi suure pildi loomisel. Suured lõuendid maaliti väikese pintsliga. Iga löök tähendas "tegevuse ühikut", mis nõudis ülimat loomingulist pingutust. Filonovi meetod eeldas, et vaataja ei peaks aktsepteerima mitte ainult seda, mida kunstnik maailmas näeb, vaid ka seda, mida ta sellest teab. Filonov väitis, et kunstiline pilt peaks lisaks vormile ja värvile väljendama ka Kogu maailm nähtavad ja nähtamatud nähtused, tuntud ja salajased omadused, millel on lugematu hulk predikaate. Filonovi teosed ("Maailma õitsengu valem", 1916; "Rumose valem", 1919; "Lääs ja Ida", 1913 jt) kinkis tema õde Riiklikule Vene Muuseumile.

Üks suurimaid sürrealismi esindajaid oli M.Z. Chagall (1887-1985). Ta sündis Vitebskis, kuid 1922. aastal emigreerus välismaale. Revolutsioonieelsel Vitebski ja Petrogradi ajal loodi eepilised maalid Armastajate tsüklist, žanrist, portreest ja maastikukompositsioonidest. 1920.-1930. aastatel. Chagall reisis paljudesse maailma riikidesse, sõbrunes P. Picasso, A. Matisse’i, J. Rouault’, P. Bonnard’i, P. Eluard’i jt. Prantsusmaast sai tema teine ​​kodu.

Kuni oma elupäevade lõpuni nimetas Chagall end "vene kunstnikuks", rõhutades oma perekondlikku ühist vene traditsiooniga, mis hõlmas ikoonimaali, Vrubeli loomingut ja nimetute siltide tööd ning vasakäärmuslaste maalimist. Chagalli ebatavalistel lõuenditel kulges tegevus eriseaduste järgi, kus sulandusid minevik ja tulevik, fantasmagooria ja igapäevaelu, müstika ja tegelikkus. Teoste nägemuslik (unistav) olemus koos kujundliku algusega, sügava "inimliku mõõtmega" tegi Chagallist selliste suundade nagu ekspressionism ja sürrealism eelkäija. Igapäevase reaalsuse tema lõuenditel pühitsesid ja vaimustasid igavesti elavad müüdid, elutsükli suured teemad - sünd, pulm, surm.

Revolutsioonijärgsel perioodil toimus Venemaal lõhenemine nn vasak- ja parempoolseteks kunstnikeks. Seda seletati asjaoluga, et Oktoobrirevolutsiooni võiduga asus Nõukogude valitsus viivitamatult ellu viima uut kultuuripoliitikat. See tähendas ajaloos enneolematu kultuuritüübi – proletaarse – loomist, mis põhines kõige revolutsioonilisemal ja arenenumal, nagu tollal arvati, marksismi ideoloogial, uut tüüpi inimese kasvatamisel, universaalse kirjaoskuse levikul ning valgustus, monumentaalsete kunstiteoste loomine, mis ülistavad tavainimeste tööalase ärakasutamist jne. Nagu arvati, pidi proletaarne kultuur asendama aadli- ja kodanliku kultuuri. Avangardistid (Kandinsky, Malevitš, Chagall, Tatlin jt), kes juba revolutsioonieelsel ajal kuulutasid kunstis uusi põhimõtteid, võtsid muutused vastu entusiastlikult ja hakkasid oma loomingut nimetama "vasakpoolseks kunstiks". Kuid aja jooksul hakkasid nad ja teised artistid, sealhulgas sellised säravad artistid nagu M.F. Larionov, N.S. Gontšarova, M.V. Dobužinski, V.M. Kustodiev, Z.E. Nõukogude režiimis pettunud Serebrjakova lahkus Venemaalt. Loomeintelligentsi emigreerumisega lõppes vene kunsti ja vene kirjanduse "hõbedaaeg".

Teine leer, mida võib nimetada "õigeks", oli poliitiliselt angažeeritud kunstnike kogukond, kes seisis sotsialistliku realismi kindlatel põhimõtetel. "Õige" laager oli heterogeenne ja selles on näha vähemalt kahte suunda. Esimene suund äratas ellu 19. sajandi rändajate traditsioonid. ja koondati 1922. aastal loodud "Revolutsioonilise Venemaa Kunstnike Ühenduse" (AHRR) ümber, mille liikmed (I.I. Brodsky, A.M. Gerasimov, M.B. Grekov, B.V. Ioganson, E.A. Katsman, G. G. Rjažski) nägid oma ülesannet kujutada aastal. kunstiline vorm triumfirongkäigust läbi Nõukogude võimu riigi. Teemadeks saavad talupoegade ja tööliste igapäevane õnnelik elu, punaarmee sõdurite vägiteod, partei ja valitsuse mure tavainimeste pärast. "kangelaslik realism". Üks AHRRi suurimaid artiste I.I. Brodski (1883-1939) loob Lenini portreede galerii ning ajalooliste ja revolutsiooniliste maalide tsükli, sealhulgas kuulsa maali "26 Bakuu komissari hukkamine" (1925). Teised ahrroviidid on spetsialiseerunud kangelasportreedele: A.M. Gerasimov ("Lenin poodiumil", 1930), SV. Maljutin (Furmanovi portree, 1922), H.A. Andrejev (Stalini portree, 1922), B.V. Jogaison ("Kommunistide ülekuulamine", 1933). Revolutsiooni kangelaste grupipildid on loonud M.B. Grekov ("Tachanka", 1925), K.S. Petrov-Vodkin ("Komissari surm", 1928), A.A. Deineka ("Petrogradi kaitse", 1928). Sotsialistliku realismi teine ​​suund on seotud kodumaa ilu ülistamisega. Näiteks K.F. Yuon lõi rõõmsaid pleenir-maastikke, I.I. Mashkov, kes oli "Teemantide jack" üks loojaid, maalib ekspressiivseid värvilisi maastikke ja natüürmorte, A.E. Arkhipov oli spetsialiseerunud lüürilistele maastikele ja rõõmsameelsete talunaiste kujutistele.

1930. aastate teosed pühendatud kas õnneliku küla ülistamisele pärast kollektiviseerimist (SV. Gerasimov "Kolhoosipuhkus", 1937) ja armee vaprusele ja tugevusele (S. A. Tšuikov "Piiril", 1938) või parteijuhtidele, kelle hulgas ka Stalin on juhtival kohal.

AHRR, keda toetasid võimud, pidas halastamatut võitlust arvukate avangardliikumistega ning paljud kunstnikud pidid lõpuks põranda alla minema, emigreeruma ja kohtu alla andma. Kultuuritegelased hakati ideoloogilisse vastasseisu kaasa tõmbama pärast filosoofe ja parteifunktsionääre. Nii kuulutab ühendus NOZH (Uus Maalikunstnike Selts), mille juhiks on G. G. Rjažski, uue traditsioonil põhineva maali loomist. Kunstnike selts "Genesis" (P.P. Konchalovsky, A.V. Kuprin jt) rõhutab materialistlikku maailmanägemust ja süžee tähtsust.

Avangardistlike suundumuste kõrvaldamine kunstimaastikult lõppes 23. aprillil 1932, kui Üleliidulise bolševike kommunistliku partei keskkomitee andis välja määruse "Kirjandus- ja kunstiorganisatsioonide ümberkorraldamise kohta", mis viis selle loomiseni. ühtsetest loomeliitudest. Nüüdsest avab M. Gorki väljatöötatud mõiste "sotsialistlik realism" ametlik kasutamine ja selle sätete teoreetiline sõnastus uue perioodi: kunstnikud ei tohiks teenida "puhta kunsti" ideid, vaid kunstnike ideaale. kommunistlik partei ja panustavad sotsialismi ülesehitamisse.

Kunstiõhkkonna halvenemine riigis hakkas tunda andma kohe pärast Lenini surma 1924. aastal, nendel aastatel tugevnes parteikontroll, ajaleht Pravda pühendas oma leheküljed sõnavõttudele "väikekodanlusest inspireeritud abstraktsete väljamõeldiste" vastu. Bolševike partei keskkomitee kutsub kunstnikke üles looma realistlikku massidele kättesaadavat revolutsioonilise propaganda kunsti.

K. Malevitši loomingut kritiseeritakse teravalt, kunstnikku ennast vahistatakse korduvalt. Selle tulemusena pärast rasket haigust 20. sajandi silmapaistev uuendaja. sureb. Samal 1920. aastatel. P. Filonov ja tema õpilaste rühm "Analüütilise Kunsti magistrid" (MAI) langesid ideoloogilise tagakiusamise alla. 1924. aastaks lakkas Inkhuki maalikultuuri muuseum eksisteerimast. Löögid nõukogude avangardismi pihta tulevad üksteise järel. V. Kandinsky ja El Lissitzky olid sunnitud Venemaalt lahkuma ja asuma elama Saksamaale. 1930. aastatel neid hakatakse halvustama kui V. Tatlini "formalistlikku" teost. Venemaal eksisteerimise pinnase kaotanud mitteobjektiivne kunst meeldib lääne publikule. Selle traditsioonid on juba pärinud Euroopa kunstnikud.

Suure Isamaasõja algusega seisab kaunite kunstide ees uus ülesanne – kasutada kunsti jõudu relvana vaenlase vastu. Seetõttu tõusis plakat graafikas (nagu revolutsiooniaastatel) esiplaanile. Sõja esimesel kahel aastal domineeris selles dramaatiline kõla. Juba 22. juunil ilmus Kukryniksy plakat "Me alistame ja hävitame vaenlase halastamatult!" Kõik teavad I. Tondze plakatit "Isamaa kutsub" (1941). Pärast sõja pöördepunkti meeleolu ja kujundlik ülesehitus muutuvad: L. Golovanovi plakat „Jõuame Berliini!“ on läbi imbunud optimismist ja rahvahuumorist. (1944).

Sõja-aastatel ilmusid märkimisväärsed molbertigraafika teosed: kiired, dokumentaalselt täpsed rindejoonised, portreejoonised võitlejatest, partisanidest, meremeestest, meditsiiniõdedest, sõjamaastikest, aga ka rida graafilisi lehti ühel teemal (näiteks , D. Šmarinovi graafiline seeria "Ära unusta, me ei andesta!", 1942).

Pärast sõda oli peateemaks rahumeelne töö. Värvuselt rõõmsad, kõlavad maalid A. Plastovilt "Heinategu" (1945), T.N. Yablonskaja "Leib" (1949), A.A. Mülnikov "Rahulikel põldudel" (1953), "Traktoristi õhtusöök" (1951). Maastikužanris asendub kujutlus sõjast väänatud maast inimesega kooskõlas oleva looduspildiga (S.A. Tšuikov "Hommik", 1947). Eepiline algus on tüüpiline M. Saryani loomingule. Ka portree areneb. Selles žanris töötavad P. Korin, I. Grabar, M. Saryan.

1940.-1950. aastatel. seoses hävinud linnade taastamise ja uusehitusega areneb intensiivselt monumentaal- ja dekoratiivkunst. Monumentaalmaal leiab rakendust avalike hoonete kaunistamisel, järk-järgult tungib see kohvikute, klubide, lasteaedade väikestesse ruumidesse. Selle kaunite kunstide valdkonna juhtivad meistrid olid A. Deineka, V. Favorsky, P. Korin. P. Korin lõi mosaiike ka Moskva metroole.

1950. aastatel graafika areneb aktiivselt - trükitud molbertigraafika erinevates tehnikates: puugravüürid, linoollõiked, litograafiad, ofordid. Selle perioodi trükk on aineliselt mitmekesine – need on igapäevatöö, portree, maastik, natüürmort, kodumaised, žanristseenid.

1950.-1960. aastate vahetusel. kunstielu aktiveerub. 1957. aastal toimus I üleliiduline nõukogude kunstnike kongress, kus võeti kokku mineviku tulemused ja määrati viisid. edasine areng Nõukogude kunst. Samal aastal toimus ka üleliiduline kunstinäitus, mille ekspositsioon ehitati vabariikidesse.

Igas kujutava kunsti liigis otsitakse uusi väljendusvahendeid. Kunstnikud arendavad uut, nn karmi stiili (A. Kamensky) – taasluua reaalsus ilma 1940.–1950. aastate jaoks tavapärase. hiilgus ja konfliktivabadus. Kunstnikud N. Andronov, P. Nikonov, V. Popkov jt pöördusid vaoshoitud, üldistatud vormi poole, nende maalide kompositsioon on lapidaarne, joonistus julm ja lakooniline, koloriit tinglik.

1970.-1980. aastatel. ilmub uus põlvkond kunstnikke - O. Bulgakov, T. Nazarenko, N. Nesterova, A. Sitnikov jt. Nad mõtlevad palju traditsioonile, ajaloole, ilust. Nende maalimisstiil on rikas teatraalse vaatemängu poolest, kunstiline, virtuoosne. Monumentaal- ja dekoratiivkunsti roll kasvab.

Viimaste aastakümnete kodumaine kunst on äärmiselt mitmekesine. Perestroika algusega legaliseeriti mitmesugused mitteametlikud ja "põrandaalused" ühendused.

Kaasaegne vene kunst areneb mitmekülgsetes, vabades vormides ja seega toimub praegu üleminek monostilismist polüstilismile.

See artikkel sisaldab 20. sajandi peamiste kunstistiilide lühikirjeldust. Kasuks tuleb nii kunstnike kui ka disainerite tundmine.

Modernism (prantsuse keelest moderne modern)

kunstis 19. sajandi teisel poolel kinnistunud kunstisuundade kumulatiivne nimetus uute loominguliste vormide näol, kus ei domineerinud mitte niivõrd loodusvaimu ja traditsiooni järgimine, vaid meistri vaba vaade. , vaba muutma nähtavat maailma oma äranägemise järgi, järgides isiklikku muljet, sisemist ideed või müstilist unistust (need suundumused jätkasid suuresti romantismi joont). Impressionism, sümbolism ja modernism olid selle olulisemad, sageli aktiivselt vastastikku mõjuvad suunad.Nõukogude kriitikas rakendati “modernismi” mõistet antiajaloolises mõttes kõigi 20. sajandi kunstivoolude puhul, mis ei vastanud sotsialistliku realismi kaanonitele. .

Abstraktsionism(kunst "nullvormide" märgi all, mitteobjektiivne kunst) - kunstisuund, mis kujunes välja 20. sajandi esimese poole kunstis, keeldudes täielikult reprodutseerimast reaalse nähtava maailma vorme. Abstraktsionismi rajajateks peetakse V. Kandinsky, P. Mondrian ja K. Malevitš. W. Kandinsky lõi oma tüüpi abstraktse maali, vabastades impressionistlikud ja "metsikud" laigud igasugustest objektiivsuse märkidest. Piet Mondrian jõudis oma mõttetuseni läbi looduse geomeetrilise stiliseerimise, mille algatasid Cezanne ja kubistid. 20. sajandi abstraktsionismile keskendunud modernistlikud suunad väljuvad täielikult traditsioonilistest põhimõtetest, eitades realismi, kuid jäävad samal ajal kunsti raamidesse. Kunstiajalugu koos abstraktsionismi tulekuga koges revolutsiooni. Kuid see revolutsioon ei tekkinud juhuslikult, vaid täiesti loomulikult ja seda ennustas Platon! Oma hilisemas teoses Philebus kirjutas ta joonte, pindade ja ruumivormide ilust iseenesest, mis ei sõltu nähtavate objektide jäljendamisest, igasugusest mimeesist. Selline geomeetriline ilu, erinevalt looduslike “ebakorrapäraste” vormide ilust, ei ole Platoni sõnul suhteline, vaid tingimusteta, absoluutne.

Futurism- kirjanduslik ja kunstiline suundumus 1910. aastate kunstis. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Futurismi oluline kunstiline idee oli liikumise kiiruse plastilise väljenduse otsimine tänapäevase elutempo peamise märgina. Futurismi venekeelset versiooni nimetati kybofuturismiks ja see põhines prantsuse kubismi plastiliste printsiipide ja euroopaliku futurismi üldesteetilise installatsiooni kombinatsioonil. Ristumiste, nihkete, põrkumiste ja vormide sissevoolude abil püüdsid kunstnikud väljendada tänapäeva inimese, linnaelaniku muljete muserdavat paljusust.

Kubism- "kõige täielikum ja radikaalsem kunstirevolutsioon pärast renessanssi" (J. Golding). Maalijad: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubism - (prantsuse cubisme, kuubist - kuubik) suund 20. sajandi esimese veerandi kunstis. Kubismi plastiline keel põhines objektide deformatsioonil ja lagunemisel geomeetrilisteks tasapindadeks, vormi plastilisel nihkel. Paljud vene kunstnikud on läbi elanud kubismi vaimustuse, kombineerides selle põhimõtteid sageli teiste kaasaegsete kunstisuundade – futurismi ja primitivismi – tehnikatega. Kubofuturism kujunes kubismi tõlgendamise spetsiifiliseks variandiks Venemaa pinnal.

Purism- (prantsuse purisme, ladina keelest purus – puhas) 1910. aastate lõpu ja 20. aastate suund prantsuse maalikunstis. Peamised esindajad on kunstnik A. Ozanfan ja arhitekt C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Lükkades kõrvale 1910. aastate kubismi ja teiste avangardistlike liikumiste dekoratiivsed tendentsid, nende poolt omaks võetud looduse deformatsioonid, püüdlesid puristid stabiilsete ja kokkuvõtlike, justkui detailidest „puhastatud” objektivormide ratsionaalselt korrastatud ülekandmise poole. "esmased" elemendid. Puristide töid iseloomustab lamedus, kergete siluettide sujuv rütm ja sama tüüpi esemete (kannud, klaasid jne) kontuurid. Olles mitte arenenud molbertivormides, kajastusid sisuliselt ümbermõeldud purismi kunstilised põhimõtted osaliselt ka kaasaegses arhitektuuris, peamiselt Le Corbusier' hoonetes.

Serrealism- kirjanduse, maalikunsti ja kino kosmopoliitne liikumine, mis tekkis 1924. aastal Prantsusmaal ja lõpetas ametlikult oma eksisteerimise 1969. aastal. See aitas suuresti kaasa teadvuse kujunemisele kaasaegne inimene. Liikumise põhifiguurid Andre Breton- liikumise kirjanik, juht ja ideoloogiline inspireerija, Louis Aragon- üks sürrealismi rajajaid, kellest veidral kombel hiljem kommunismilauljaks kujunes, Salvador Dali- kunstnik, teoreetik, luuletaja, stsenarist, kes määratles liikumise olemuse sõnadega: "Sürrealism olen mina!", aastal kõrgeim aste sürrealistlik operaator Luis Buñuel, maalikunstnik Juan Miro- "kõige ilusam sulg sürrealismi kübaral", nagu Breton seda nimetas, ja paljud teised kunstnikud üle maailma.

Fovism(prantsuse keelest les fauves - metsik (loomad)) Kohalik suund maalikunstis varakult. 20. sajandil Nimi F. anti pilkamiseks noortele Pariisi kunstnikele ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), kes osales ühiselt mitmetel näitustel aastatel 1905–1907, pärast esimest näitust 1905. aastal. Nime võttis rühmitus ise ja asus selle taga kindlalt kinni. Suunal polnud selgelt sõnastatud programmi, manifesti ega oma teooriat ega kestnud kaua, jättes siiski kunstiajalukku märgatava jälje. Selle osalejaid ühendas neil aastatel soov luua kunstilised pildid eranditult ülierksa avatud värvi abil. Postimpressionistide kunstiliste saavutuste arendamine ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), tuginedes mõnele keskaegse kunsti vormitehnikale (vitraaž, romaani kunst) ja jaapani gravüürile, mis on Prantsusmaa kunstiringkondades populaarne juba impressionistide ajast, püüdsid fovistid maksimaalselt ära kasutada maalikunsti koloristlikke võimalusi.

Ekspressionism(prantsuse väljendist - ekspressiivsus) - modernistlik suund Lääne-Euroopa kunstis, peamiselt Saksamaal, 20. sajandi esimesel kolmandikul, mis kujunes välja teatud ajalooperioodil - Esimese maailmasõja eelõhtul. Ekspressionismi ideoloogiline alus oli individualistlik protest inetu maailma vastu, inimese üha suurenev võõrandumine maailmast, kodutuse tunne, kokkuvarisemine ja nende põhimõtete lagunemine, millele Euroopa kultuur näis nii kindlalt toetumas. Ekspressionistid kalduvad müstika ja pessimismi poole. Ekspressionismile iseloomulikud kunstilised võtted: illusoorse ruumi tagasilükkamine, objektide tasapinnalise tõlgenduse soov, objektide deformatsioon, armastus teravate värviliste dissonantside vastu, eriline värv, mis kehastab apokalüptilist draamat. Kunstnikud tajusid loovust emotsioonide väljendamise viisina.

Suprematism(lat. supremus - kõrgeim, kõrgeim; esimene; viimane, äärmuslik, ilmselt läbi poola supremacja - üleolek, ülemvõim) 20. sajandi esimese kolmandiku avangardkunsti suund, looja, peamine esindaja ja teoreetik kellest oli vene kunstnik Kazimir Malevitš. Termin ise ei peegelda suprematismi olemust. Tegelikult on see Malevitši arusaamade kohaselt hinnanguline omadus. Suprematism on kõrgeim aste kunsti arengus kõigest mittekunstilisest vabanemise teel, teel mitteobjektiivse kui mis tahes kunsti olemuse ülima paljastamiseni. Selles mõttes pidas Malevitš suprematistlikuks (või “ülimalikuks”) ka primitiivset dekoratiivkunsti. Esmalt kasutas ta seda terminit suure hulga oma maalide puhul (39 või enam), mis kujutasid geomeetrilisi abstraktsioone, sealhulgas kuulsat "must ruut" valgel taustal, "must rist" jne, mis on eksponeeritud Petrogradi futuristide näitusel "null- kümme" 1915. aastal Just nende ja sarnaste geomeetriliste abstraktsioonide taha hakati kinni pidama nimetus Suprematism, kuigi Malevitš ise viitas sellele paljudele oma 20ndate aastate teostele, mis väliselt sisaldasid konkreetseid esemeid, eriti inimeste figuure, kuid säilitasid "Suprematistlik vaim". Ja tegelikult ei anna Malevitši hilisemad teoreetilised arengud alust taandada suprematismi (vähemalt Malevitši enda) ainult geomeetrilisteks abstraktsioonideks, kuigi need loomulikult moodustavad selle tuuma, olemuse ja isegi (must ja valge ja valge ja valge). Suprematism) viivad maalikunsti kunstivormina üldiselt oma eksisteerimise piirini, s.o pildilise nullini, millest kaugemale pole enam maalikunsti. Seda teed jätkasid sajandi teisel poolel mitmed kunstitegevuse suunad, mis loobusid pintslitest, värvidest ja lõuendist.

vene keel avangardistlik 1910. aastad kujutavad endast üsna keerukat pilti. Seda iseloomustab kiire stiilide ja suundumuste muutumine, kunstnike rühmade ja ühenduste rohkus, millest igaüks kuulutas oma loovuse kontseptsiooni. Midagi sarnast juhtus sajandi alguses Euroopa maalikunstis. Stiilide segunemine, voolude ja suundade "segadus" oli aga läänele tundmatu, kus liikumine uute vormide poole oli järjekindlam. Paljud noorema põlvkonna erakordse kiirusega meistrid liikusid stiililt stiilile, lavalt lavale, impressionismist modernsuseni, siis primitivismi, kubismi või ekspressionismi juurde, läbides palju samme, mis oli prantsuse või saksa maalikunsti meistritele täiesti ebatüüpiline. . Vene maalikunstis kujunenud olukord oli suuresti tingitud revolutsioonieelsest õhkkonnast riigis. Ta süvendas paljusid vastuolusid, mis olid omased kogu Euroopa kunstile tervikuna, sest. Vene kunstnikud õppisid Euroopa mudelite järgi, olid hästi kursis erinevate koolkondade ja pildisuundadega. Omamoodi vene "plahvatus" kunstielus mängis seega ajaloolist rolli. 1913. aastaks jõudis just vene kunst uutele piiridele ja silmaringi. Ilmnes täiesti uus mitteobjektiivsuse fenomen – piir, millest prantsuse kubistid ei julgenud üle astuda. Ükshaaval nad ületavad selle joone: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevitš K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturism Kohalik suundumus 20. sajandi alguse vene avangardis (maalis ja luules). Kubofuturism tekkis kujutavas kunstis pildileidude, kubismi, futurismi ja vene neoprimitivismi ümbermõtestamise alusel. Peamised teosed on loodud ajavahemikus 1911-1915. Kubofuturismi iseloomulikumad maalid tulid välja K. Malevitši pintsli alt, samuti kirjutasid Burliuk, Puni, Gontšarova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Malevitši esimesi kubofuturistlikke töid eksponeeriti 1913. aasta kuulsal näitusel. "Sihtmärk", millel debüteeris ka Larionovi Luchism. Välimuselt on kubofuturistlikel teostel ühisosa F. Legeri samal ajal loodud kompositsioonidega ning tegemist on poolobjektiivsete kompositsioonidega, mis koosnevad silindri-, koonuse-, kolvi-, kestakujulistest õõnsatest mahulistest värvilistest vormidest, sageli metallilise läikega. Juba esimestes sellistes Malevitši teostes on märgata kalduvust liikuda loomulikust rütmist masinamaailma puhtmehaanilistele rütmidele (Plotnik, 1912, Veski, 1912, Klyuni portree, 1913).

neoplastika- üks varasemaid abstraktse kunsti liike. Selle lõid 1917. aastal Hollandi maalikunstnik P. Mondrian ja teised kunstnikud, kes kuulusid ühingusse Style. Neoplastismi iseloomustab selle loojate sõnul soov "universaalse harmoonia" järele, mis väljendub suurte ristkülikukujuliste kujundite rangelt tasakaalustatud kombinatsioonides, mis on selgelt eraldatud risti asetsevate mustade joontega ja maalitud põhispektri kohalikes värvides (valge ja hallid toonid). Neoplastilisus (Nouvelle plastique) See termin ilmus Hollandis 20. sajandil. Piet Mondrian ta määratles oma plastilised mõisted, mida süstematiseeris ja kaitses rühmitus ja 1917. aastal Leidenis asutatud ajakiri "Style" ("De Stiji"). Neoplastismi põhijooneks oli väljendusvahendite range kasutamine. Neoplastism võimaldab vormi ehitada ainult horisontaalsetel ja vertikaalsetel joontel. Esimene põhimõte on joonte ületamine täisnurga all. 1920. aasta paiku lisati sellele teine, mis tõmmet eemaldades ja tasapinda rõhutades piirab värvid punase, sinise ja kollasega, s.o. kolm puhast põhivärvi, millele saab lisada ainult valget ja musta. Selle ranguse abil kavatses neoplastism ületada individuaalsust, et saavutada universalism ja luua seeläbi maailmast uus pilt.

Ametlik "ristimine" orfism juhtus Salon des Indépendantsis aastal 1913. Nii kirjutas kriitik Roger Allard oma ettekandes salongi kohta: "... paneme tulevaste ajaloolaste jaoks tähele, et 1913. aastal sündis uus orfismi koolkond ..." ("La Cote" Pariis 19. märts 1913). Teda kordas teinegi kriitik Andre Varno: "1913. aasta salongi tähistas orfikooli uue koolkonna sünd" ("Comoedia" Pariis 18.03.1913). Lõpuks Guillaume Apollinaire kinnitas seda väidet, hüüdes uhkuseta: „See on orfism. Siin ilmnes esimest korda see trend, mida ennustasin” (“Montjoie!” Paris Supplement to 18. March 1913). Tõepoolest, termin leiutati Apollinaire(Orfism kui Orpheuse kultus) ja esmakordselt kuulutati avalikult välja kaasaegse maalikunsti loengu ajal ja loeti oktoobris 1912. Mida ta sellega mõtles? Tundub, et ta ise ei tea seda. Pealegi ei osanud ta selle uue suuna piire määratleda. Tegelikult oli tänapäevani valitsev segadus tingitud sellest, et Apollinaire ajas alateadlikult segamini kaks probleemi, mis on loomulikult omavahel seotud, kuid enne nende ühendamist oleks ta pidanud rõhutama nende erinevusi. Ühelt poolt looming Delaunay piltlik ekspressiivne tähendab täielikult värvipõhist ja teisalt kubismi laienemist mitme erineva suuna esilekerkimise kaudu. Pärast vaheaega Marie Laurenciniga 1912. aasta suve lõpus otsis Apollinaire peavarju Delaunay perekonna juurest, kes võtsid ta Rue Grand-Augustini töökojas sõbraliku mõistmisega vastu. Just sel suvel koges Robert Delaunay ja tema naine sügavat esteetilist arengut, mis viis maalikunsti nn hävitava perioodini, mis põhines ainult värvikontrastide konstruktiivsetel ja ruumilis-ajalistel omadustel.

Postmodernism (postmodernism, postavangard) -

(lad. post "pärast" ja modernism), koondnimetus kunstisuundadele, mis said eriti selgeks 1960. aastatel ning mida iseloomustab modernismi ja avangardi positsiooni radikaalne revideerimine.

abstraktne ekspressionism sõjajärgne (XX sajandi 40ndate lõpp - 50ndad) etapp abstraktse kunsti arengus. Termini enda võttis kasutusele 1920. aastatel saksa kunstikriitik E. von Sydow (E. von Sydow), et viidata ekspressionistliku kunsti teatud aspektidele. 1929. aastal kasutas ameeriklane Barr seda Kandinsky varajaste teoste iseloomustamiseks ja 1947. aastal nimetas ta teoseid "abstrakt-ekspressionistideks". Willem de Kooning ja Pollock. Sellest ajast peale on abstraktse ekspressionismi mõiste kinnistunud üsna laia, stiililiselt ja tehniliselt kirju abstraktse maali (ja hiljem skulptuuri) valdkonna taha, mis 50ndatel kiiresti arenes. USA-s, Euroopas ja seejärel kogu maailmas. Abstraktse ekspressionismi otseseid esivanemaid peetakse varasteks Kandinski, ekspressionistid, orfistid, osaliselt dadaistid ja sürrealistid oma mentaalse automatismi põhimõttega. Abstraktse ekspressionismi filosoofiline ja esteetiline alus oli suuresti sõjajärgsel perioodil populaarne eksistentsialismi filosoofia.

Valmis(Inglise ready-made - ready) Mõiste tõi kunstiajaloo leksikoni esmakordselt kasutusele kunstnik Marcel Duchamp nimetada kunstiteosteks oma teosed, mis on utilitaarse kasutuse objektid, mis on eemaldatud nende tavapärasest toimimiskeskkonnast ja eksponeeritud ilma muudatusteta kunstinäitusel. Ready-Made nõudis asjale ja asjadele uut vaadet. Objekt, mis lakkas täitmast oma utilitaarseid funktsioone ja sattus kunstiruumi konteksti, st sai mitteutilitaarse mõtiskluse objektiks, hakkas paljastama uusi tähendusi ja assotsiatiivseid käike, mida ei tundnud ei traditsiooniline kunst argi-utilitaarne olemise sfäär. Teravalt kerkis esile esteetika ja utilitarismi suhtelisuse probleem. Esimene valmis Duchamp eksponeeritud New Yorgis 1913. Kurikuulsaim tema Ready-Made. teras "Ratas jalgrattalt" (1913), "Pudelikuivati" (1914), "Purskkaev" (1917) - nii tähistati tavalist pissuaari.

Popkunst. Pärast Teist maailmasõda moodustus Ameerikas suur sotsiaalne kiht inimesi, kes teenisid piisavalt raha, et osta kaupu, mis polnud neile eriti olulised. Näiteks kaupade tarbimine: Coca cola või Levi teksad muutuvad selle ühiskonna oluliseks atribuudiks. Seda või teist toodet kasutav inimene näitab oma kuuluvust teatud sotsiaalsesse kihti. Kujunes välja praegune massikultuur. Asjadest said sümbolid, stereotüübid. Popkunst kasutab tingimata stereotüüpe ja sümboleid. popkunst(Pop Art) kehastas uute ameeriklaste loomingulisi otsinguid, mis toetusid Duchampi loomingulistele põhimõtetele. See: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, ja teised. Popkunst on omandamas massikultuuri tähtsust, mistõttu pole üllatav, et see võttis kuju ja muutus Ameerikas kunstiliikumiseks. Nende liitlased: Hamelton R, Ton Hiina valitud asutuseks Kurt Schwieters. Popkunsti iseloomustab teos – illusioon mängust, mis selgitab objekti olemust. Näide: pirukas K. Oldenburg kujutatud mitmel viisil. Kunstnik ei pruugi kujutada torti, vaid hajutada illusioone, näidata, mida inimene näeb päriselt. Omanäoline on ka R. Rauschenberg: ta kleepis lõuendile erinevaid fotosid, joonistas need välja ja kinnitas teosele mõne topise. Üks tema kuulsatest töödest on topis siil. Tuntud on ka tema maal, kus ta kasutas Kenedyst tehtud fotosid.

Primitivism (naiivne kunst). Seda mõistet kasutatakse mitmes tähenduses ja see on tegelikult mõistega identne "primitiivne kunst". Erinevates keeltes ja erinevate teadlaste poolt kasutatakse neid mõisteid kõige sagedamini, et viidata samadele nähtustele kunstikultuuris. Vene keeles (nagu ka mõnes teises) on terminil "primitiivne" mõnevõrra negatiivne tähendus. Seetõttu on õigem keskenduda kontseptsioonile naiivne kunst. Laiemas mõttes tähendab see art, mida eristab pildi- ja väljenduskeele lihtsus (või lihtsustus), selgus ja vormiline vahetus, mille abil väljendub eriline nägemus maailmast, mida tsivilisatsioonilised konventsioonid ei koorma. Mõiste ilmus viimaste sajandite uues Euroopa kultuuris, seetõttu peegeldab see end kõrgeimaks arenguastmeks pidanud kultuuri professionaalseid seisukohti ja ideid. Nendelt positsioonidelt tähendab naivistlik kunst ka antiikrahvaste (Egiptuse- või Kreeka-eelsete tsivilisatsioonide) arhailist kunsti, näiteks primitiivset kunsti; oma kultuurilises ja tsivilisatsioonilises arengus hilinenud rahvaste kunst (Aafrika, Okeaania põliselanikkond, Ameerika indiaanlased); amatöör- ja mitteprofessionaalne kunst kõige laiemas skaalas (näiteks Kataloonia kuulsad keskaegsed freskod või esimeste Euroopast pärit Ameerika immigrantide mitteprofessionaalne kunst); palju nn "rahvusvahelise gootika" teoseid; rahvakunst; ja lõpuks 20. sajandi andekate primitivistlike kunstnike kunst, kes ei saanud küll professionaalset kunstiharidust, kuid tunnetasid endas kunstilise loovuse andi ja pühendusid selle iseseisvale realiseerimisele kunstis. Mõned neist (prantsuse A. Russo, K. Bombois, gruusia keel N. Pirosmanishvili, Horvaatia I. Generalich, Ameerika OLEN. Robertson jt) on loonud tõelisi kunsti meistriteoseid, millest on saanud osa maailmakunsti aardest. Naiivne kunst on oma maailmanägemuse ja kunstilise esitusviisi poolest ühelt poolt mõneti lähedane lastekunstile. teiselt poolt vaimuhaigete tööle. Sisuliselt erineb see aga mõlemast. Lastekunstile on maailmavaateliselt kõige lähedasem Okeaania ja Aafrika arhailiste rahvaste ja põliselanike naivistlik kunst. Selle põhimõtteline erinevus lastekunstist seisneb sügavas sakraalsuses, traditsionalismis ja kanoonilisuses.

pole kunsti(Net Art - inglise keelest net - network, art - art) Kunsti uusim vorm, kaasaegsed kunstipraktikad, arenevad arvutivõrkudes, eriti Internetis. Selle arendamisse panustavad teadlased Venemaal O. Lyalina, A. Shulgin usuvad, et Net-kunsti olemus taandub suhtlus- ja loomeruumide loomisele veebis, pakkudes kõigile täielikku võrgustiku olemise vabadust. Seega Net-kunsti olemus. mitte esitus, vaid kommunikatsioon ja selle algne kunstiüksus on elektrooniline sõnum. 80ndatel ja 90ndatel tekkinud Net-art arengus on vähemalt kolm etappi. 20. sajandil Esimene oli see, kui pürgivad veebikunstnikud lõid pilte arvutiklaviatuurilt leitud tähtedest ja ikoonidest. Teine sai alguse sellest, et internetti tulid põrandaalused artistid ja lihtsalt kõik, kes tahtsid midagi oma loomingust näidata.

OP-ART(ing. Op-art - optilise kunsti lühendatud versioon - optiline kunst) - 20. sajandi teise poole kunstiline liikumine, mis kasutab erinevaid visuaalseid illusioone, mis põhinevad tasapinnaliste ja ruumiliste kujundite tajumise tunnustel. Praegune jätkab ratsionalistlikku tehnismi (modernismi) joont. See läheb tagasi nn "geomeetrilise" abstraktsionismi juurde, mille esindaja oli V. Vasarely(1930–1997 töötas ta Prantsusmaal) – opkunsti rajaja. Op-kunsti võimalused on leidnud rakendust tööstusgraafikas, plakatites ja disainikunstis. Op-kunsti (optilise kunsti) suund sai alguse 50ndatel abstraktsionismist, kuigi seekord oli see teist sorti - geomeetriline abstraktsioon. Selle levik vooluna pärineb 60ndatest aastatest. 20. sajandil

Graffiti(grafiti - arheoloogias, kõik joonised või kirjad kriimustatud mis tahes pinnale, Itaalia grafiirist - kriimustus) erinevat tüüpi pihustuspüstolid, värviga aerosoolpurgid. Sellest ka teine ​​nimi "pihusti kunst" - Spray-art. Selle päritolu seostatakse graffiti massilise ilmumisega. 70ndatel. New Yorgi metroo vagunitel ja seejärel avalike hoonete seintel kaupluste rulood. Graffiti esimesed autorid. seal olid enamasti noored töötud etniliste vähemuste kunstnikud, eeskätt puertoricolased, seetõttu ilmnesid esimeses Graffitis mõned Ladina-Ameerika rahvakunsti stiililised jooned ja nende autorid protestisid nende ilmumise eest mitte selleks ettenähtud pindadele. jõuetu asend. 80ndate alguseks. kujunes välja terve trend peaaegu professionaalsetest meistritest G. Nende tegelikud nimed, mis olid varem varjunimede all peidetud, said tuntuks ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Mõned neist viisid oma tehnika üle lõuendile ja hakkasid New Yorgi galeriides eksponeerima ning peagi ilmusid Euroopasse grafitid.

HÜPERREALISM(hüperrealism - inglise keel) või fotorealism (fotorealism - inglise keel) - kunstnik. liikumine maalis ja skulptuuris, fotograafia baasil, tegelikkuse reprodutseerimine. Hüperrealism on nii oma praktikas kui ka esteetilistes orientatsioonides naturalismile ja pragmatismile lähedane popkunstile. neid ühendab eelkõige tagasipöördumine kujundlikkuse juurde. See toimib antiteesina kontseptualismile, mis mitte ainult ei murdnud representatsiooni, vaid seadis kahtluse alla ka kunsti materiaalse teostuse põhimõtte. kontseptsioon.

maakunst(inglise keelest land art - earthen art), suund viimase kolmandiku kunstisXXsajandil, tuginedes reaalse maastiku kasutamisele peamise kunstilise materjali ja objektina. Kunstnikud kaevavad kaevikuid, loovad veidraid kivihunnikuid, värvivad kive, valides oma tegevuseks tavaliselt mahajäetud kohti - põlised ja metsikud maastikud, püüdes seeläbi justkui kunsti loodusesse tagasi tuua. Tänu temale<первобытному>Välimuselt on paljud sedalaadi tegevused ja objektid lähedased arheoloogiale ja ka fotokunstile, kuna suurem osa avalikkusest saab neid vaadelda vaid fotoseeriates. Näib, et peame leppima järjekordse barbaarsusega vene keeles. Ma ei tea, kas see on kokkusattumus, et termin<лэнд-арт>ilmus lõpus 60ndad ajal, mil arenenud ühiskondades suunas üliõpilaskonna mässumeelne vaim oma jõud väljakujunenud väärtuste kukutamiseks.

MINIMALISM(minimal art - inglise: minimal art) - kunstnik. vool, mis lähtub loovuse protsessis kasutatud materjalide minimaalsest transformatsioonist, vormide lihtsusest ja ühtsusest, ühevärviline, loominguline. kunstniku enesepiiramine. Minimalismi iseloomustab subjektiivsuse, representatsiooni, illusionismi tagasilükkamine. Klassika tagasilükkamine loovus ja traditsioon. kunstiline materjale, minimalistid kasutavad lihtsa geomeetriaga tööstuslikke ja looduslikke materjale. kasutatakse kujundeid ja neutraalseid värve (must, hall), väikeseid mahtusid, tööstusliku tootmise seeria-, konveiermeetodeid. Artefakt minimalistlikus loovuse kontseptsioonis on selle tootmisprotsessi ettemääratud tulemus. Maali ja skulptuuri kõige täiuslikuma arengu saanud minimalism, mida tõlgendatakse laiemas tähenduses kunstniku majandusena. fondidest, leidis rakendust ka teistes kunstiliikides, eelkõige teatris ja kinos.

Minimalism sai alguse Ameerika Ühendriikidest trans. korrus. 60ndad Selle päritolu on konstruktivismis, suprematismis, dadaismis, abstraktsionismis, formalistlikus Ameris. 1950. aastate maal, popkunst. Otsene minimalismi eelkäija. on Amer. maalikunstnik F. Stella, kes esitles aastatel 1959-60 "Mustade maalide" sarja, kus valitsesid korrapärased sirgjooned. Esimesed minimalistlikud teosed ilmuvad aastatel 1962-63 Mõiste "minimalism". kuulub R. Walheimile, kes tutvustab seda seoses loovuse analüüsiga M. Duchamp ja popkunstnikud, minimeerides artisti sekkumist keskkond. Selle sünonüümid on "lahe kunst", "ABC kunst", "seeriakunst", "esmastruktuurid", "kunst kui protsess", "süstemaatiline kunst". maalimine". Esinduslikumate minimalistide hulgas on − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Neid ühendab soov sobitada artefakt keskkonda, ületada materjalide loomulikku tekstuuri. D. Jade määratleb selle kui "spetsiifiline. objekt”, mis erineb klassikalisest. plastitööd. kunstid. Sõltumatu, valgustus mängib rolli minimalistliku kunsti loomise viisina. olukorrad, originaalsed ruumilahendused; teoste loomisel kasutatakse arvutimeetodeid.

Tänapäeval ei peeta disainereid käsitöölisteks, kuid vanasti suhtusid silmapaistvad käsitöölised sellel alal tegutsenud kunstnikele halvustavalt. Ilja Repin kirjutas: "Teha vaipu, mis paitavad silma, punuvad pitsi, tegelevad moega – ühesõnaga segavad igati jumala kingitus munapudruga." Aja jooksul on suhtumine moeloojatesse muutunud – Kultura.RF räägib, kuidas vene kunstnikest said trendiloojad.

Idamaised motiivid

Leon Bakst. Kostüümikujundus balletile "Narcissus" Bachae rolli jaoks. 1911. Foto: porusski.me

Leon Bakst. Kostüümikujundus balletile Kleopatra. 1910. Foto: archive.ru

Leon Bakst. Kostüümikujundus balletile "Karneval" Estrella rolli. 1910. Foto: archive.ru

Leon Bakst on enim tuntud maalikunstnikuna ja teatrikunstnikuna. Kuid just tema tõestas esmalt, et kostüümikunstniku töö väärib tähelepanu ja imetlust.

Sergei Djagilevi balletikompanii etendused Pariisis 1900. aastate lõpus ja 1910. aastate alguses olid valdavalt edukad ja populaarsed. Baksti loodud eksootilised maastikud ja kostüümid avaldasid publikule "hüpnootilist efekti". Ja teatrilavalt rändasid tema ideed auditooriumi. Kunstnik Mstislav Dobužinski kirjutas: "täpsustus erksad värvid, sulgede ja kullaga kootud kangaste turbanite luksus, kaunistuste ja kaunistuste lopsakas rohkus – kõik see oli nii hämmastav, oli nii kooskõlas uue januga, et elu võttis selle omaks. [Charles Frederic] Worth ja [Jeanne] Paquin – Pariisi moesuuna suunajad – hakkasid Baksti propageerima..

Värvilised sukad, kividega kaunistatud kingad, suurrätikud, sallid, pilkupüüdvad kostüümiehted (pikad kunstpärlite nöörid, suurte kividega ehted, arvukad käevõrud kätel ja jalgadel), turbanid, värvilised parukad, särav dekoratiivkosmeetika ja palju muud - 1910. aastate mood kujunes Baksti ja tema "idapoolsete" teoste suurel mõjul.

Peagi hakkas Leon Bakst mõjutama Euroopa moodi tööstuse seest: ta lõi moemajade kostüümide visandeid, joonistas kangastele mustreid ja, nagu meenutas maalikunstnik Kuzma Petrov-Vodkin, "riietas Pariisi lihasööjate idamaiste siididega". Tolle ajastu üks silmapaistvamaid kulturiid Paul Poiret eitas, et ta oleks Baksti teostest inspireeritud, kuid oli esimene, kes pakkus vene kunstnikule koostööd. Just sel perioodil muutus Poiret’ värvilahendus ootamatult heledaks – ja selles on näha Baksti mõju. Edaspidi töötasid Bakst ja Poiret sarnastes suundades ning mõlemale omistati palju moekaid uudiseid: näiteks haaremipüksid naiste õhturiietusena, ülikitsad "lonkavad seelikud" ja mitmekihilised komplektid.

Leon Bakst tegi maailmamoe heaks palju ega pidanud seda kunstniku väärituks. Vahetult enne oma surma ütles ta ühes intervjuus: «Kunstis pole suurt ja väikest. Kõik on kunst".

avangardi mood

Natalia Gontšarova. Kostüümikujundus Leonid Myasini balletile "Liturgia" - Seraphim. 1915. Foto: avangardism.ru

Natalia Gontšarova kostüümi visandi kallal. 1916. Foto: theartnewspaper.ru

Natalia Gontšarova. Kostüümikujundus balletile "Borisfen" Sergei Prokofjevi muusikale. 1932. Foto: theartnewspaper.ru

Natalia Gontšarova töid peetakse tänapäeval kõigi naiskunstnike seas kõige kallimaks ja temast endast on saanud välismaal kõige kuulsam vene kunstnik. Aleksandr Puškini naise lapselapselapselaps Gontšarova kavatses alguses skulptoriks hakata. Kunstnik Mihhail Larionov, kellega ta hiljem abiellus, soovitas tal aga maalimisega tegeleda – ja Gontšarova pöördus peagi kunsti ja käsitöö poole.

1913. aastal kirjutas maalikunstnik, kriitik ja kunstikriitik Alexandre Benois oma päevikusse: “Goncharova moesari on võluv. Nende kleitide värvid on kunstipärased, mitte kleepuvad. Miks saan alles nüüd teada, et kunstnik on oma energiad naisterõivaste värskendamisele pühendanud, miks ei lähe Moskva kuulsad moemehed tema juurde ega õpi temalt? Moemehed jäid hiljaks: Sergei Diaghilev kutsus Gontšarova Pariisi, et töötada koos Vene aastaaegade maastikel ja kunstnik ei naasnud enam kodumaale. Arvatakse, et enne Prantsusmaale lahkumist müüs Goncharova rõivaste visandid kuulsale käsitöölisele Nadežda Lamanovale, kelle ateljee asus salongi lähedal, kus samal 1913. aastal peeti kunstniku esimene näitus.

Paguluses jätkas Natalia Gontšarova koostööd ajakirjade ja moemajadega - säilinud on palju visandeid. Pariisi moemuuseumis hoitakse ka Goncharova rõivaid. Kahjuks pole täna teada ei moekunstnike ega nende teoste tellijate nimesid, kuid on ilmne, et ühe vene avangardi rajaja säravad dekoratiivsed tööd ei saanud 1910. aastatel tähelepanuta jätta. Isegi Natalia Gontšarova enda välimus ja tema stiil – näiline hoolimatus ja lihtsus – olid avangardsed ja mõnevõrra oma ajast ees.

Ligipääsetavus ja originaalsus

Vera Mukhina. Kostüümikujundus, ajakiri Atelier, 1923. Foto: fashionblog.com

Vera Mukhina ja Natalia Lamanova. Kodukleidi eskiis pearätist. Foto: nlamanova.ru

Vera Mukhina. Pungakleidi visand. Ajakirja Atelier kaas, 1923. Foto: casual-info.ru

Legendaarse kuju "Tööline ja kolhoosinaine" autor Vera Mukhina ei tegelenud mitte ainult monumentaalkunstiga. Ta joonistas palju ja lõi juba enne revolutsiooni mitmeid visandeid teatrikostüümide jaoks ja Kammerteatri lavastuste kujundamiseks, mida kahjuks ei toimunud. Ja 1920. aastatel pühendas ta palju aega tarbekunstile, sealhulgas rõivaste loomisele.

Esimene NSVL igapäevaste kostüümide modelleerimiskeskuses "Moodsate kostüümide töötoad", Riikliku Kunstiteaduste Akadeemia kostüümiosakond - Mukhina osales aktiivselt kõikjal. 1923. aastal ilmus ajakiri Atelier – esimene nõukogude moeajakiri. Üks tema silmatorkavamaid modelle oli Mukhina modell, kes oli riietatud kohevasse pungaseelikusse ja laia äärega punasesse mütsi. Kunstniku visandid avaldati ka ajakirjas Krasnaja Niva.

Varsti kohtus Vera Mukhina Nadežda Lamanovaga. 1925. aastal andsid nad ühiselt välja "Kunst igapäevaelus" - suurejooneliste, kuid praktiliste mudelitega albumi, mida iga nõukogude naine võiks kodus korrata. Lamanova tegutses selles koostöös teoreetikuna ja Mukhina kehastas oma ideid paberil. Seejärel osalesid nad Pariisis rahvusvahelisel dekoratiivkunsti ja kunstitööstuse näitusel. Tagasihoidlikud mudelid kõigest lihtsad materjalid folk-stiilis kaunistustega võistlesid Euroopa moeloojate luksuslike rõivastega – ja väga edukalt: Mukhina ja Lamanova said Grand Prix "rahvusliku identiteedi eest koos moodsa moevooluga".

1933. aastal avati Moskva Moemudelite Maja ja Vera Mukhina sai selle kunstinõukogu liikmeks. Nagu Leon Bakst omal ajal märkis, on kunstnikud moekunstnikest ees.

Uus rõivakontseptsioon ja unisex

Aleksander Rodtšenko. Varvara Stepanova enda eskiisi järgi kangast valmistatud kleidis, mis on toodetud Esimeses Puuvillatrükitehases. Foto: jewish-museum.ru

Aleksander Rodtšenko. Lilya Brik Varvara Stepanova trükiga sallis. 1924. Foto: jewish-museum.ru

Aleksander Rodtšenko ja Varvara Stepanova. 1920. aastad Foto: jewish-museum.ru

Kunstnik Varvara Stepanovat meenutatakse tavaliselt koos abikaasa Aleksandr Rodtšenkoga, väljapaistva kunstniku ja fotograafiga. Kuid "vägivaldne Stepanova", nagu Vladimir Majakovski teda kutsus, polnud ainult kuulsa autori naine ja liitlane. "Vene avangardi amatsoon", konstruktivismi särav esindaja, suutis, nagu see suund nõuab, loobuda kunstist kunsti nimel. Õigemini, sundis teda teenima tavalisi inimesi.

1922. aastal avati Moskvas esimene puuvillatrükitehas. Tootmistöölistele tulid appi kunstnikud. Varvara Stepanova ja tema sõber Ljubov Popova hakkasid tekstiilidisaineriteks ja hakkasid kujundama trükiseid kangastele. Klambrid, tsintsid, flanelletid, krepp-de chiinid kaunistasid selgelt määratletud kontuuridega jooniseid, abstraktseid vorme, mitteobjektiivseid suprematistlikke ornamente. Vaid kahe aasta jooksul tehases töötades töötas Stepanova välja 150 visandit, millest 20 trükiti.

Aleksander Rodtšenko. Stepanova disainitud spordirõivastes õpilased. 1924. Foto: avangardism.ru

Varvara Stepanova. Eskiis spordidressist. 1923. Foto: avangardism.ru

Aleksander Rodtšenko. Jevgenia Sokolova (Žemtšužnaja) demonstreerib Varvara Stepanova disainitud spordidressi. 1924. Foto: casual-info.ru

Samal ajal õpetas kunstnik Kõrgemate Kunsti- ja Tehniliste Töökodade tekstiiliosakonnas. Stepanova osutus ka säravaks moeteoreetikuks, kes töötas välja uut lähenemist riietusele. Artiklis "Tänane ülikond on üldine" kirjutas ta: "Mood, mis peegeldab psühholoogiliselt elu, harjumusi, esteetilist maitset, annab teed erinevatel tööharudel töötamiseks organiseeritud riietele,<...>riideid, mida saab näidata ainult selles töötades, väljas päris elu ei esinda iseseisvat väärtust, erilist liiki "kunstiteoseid". Stepanova soovitas dekoratiivsuse ja kaunistamise asendada mugavuse ja otstarbekusega. Uus nõukogude mees vaja uusi sobivaid riideid. Tema disainitud geomeetriliste mustritega dressid olid mugavad ja sobisid võrdselt nii meestele kui naistele.

Ajakiri LEF kirjutas isegi Popova kohta: "Ta veetis päevi ja öid kaliibritele joonistades, püüdes ühes loomingulises teos ühendada majanduse nõuded, väliskujunduse seadused ja Tula talunaise salapärane maitse. Ükski kompliment või meelitav pakkumine ei suutnud teda võrgutada. Ta keeldus kategooriliselt kõigist näituse ja muuseumi jaoks tehtud töödest. Kaliko “arvamine” oli tema jaoks võrreldamatult köitvam kui puhtast kunstist pärit esteetiliste härrasmeeste “meeldimine”..

Popova kompassi ja joonlauaga joonistatud geomeetrilised kaunistused tundusid alguses ebatavalised ning paljud pidasid neid naisterõivasteks sobimatuks. Uute mustritega kangad saatsid aga nii suure edu, et 1924. aasta suvel Moskvas toimunud "Rahvaste Kongressi" ajal müüdi näidised "aršini välja".

Ja 1925. aastal toimus Pariisis rahvusvaheline näitus, sama, kus Vera Mukhina ja Nadezhda Lamanova tööd said Grand Prix. Selles osales ka Ljubov Popova. Nõukogude paviljoni disainer Aleksandr Rodtšenko kirjutas oma naisele Varvara Stepanovale: Ljubov Popova tekstiilijoonised 60 ja sinu 4 ". Tõsi, Popova ise ei saanud sellest kunagi teada - ta suri aasta enne näitust.

19. sajandi alguse kunsti seostatakse sotsiaalse tõusu ajastuga, mille põhjustas 1812. aasta Isamaasõda ja pärisorjusevastane liikumine, mis viis 1825. aastal dekabristide ülestõusuni.

Kunstikultuuri vallas antud periood toimus suhteliselt kiire suunamuutus: klassitsism annab teed romantism, ja romantism oma arenguteel kohtab üha suurenevat realism kunstis. Tõepoolest, see oli peamiselt maalimises. Kui 18. sajandi kunstnikud püüdlesid indiviidi individuaalse eripära edasiandmisel realismi poole, siis 19. sajandil hakati avalikus elus kujutama seda, mis oli väärtuslik, mis neile muret valmistas.

19. sajandi teisel veerandil oli kapitalism end juba enamikus Euroopa riikides sisse seadnud, Venemaal aga jätkus feodaal-orjussüsteemi lagunemine. Kuid nii Euroopas kui ka Venemaal iseloomustab seda perioodi tormiline ühiskonnaelu tõus – Euroopas on see eelkõige Prantsuse revolutsioon ja selle tagajärjed ning Venemaal kasvav võitlus pärisorjuse vastu, eriti pärast dekabristide ülestõusu läbikukkumist.

Sel perioodil domineeris seintel klassitsism Kunstiakadeemia, on oma progressiivse tähtsuse ammendanud. 1829. aastal allutati Akadeemia keiserliku õukonna osakonnale, nii saigi ametlike vaadete juht. Püüdes oma positsiooni kunstis tugevdada, püüdsid akadeemia õppejõud omandada teatud romantismile iseloomulikke võtteid. Nii kujunes välja akadeemilise romantismi meetod, mille eesmärk oli luua ideaalset, ülevat ilu, kaugel reaalsest igapäevaelust.

Vastupidiselt akadeemilisele kunstile hakkas 19. sajandi esimesel poolel Venemaal kujunema teine ​​kunst, mida hakati nn. kriitiline realism. Kunstnikud hakkasid avalikult, kasutamata evangeeliumilugude tinglikku vormi, paljastama oma kaasaegse ühiskonna pahesid, peetakse õigustatult vene kriitilise realismi rajajat maalikunstis. Pavel Fedotov.

19. sajandi teist poolt Venemaal iseloomustas uus hoog vabadusvõitluses parema elu nimel. Seltskondlikus liikumises asus juhtivale kohale intelligents. Pärisorjus kaotati, kuid elu sellest lihtsamaks ei muutunud.

Sel perioodil tõusis kunsti tähtsus, eelkõige maalikunsti, mida peeti võimsaks inimeste harimise vahendiks. 19. sajandi esimese poole lõpus hakkas tööle Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikool, mis on nüüdseks demokraatlike teede juhina ühiskonnas tohutut rolli mängima hakanud. Siin juurdus koheselt Veneetsia pedagoogiline süsteem, mis põhineb ümbritseva elu põhjalikul uurimisel. Oma rolli mängis ka see, et Kool asus pealinnast eemal, justkui inimeste elu keskel. Kooli õpilastest oli silmapaistvaim V. G. Perov

II poole perioodi kunsti eristab kõrge ideoloogiline sisu, kirglik huvi pakiliste ühiskondlike probleemide lahendamise vastu ja rahvapärane iseloom. Rahva teenindamine on saanud edumeelsete vene kunstnike üheks peamiseks eesmärgiks. Demokraatlike kunstnike teoste peateemaks sai esimest korda Vene kunsti ajaloos töörahva elu. Inimesi on kujutatud mitte väljast, vaid justkui seestpoolt. Selle rõhumisest, raskest elust ja õiguste puudumisest rääkisid rahvakaitsjateks saanud kunstnikud, kellest paljud ise olid rahva seast pärit. Need ühiskonnakriitilised meeleolud tungisid ka Kunstiakadeemia klassidesse: selle lõpetas 1861. V. Jacobi maali teostas "Vangide peatus". Ja 1864. aastal oli pildil suur edu. K. Flavitsky "Printsess Tarakanova", mis on pühendatud Peetruse ja Pauluse kindluse salapärasele vangile, keda peeti Elizabeth Petrovna tütreks.

Printsess Tarakanova (1864)

Vaatamata kõigile neile muutustele Venemaa avalikus elus jätkas Peterburi kunstiakadeemia akadeemilise, elukauge, abstraktse kunsti kaitsmist. Ikka peeti kõrgeimat maaliliiki ajaloo maalimine peamiselt mütoloogilistel ja religioossetel teemadel. Selle tulemusel sattusid edasijõudnud kunstnikud, kes ei tahtnud leppida Akadeemia mahajäänud põhimõtetega, vana õppesüsteemiga vastuollu, mille tulemusena avati "14. mäss" kunstnikud. Lõpetajad eesotsas kunstnik Kramskojaga keeldusid esinemast lõputöö antud mütoloogilisel teemal. Nad nõudsid vabadust teema valikul. Akadeemia nõukogu jättis lõpetajate taotluse rahuldamata, seejärel lahkusid nad protestiks Akadeemiast, keeldudes diplomist.

Akadeemiast lahkudes 9. novembril 1863 organiseerisid protestandid Kunstnike artell. Kogu afääri algataja oli Ivan Nikolajevitš Kramskoy. Arteli liikmed üürisid korteri ja asusid kokku elama. Majapidamist juhtis Kramskoi naine. Artel saavutas peagi tunnustuse. Talle helistati sageli "Kramskoi akadeemia". Igal neljapäeval kogunesid õhtuti maalikunstnikud ja kirjanikud artelli töökotta. Nendel õhtutel arutati põnevaid poliitika, seltsielu, kunsti teemasid – see kõik aitas kaasa kunstinoorte harimisele, kunstijõudude koondamisele.

Artell eksisteeris umbes 7 aastat ja lagunes 1870. aastal. Artelli asemele tuli uus kunstiühing - Rändkunstinäituste ühendus.

Väga oluline koht 19. sajandi kunstis on P. M. Tretjakovi tegevus, kes tõestas end tõelise Venemaa kodanikuna, asutades antiikajast alates vene maali- ja skulptuurikollektsiooni. Ta kulutas kogu oma raha maalide ostmisele ja toetas sageli rahaga vaeseid andekaid kunstnikke.

19. sajandi teise poole vene maalikunsti põhivaldkond oli majapidamisžanr. Juht oli paigal talupojateema. Rändurid kujutatud rahvaelu, mis näitab sotsiaalset konflikti Vene ühiskonna valitsevate ja rõhutud klasside vahel.Süüdistustraditsioonid jätkusid maalikunstis. tore koht võtab laste teema.

19. sajandi 2. poolel toimus vene kujutavas kunstis reform, mille kohaselt mütoloogiline, religioosne temaatika hakkas andma teed reaalsete ajaloosündmuste kujutamisele. Selle reformi alguse pani vene kunstnik Ge N.N.

19. sajandi teise poole Venemaa maastikul rullub lahti terav võitlus rahvusteema kehtestamise nimel. Tähelepanuväärsed kunstnikud Savrasov, Šiškin, Levitan ja teised murravad neil aastatel "idealiseeritud", "silutud", elust kaugel, peamiselt itaalia ja prantsuse, akadeemilise maastiku traditsioone ja pöörduvad oma kodumaa looduse kuvandi poole. Tšernõševski ütlus "Ilus on elu" leidis maastikumaali meistrite seas sooja vastukaja. Esindades loodust selle igapäevases, loomulikus välimuses, näitasid Rändurid selles laia poeesiat ja ilu.

20. sajandi 2. poolel paistsid vene maalikunstis silma mitmed eriti säravad, jõulised, andekad maalijad, ajaloolise maalikunsti meistrid - need on I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.

Vene kunst kujunes 19.-20. sajandi vahetusel revolutsioonilises meeleolus. Dekadentlikud vaated ja pessimism tungisid loomingulise intelligentsi keskkonda. Esteetilised väärtused on ühiskonnas muutunud. Otsides oma teed kunstis, hakkasid paljud kunstnikud ühinema erinevatesse kunstiorganisatsioonidesse - ühendustesse.

1903. aastal ühinesid paljud realistlikud kunstnikud "Vene kunstnike liit", kus jätkati rändurite traditsioone, kirjutati tõetruid, realistlikke teoseid. Selle perioodi tähelepanuväärsed kunstnikud olid Serov, Vrubel, Nesterov, Rjabuškin jne.